Le Cargo !

Deary

Mickaël Adamadorassy — 2026-07-22T21:47:19Z

Deary est un duo londonien entre dream pop, shoegaze et new wave qui séduit par la beauté de la voix vaporeuse de Dottie qui émerge à peine dans les immenses espaces plein de reverb que convoque la musique. C'est incroyablement frais, aérien et souvent porté par une batterie très cool et des lignes de guitare bien pensées.

En live au hasard ludique, c'est carrément une formule en quintet avec trois guitares que le groupe nous offre, pas simplement de la rythmique et du lead mais un enchevêtrement de sons et de façons de jouer très distinctes qui donne un ensemble captivant à écouter, où tout ne repose pas sur le chant de Dottie mais où à tout instant on peut se focaliser sur un autre membre du groupe et constater la pierre qu'il pose dans cet édifice sonore très shoegaze mais moins "brumeux" que sur disque, ce qui n'est pas un mal pour du live en fait. Dottie nous semble encore un peu timide, pas totalement décomplexée dans son rôle central mais la prestation vocale est impeccable et la voix se détache sans problème dans un mix plutôt embouteillé mais qui garde ce côté enveloppant, cette richesse que le groupe a sur disque.

Lakecia Benjamin

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2026-07-15T12:31:53Z

Retour sur une des soirées les plus flamboyantes du festival Jazz à Vienne avec la venue de Lakecia Benjamin, le mardi 7 juillet.

A l'affiche d'une soirée hip hop, Lakecia a conquis et enflammé le public dans le décor intemporel du théâtre antique.

À seulement 39 ans, cette saxophoniste et arrangeuse new-yorkaise (nommée six fois aux Grammy Awards), emporte les spectateurs à chacune de ses prestations avec des compositions aussi intenses et affirmées que spirituelles. Il en fut ainsi ce soir-là.

Son jeu précis et remarquable questionne les frontières de la musique contemporaine, et propose un dialogue vibrant entre jazz, rap, soul et funk.

Elle nous présente son album We dream, entourée d'un casting de grande qualité : Oscar Perez au piano, Elias Bailey à la basse et Jonathan Barber à la batterie. Une alchimie singulière se dégage de ce collectif, portée par un saxophone épousant les pulsations du hip hop, et donnant ainsi une musique en perpétuel mouvement.

Lakecia électrise le public par son charisme, sa générosité et sa fougue. Chacune de ses notes, paroles porte l'écho d'un engagement profond : celui d'être lumière dans un monde qui s'obscurcit. Ses phrasés porteurs d'espoir s'élèvent et font naître une musique à la fois viscérale et lumineuse.

Lakecia Benjamin s'est révélée éblouissante, et s'impose comme une saxophoniste volcanique dont le souffle embrase l'air et nous fait vivre une expérience mémorable !

Roma Luca

Mickaël Adamadorassy — 2026-07-14T21:01:53Z

Roma Luca était au Popup du label pour son deuxième EP. Quasiment jour pour jour 12 ans après notre premier concert avec elle sur la même scène. Entretemps il s'est passsé beaucoup de choses, Ottis Coeur bien sûr puis le retour en solo avec un premier EP déjà très réussi (pour lequel nous avons tourné une chouette session électrique) et maintenant Séléné qui confirme tout le bien qu'on pensait du projet : il y a la beauté, l'émotion dans le chant sur le "tube" du disque, « Ne baissons pas les bras », la qualité des arrangements sur "Du noir sur la colline", les approches très différentes de titre en titre mais toujours ce don, pas si courant, pour combiner textes en français qui accrochent er intention très rock.

En live sur la petite scène du pop-up, qui a décidé ce soir de limiter la machine à fumée (pas plus mal), c'est le trio que Roma Luca a choisi pour retranscrire toute cette palette qui s'enrichit de sortie en sortie. Nous n'avions pas eu l'occasion de la voir en concert depuis quelques temps on constate que cette formule qui est venue progressivement est désormais bien rodé : Camille au chant et à la guitare électrique, Baptiste à la Bass VI, instrument hybride bien connu des fans de The Cure, qui lui permet à la fois de tenir la basse mais aussi de rajouter des parties plus "guitaristiques" à la guitare de Camille. Et à la batterie, Vincent Pedretti, qui remplace Lucien Chatin... qui est dans le public juste devant lui (c'est un microcosme les concerts parisiens indé)

Et c'est tout ce qu'il faut pour obtenir un son très rock mais qui laisse quand même toute la part nécessaire à une voix qui joue plutôt sur la douceur même si elle est capable aussi de monter en puissante, jusqu'à une gueulante qu'on sent bien libératrice. La formation se transforme ensuite en quatuor le temps de deux titres avec Lonny au chant et à l'alto. Pour « Sleep Paralysis », Camille commence le morceau allongée par terre dans la "fosse" (au Popup il n'y a pas vraiment de séparation ni de différence de niveau entre la scène et le public). Ce sera le dernier titre avant un rappel composé de deux inédits.

En attendant le premier album, en deux EPS et avec un live de plus en plus convaincant à chaque fois, Roma Luca est définitivement un des projets rock français les plus attachants du moment.

Gaël Faye

Julien M — 2026-07-12T19:19:45Z

Le 29 mai 2026, Gaël Faye investissait la Belle Électrique de Grenoble pour une deuxième soirée qui tenait autant du récit que du concert. Sur la scène, l'auteur-compositeur-interprète franco-rwandais a déroulé son univers mêlant slam, hip-hop et poésie francophone — portant avec une intensité tranquille des mots qui traversent l'exil, la mémoire et l'enfance — devant un public suspendu à chacune de ses phrases.

Elysian Fields

Mickaël Adamadorassy — 2026-07-10T07:04:47Z

Elysian Fields proposait à son public français une date exceptionnelle au Café de la Danse pour fêter leurs trente ans de carrière. Et oui, "Bleed Your Cedar" sort en 1996 alors qu'on est encore au lycée, en pleine période Nirvana. Ce n'est que quelques années plus tard qu'on découvrira "Fountains of Fire" et "Lady of the Lake", puis Lenoir à travers une black session sublime, notre première à la Maison de la Radio. La première fois aussi qu'on croise le regard brûlant de Jennifer Charles, qu'on peut admirer tout le feeling d'Oren Bloedow à la guitare. Puis on en vient à écrire sur Le Cargo !, fondé par des membres de la mailing liste tenue par des fans de Lenoir, et la première fois qu'on se croisera en vrai entre matelots : un showcase d'Elysian Fields au Virgin Megastore. Tout ça pour dire qu'Elysian Fields a une place toute particulière pour Le Cargo ! et que leurs concerts sont toujours de très grands moments de musique.

Et cela se vérifie encore une fois malgré une date placée un peu bizarrement tôt un dimanche d'un mois de mai très propice aux week-ends prolongés mais qui affiche presque complet, comme c'est souvent le cas pour ces New-Yorkais maintenant habitués de la France. Ils ont acquis un public français fidèle mais aussi "leur" groupe français, qui les accompagne à chaque fois qu'ils repassent par chez nous : Matthieu Lopez (Matt Low) à la basse et Olivier Pérez à la batterie (qui fera la première partie en guitare-voix folk avec son projet Garciaphone).Dans la salle, il y a Sarah Murcia qu'on a croisée avec le groupe sur plusieurs tournées précédentes et qui viendra jouer de la contrebasse sur un titre.

Le concert était annoncé avec la présence d'une section de cordes mais il commence en quintet, Jennifer, Oren la section rythmique à gauche de la scène et Frederic Lyenn Jacques (membre du groupe de Mark Lanegan) aux claviers. Ils nous offrent en ouverture un inédit, "Grace Sherwood" , un titre plutôt rythmé avec côté Oren, une rythmique typiquement elysian-fieldienne, beaucoup de feeling, de dynamique, l'alternance entre cordes étouffées , essentiellement jouées dans les graves et les accords un peu plus ouverts, parfois hâchés de trémolo, la saturation soudaine obtenue juste par la modulation des attaques : c'est toujours un régal de voir, sur le côté droit de la scène Oren s'exprimer, se réinventer avec sa guitare du moment (cette fois-ci c'est une telecaster mais il nous semble l'avoir vu avec à peu près tous les standards sauf la flying V des métalleux)

Le centre est bien sûr dévolu à Jennifer, qui n'a rien perdu de son charisme, de cette présence, cette intensité qui remplit tout une scène, ses regards fiévreux, la gestuelle langoureuse, les pas de danse esquissés mais aussi parfois des sourires et des regards de complicité avec le public qui sont nouveaux pour nous, et on aime bien le contraste entre ce naturel et l'intensité qu'elle peut avoir quand elle se glisse dans les personnages de ces chansons.

On monte encore un peu en intensité avec "Must Have meant" tirée du dernier album en date What The Thunder Said (WTTS) qui sonne encore plus rock en live et donne l'occasion au batteur de lâcher sa frappe et de bien écraser les cymbales à la chaine sur un refrain très pugnace, totalement raccord avec une Telecaster bien mordante. Après deux autres titres de WTTS, on trépigne en reconnaissant le début de "Shooting Stars", tiré de Dreams That Breathe Your Name, album le plus représenté dans le concert en dehors du plus récent avec aussi "Passing on the stairs", un des rares titres du groupe où Oren chante lead en alternance avec Jennifer, un titre puissant, émouvant qu'on a vu en live un paquet de fois avec des formations différentes. Là on doit avouer qu'on préfère quand même un peu les version avec piano... mais pour nous cela fait partie de l'identité même d'Elysian Fields, cette idée que les chansons se réinventent à chaque concert, selon les musiciens, selon les instruments, selon le ressenti du moment.

Cette fois-ci malheureusement on a presque pas entendu les claviers de Frederic mais juste après , sur "Before the Crashing Waves" la section de cordes (composés de trois violonistes dont Christelle Lassort ) fait son apparition et viendra apporter ce supplément de "densité", ces couleurs supplémentaires à une très belle sélection de titres pour finir le concert : "Lions On the Storm", "Last night on Earth", deux titres phare d'albums plus récents et deux classiques de Queen of The Meadow ,"Black Acres" et "Dream within a Dream" qui achève le concert en beauté sur un arrangement de cordes particulièrement réussi.

Le groupe reviendra bien sûr pour un rappel avec un titre pas très connu "Ball Drive" puis "Ashes in Winter Light" et "Shadow of the Living Light", de quoi couvrir encore deux albums de plus pour ce concert "des trente ans" soit huit au total parmi les treize que compte leur discographie. Sans être exhaustif, Jennifer et Oren nous auront donc offert une généreuse rétrospective d'une belle carrière et avec une musicalité et une présence scénique qui impressionnent toujours autant.

Miles / Coltrane Celebration

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2026-07-06T09:11:21Z

L'année 2026 marque le centenaire de la naissance de Miles Davis et de John Coltrane. Le festival Jazz à Vienne célèbre l'héritage de ces deux musiciens avec une soirée exceptionnelle entre trois légendes du jazz : Terence Blanchard, Ravi Coltrane et Marcus Miller. Un plateau d'exception devant un parterre de plus de 7500 personnes, qui s'est avéré à la hauteur de toutes les attentes.

En ouverture, le trompettiste Terence Blanchard (emblématique compositeur et arrangeur américain, passé dans l'orchestre des Jazz Messenger d'Art Blakey et collaborateur de Spike Lee) et le saxophoniste tenor Ravi Coltrane (fils d'Alice et John Coltrane) nous offrent des échanges ancrés dans l'âme même du jazz : une relecture originale des œuvres de leurs deux mentors avec, notamment, un superbe « Flamenco Sketches ». Ils convoquent piano et rythmes, avec à leurs côtés : Julian Pollack aux claviers, Charles Altura à la guitare, David « DJ » Ginyard à la basse et Oscar Seaton à la batterie, pour une immersion audacieuse et réussie dans de mythiques compositions de Miles Davis et John Coltrane auxquelles ils redonnent vie avec leurs propres voix.

Le tempo du soir ne faiblit pas avec, en seconde partie, le bassiste Marcus Miller et son projet We Want Miles, création qui s'inspire de l'œuvre de Miles Davis avec une sélection de compositions jalonnant sa riche carrière (des années 50 jusqu'aux années 80). Pour réaliser cette impressionnante fresque musicale sont présents des musiciens ayant collaboré avec Miles (Bill Evans au saxophone, Mike Stern à la guitare et Mino Cinelu aux percussions), ainsi que des artistes d'une nouvelle génération (Russell Gunn à la trompette, Brett Williams aux claviers et Anwar Marshall à la batterie). Tous débordent d'un talent aux accents d'infini et font frémir l'œuvre de Miles sous un souffle inédit, avec notamment un « Catembe » exceptionnel. Fidèle à ses habitudes de multi-instrumentiste, Marcus Miller joue de la clarinette basse sur un morceau. De cette cohésion collective se dégage le trompettiste Russell Gunn qui sculpte les mélodies avec un sens aiguisé de l'essentiel. Son empreinte sonore est telle qu'elle illustre à merveille les propos de Miles Davis : « La véritable musique est le silence et toutes les notes ne font qu'encadrer ce silence ».

Un très bel hommage a résonné dans le théâtre antique de Vienne. Cette soirée a fait du passé un espace de réinterprétation inédit et exceptionnel avec, peut-être, une soirée promise à l'histoire…

Vincent Peirani Living Being

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2026-07-03T15:55:16Z

Après avoir assuré la création jeune public du festival Jazz à Vienne les 22 et 23 juin (un récit musical inspiré du roman Ronya, fille de brigands), l'accordéoniste Vincent Peirani revient sur la scène du théâtre antique avec son dernier projet, Living Being IV : Time reflections.

Son groupe Living Being nous avait enthousiasmé lors de son passage en 2021, dans le cadre d'une soirée « carte blanche » pour laquelle étaient conviés à leurs côtés des invités ainsi que des élèves du conservatoire de Lyon.

C'est donc avec impatience que nous nous apprêtons à découvrir son nouveau répertoire entouré de son quintet : Émile Parisien (saxophone soprano), Tony Paeleman (claviers), Julien Herné (basse) et Yoann Serra (batterie).

Avant d'investir le théâtre antique Vincent, Émile et Tony, invités au Kiosque de la radio Jazz à Vienne sur Crock Radio, interprètent « Nach E Vlado », morceau endiablé inspiré par les mélodies traditionnelles de Macédoine qui donne un avant-goût de la soirée à venir.

Quelques heures plus tard, sous le soleil couchant, les compositions se dévoilent laissant émerger toute leur richesse dans un univers alliant intimité et énergie expansive. Les esthétiques sont variées, chacune révélant avec subtilité l'empreinte artistique de chaque musicien. De la poésie musicale sur « Le cabinet des énigmes », à une vague reggae sur « Physical Attractions en passant par des pulsations lyriques sur « Better Days », le cocktail est vertigineux.

Les rythmes défient la gravité pour composer une mosaïque musicale aux influences multiples. Un mélange de jazz fusion, de pop, de rock notamment avec « Bremain Suite », une revisite réussie mêlant des titres de David Bowie, Queen, Portishead et des Beatles. Aucune démonstration exacerbée, chaque musicien évolue avec brio et affirme le plaisir de jouer ensemble.

Un concert captivant qui nous embarque sur des chemins de liberté parsemés de milles paysages sonores, et qui interroge le temps avec des mélodies qui lui échappent.

Un live qui a fait vibrer le théâtre antique avec éloquence, intensité et sincérité.

Verb + Sun Ra Arkestra + Jeff Mills

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2026-07-01T16:10:07Z

La 45ème édition du festival Jazz à Vienne (se déroulant du 25 juin au 11 juillet), nous propose une programmation variée et haute en couleurs. Pour notre plus grand plaisir, la soirée du 29 juin confirme cet alliage éclectique avec à l'affiche : Verb, Sun Ra Arkestra et Jeff Mills. Une soirée oscillant entre tradition et jazz du futur avec comme fil conducteur entre ces différents artistes, une liberté sonore.

Verb foule la mythique scène du théâtre antique en premier. Ce trio, lauréat du tremplin Rezzo Jazz à Vienne 2023, confirme tout son potentiel avec une finesse d'écriture et un jeu bluffant. Le pianiste Noam Duboille, le contrebassiste Charles Thuillier et le batteur Garcia Etoa Ottou, nous présentent des morceaux issus de leur second album à venir. Les rythmes et les lignes mélodiques occupent l'espace et déploient des motifs raffinés et captivants. Rien d'étonnant à ce que le chapeau du batteur ne s'envole lors du concert, sans doute soufflé par un jazz si époustouflant. Avec autant de talent et de volonté, ces trois jeunes musiciens font honneur à Bill Evans ou Keith Jarrett, musiciens à la source de leur inspiration.

Vient ensuite le légendaire Sun Ra Arkestra et son album Lights on a Satellite, énième pierre d'un édifice qui fait œuvre depuis les années 50. Au fil du temps, l'esprit de son fondateur, le claviériste américain Sun Ra, perdure en délivrant une musique toujours aussi foisonnante. Chaque concert est une malle aux trésors. L'orchestre dépeint un univers psychédélique où s'entrelacent swing, free jazz, rythmes africains jusqu'à la Nouvelle Orléans. Une musique débridée et servie par un collectif d'exception revêtu de ses traditionnels costumes chatoyants rehaussés de coiffes cosmiques.

Enfin, la soirée se clôture avec la prestation de Jeff Mills, célèbre DJ de Détroit. Rompu aux performances exceptionnelles, cet artiste ne cesse d'explorer la matière sonore avec audace et au-delà de toute frontière. Accompagné de Jean-Phi Dary aux claviers, du bassiste-guitariste Kad Hamza et de Rasheeda Ali à la flûte traversière, Jeff Mills se fait le guide d'un voyage entre jazz et électro. Le set séduit par ses grooves entêtants, hypnotiques et sur lesquels le public danse.

Une soirée au jazz décomplexé qui ravit nos oreilles !

Sorry

Mickaël Adamadorassy — 2026-06-30T23:50:04Z

Malgré un premier report et une canicule qui ne donne pas franchement envie de venir se masser dans une salle de concert, le Trabendo affichait complet pour les anglais de Sorry, comme pour leurs précédentes dates parisiennes. Leur troisième album studio, Cosplay, semblait avoir moins buzzé que les précédents mais en entendant le public chanter en entier les refrains d'"Echo" avec Asha, en se faisant régulièrement chaviré par le pogo , on réalise que Sorry continue de convaincre un public qui nous semble encore plus varié que la dernière fois : des ados plein d'énergie aux quarantenaires et plus, parfois tout aussi énergiques. Et c'est bien mérité pour un des groupes les plus originaux et attachants que notre voisin brexiteux nous ait exporté ces dernières années.

Le casting est le même qu'à Petit Bain en 2023 : sur le devant Asha et Louis, qui ont opté respectivement pour un short et un bermuda face à la chaleur. Tous les deux au chant et à la guitare, ils écrivent et produisent ensemble la plupart des chansons du groupe. A leurs côtés sur scène Campbell Baum à la basse, qui a tenté une épaisse moustache plutot 80's, et derrière Marco Pini aux claviers et Lincoln Barrett en marcel dont on découvre la musculature qui ne ferait pas rougir un culturiste chevronné..

Malheureusement on est placé au premier rang juste devant lui et ces muscles ne sont pas là pour la déco, il tape furieusement fort ! On lui pardonnera parce qu'il joue aussi très bien mais ce sera un des rares concerts sur lequel on n'a pas trop d'avis sur l'équilibre du son, l'apport des claviers ou autres subtilités, heureusement les voix restent très audibles et les guitares ça dépend des sons et des moments, mais les sons clairs et ceux déformés par le pitchshifter et autres effets qui font le son si particulier du groupe sont bien là.

Le concert commence fort avec « Right Round the Clock », une de nos préférés du groupe et une des plus évidentes avec son efrain assez imparable qui marche très bien en live. Malheureusement il semble qu'Asha ait des problèmes avec ses retours in ear * et son chant nous parait... bizarre, comme déconnecté du morceau qui en perd un peu de sa superbe habituelle.. Heureusement cette impression ne dure pas même si les problèmes de son la poursuivront le reste du concert. On enchaine avec "Jetplane", tiré du dernier album, un titre assez étrange, rythmé voir frénétique mais assez peu assez de guitares, Asha lâche sa Telecaster pour se focaliser sur le chant, collée au pied de micro. Le live réussit plutôt à ce titre qui ne nous avait pas spécialement interpellé dans sa version studio. Globalement ce live qui convaint plus que les version disque, ce sera le cas pour tous les titre de Cosplay, et le groupe va en jouer quasiment tous les morceaux, les titres plutôt incisifs, rock comme "Candle" ou "Today Might Be The Hit" mais aussi une belle "triplette" Antelope / Into The Dark/ Jive qui finit le concert en nous rappelant pourquoi on aime à ce point la musique de Sorry : tout ce qui se mélange, toutes les idées qui se rentrent dedans dans cette musique, de la douceur presque pop au rock noisy bizarre en passant par un refrain folk joliment chanté à deux voix, de le mélancolie introvertie au chaos total.

Hors de l'album on retrouve les synthés dissonants de la très barrée "Cigarette Packet", l'occasion pour Asha d'utiliser le briquet et la cigarette placée à côté de son pedalboard depuis le début du concert, on se demande si la chanson est un prétexte pour tirer une taffe ou deux ou si la taffe est juste là pour illustrer la chanson. En tant que non fumeur pris dans le nuage on vous dire juste qu'on s'en serait bien passé. De 925 on aura aussi "As The Sun Sets" mais aussi et surtout l'autre "tube" de Sorry, "Starstruck", toujours aussi efficace.

Le son n'est pas parfait là où on est placé, mais on est juste devant Asha et Louis, et ils incarnent très bien leurs chansons, avec leurs personnalités respectives. Sans être beaucoup plus communicatifs qu'à Petit Bain, on les sent quand même plus à l'aise et surtout il y a des sourires, une atttitude, une énergie qui donne l'impression qu'ils sont heureux d'être là, qu'ils essaient de donner le maximum, d'aller chercher le public avec leurs regards. Asha, en particulier avec ses mains cachées manches longues, ses mouvement toujours un peu étranges des bras, mais elle a conscience qu'elle est au centre, qu'elle assume souvent plus le chant que Louis et elle joue pleinement ce rôle frontal à sa façon (ce qui comprend parfois des grosses lunettes de soleil, mais heureusement ce ne sera que sur quelques morceaux)

En rappel, la dualité du projet est encore très bien mise en valeur avec d'abord "Magic", dépouillée, mélancolique, tendre, Asha qui répète encore et encore le titre de la chanson en guise de refrain (comme sur Echoes) alors que le reste du groupe fait monter la sauce progressivement et pour finir sur une note plus énergique, "WaxWing" avec sa rythmique bien lourde et ses synthés très efficaces

* : la plupart des groupes n'utilisent plus des enceintes de retour au sol pour s'entendre mais des écouteurs intra auriculaire qui bloquent tout le son sur scène et leur diffuse un mix sur mesure

Coline Rio

Mickaël Adamadorassy — 2026-06-07T17:03:25Z

On l'attendait avec impatience cette Cigale de Coline Rio, plus de six mois depuis la sortie de son second album, Maison, mais il faut dire aussi qu'on avait loupé quasiment aucune date francilienne des dernières années). Une artiste dont on ne lasse jamais sur scène, qu'on a vu évoluer, depuis une première partie, encore un peu timide, en duo piano-violoncelle jusqu'à la formulaire la plus récente qu'on lui connaissait, en trio avec le renfort de son frère Lancelot à la batterie.

Alors que le rideau rouge dévoile la scène encore plongée dans une pénombre bleutée, avec comme toile de fond un visuel de maison qui fait écho à celui de l'album, c'est une formation avec désormais quatre musiciens qu'on découvre : à gauche la batterie de Lancelot, à droite Laure au violoncelle lui fait face et derrière elle, le "petit" nouveau (on découvrira au salut qu'il est en fait très grand) : le claviériste Mathieu Epaillard, et Coline au milieu, tantôt à la guitare, tantôt au clavier et parfois juste au chant.

Le set commence avec "Sous la peau" et "Manteau Chagrin" qui ouvrent aussi le dernier album. Une entrée en matière tout en douceur pour ce qui est de l'instrumentation, mais ces deux titres sont parmi les plus forts et les plus émouvants du nouvel album. Le son est très bon, le groupe retranscrit en live sans problème toute la subtilité des deux titres et la prestation vocale de Coline est magnifique. Comme d'habitude on serait tenté de dire, mais il y a toujours ces notes cristallines qui font waouh, l'émotion insufflée dans un bout de couplet ou de refrain qui vous serre le coeur. En à peine deux chansons, on est déjà chamboulés par ce nouveau live, la scénographie est simple mais d'avoir cette maison sur scène, c'est déjà tout une partie du message de l'album qui est mis en abyme et sur le plan visuel les deux portes blanches offrent des espaces de contraste qui permettent d'isoler la silhouette de Coline, de la mettre en valeur dans des tableaux souvent sombres.

On regrettera juste un peu que son clavier ne soit pas orienté vers le devant de la scène , même si Coline tourne souvent la tête pour chanter face au public . Et l'espace sur le devant de la scène peu exploité , qui éloigne un peu les musiciens de nous alors qu'on a envie de la ressentir au plus près cette musique là.. et en même temps on se dit que cette formule à quatre, tout le travail qu'on sent derrière vise justement à adapter à des salles plus grandes cette musique à la base intime, délicate et la mission est totalement accomplie : ce spectacle serait à sa place dans de grosse jauges, peut-être pas une Arena mais de gros festivals sans problème.

Coline parlera de ce travail préparatoire à la tournée, avant d'inviter Sage à reprendre avec elle "Everybody got to learn sometimes" (qu'on connaissant sans savoir de qui elle était (The Korgis mais popularisée par Beck ). Celui-ci a travaillé avec elle sur le live de cette tournée et lui a conseillé d'abandonner toute utilisation de pistes préenregistrées pour ne garder que ce qui serait joué live par les quatre musiciens et on le remercie pour ça. Pas seulement parce qu'on trouve qu'entendre des bandes cassent souvent un peu l'immersion d'un live quand ca se remarque mais parce que cela renforce la cohésion dans cette formation live, donne l'impression d'un groupe qui joue ensemble, plutôt qu'une chanteuse, accompagnée de musiciens qui n'apportent pas toujours un vrai plus à des morceaux rôdés pour être joué en solo, ce qui pour nous était parfois le cas sur la date du Trianon, la batterie arrivant en fin de tournée.

Cette fois-ci on a une formation bien rodée où chaque instrument a son rôle dans les chansons, qui peut être de soutenir Coline ou de lui permettre de nouvelles choses : Mathieu apporte avec ces trois claviers soit une densité supplémentaire au son, soit la libère totalement de l'instrument pour qu'elle ne se consacre qu'au chant. Ce qui était plus rare dans les précédentes formules et qui réussit bien à Coline, il y a toujours autant de fragilité, de sensibilité dans la voix et les attitudes scéniques, les regards fiévreux, les mouvements lancinants/ Mais on sent aussi une force, une énergie scénique nouvelle, qui aurait été difficile à obtenir sans la batterie, on pense à "Homme", à "Ma Maison" dernier titre avant le rappel avec en invité Martin Gamet à la basse ou encore "On m'a dit" qui est toujours un des sommets des concerts de Coline.

Mais à bien y réfléchir, il n'y avait que des sommets, en une heure trois quarts de concert, Coline Rio ne nous a fait que monter plus haut, passer des cimes aux nuages, nous suspendus au fil de sa voix. aux émotions dans le texte de "Grand mère", la beauté des notes tenues, des vocalises dans les "louves". Et il faudrait aussi parler du superbe duo avec Barbara Pravi sur "La gentillesse", la pêche de "Capitaine" où les motifs rythmiques de Lancelot portent autant le morceau que de superbes montées dans les aigus, de "Lettres à soi" vraiment joué "comme à la maison" : Coline qui vient s'asseoir tranquillement sur un bout de scène pour introduire longuement la chanson, "Refuge", spoken word en piano-voix en presque épilogue parfait de ce concert-maison comme une profession de foi, un état-des lieux des choses apprises, données, des gens qui comptent.