Le Cargo !

George Miller

Mickaël Adamadorassy — 2024-07-24T01:05:03Z

Avec Mad Max : Fury road, le réalisateur George Miller a réussi quelque chose d'assez fou. Inaccessible même si vous vous appelez Scott, Lucas ou Spielberg : reprendre une trilogie du cinéma d'action-anticipation, devenue mythique ( "à la mad max" était l'expression pour décrire le post-apo avant le post-apo) et lui donner une suite, pas seulement à la hauteur de son héritage mais apte à créer son propre mythe. Et ce n'est pas qu'un bon film de genre, on n'hésitera pas à classer Fury Road en toute subjectivité parmi les chefs d'œuvre du 7ème art. Pour l'énorme claque visuelle, pour la richesse de l'univers développé et les personnages hauts en couleur, qui rappellent l'imagination délirante d'un Jodorowsky (qui a aussi quelques ovnis cinématographiques à son actif), pour la qualité de son scénario qui dit tant de choses en se passant de mots.

Fury Road a donc placé la barre très haut pour sa préquelle. Alors avec Furiosa Miller a t'il encore réussi à se surpasser ?

Ou a t'il succombé comme tant d'autres à la malédiction des franchises ?

La réponse est…

Non et non, ou plutôt un entre-deux : Furiosa ne rejoindra pas Fury Road dans le Valhalla par la grande porte, avec une haie d'honneur de braves, mais il n'est pas médiocre pour atant. C'est une bonne… suite et peut-être un film correct, on ne saurait trop en juger : on aime tellement Fury Road qu'il est impossible de détester ce qui est globalement plus de la même chose.

Retrouvailles

On retrouve donc le même monde désolé orange et bleu, les mêmes personnages une dizaine d'années plus tôt le personnage de Furiosa bien sûr mais aussi la galerie de freaks autour d'Immortan Joe et sa version barrée de la mythologie nordique. Cette fois-ci il n'est pas le grand méchant, le rôle est dévolu à Dementus qui se déplace sur un chariot tiré par trois motos et dont le principal accessoire vestimentaire en dehors des pectoraux de Chris Hemworth est un ours en peluche.

Le film regorge aussi de scènes d'action motorisée jubilatoires, filmées dans des paysages sublimes, mis en valeur par une photographie spectaculaire, qui en met plein les yeux sur un écran de cinéma. Même si le monde qui est dépeint est dévasté et hostile à l'homme. Ceux qui essaient de reconstruire une société pacifiquement y sont à la merci de leaders dégénérés et dérangés dont le côté loufoque rend d'autant plus choquante, en théorie, l'ultra-violence qu'ils mettent en œuvre pour imposer leur autorité. Et en face un personnage féminin, fort, une héroïne animée par une idée maitresse, lancée dans une quête épique. Si la thématique de Fury Road était la quête du Paradis, du Saint-Graal, celle de Furiosa l'est tout autant : la vengeance.

Un plat un peu trop froid

Et pour nous, plus que la structure classique de la narration, le peu de prise de risques, c'est là que Furiosa loupe le coche : on croit à fond que Anya Taylor-Joy est le personnage pourtant déjà très bien incarné par une remarquable Charlize Theron , tout comme Alyla Browne est attachante en tant que Furiosa enfant. Mais des scènes dures, où ceux qu'elles aiment se font torturer et tuer, en tant que spectateur, on n'a pas la révulsion, le dégout, la peine que peuvent inspirer les noces pourpres de Games of Thrones ou la scène de la clairière avec Negan et sa batte dans The Walking Dead. Ou le début de The Crow. Qu'est-ce cela dit de nous, de notre accoutumance à la violence plus que du film est une vraie question. Mais le fait est que Miller ne réussit pas à nous embarquer dans la quête de son héroïne, à faire notre sa vengeance. Un mot pourtant répété trois fois sur l'affiche.

Fan service

En l'absence de ce moteur dans la narration, c'est la fureur des moteurs ... de voiture et des combats qui compense et en général tout ce qui vient du premier film. Ls longues scènes d'action motorisés qui dans 90% du cinéma sont chiantes à mourir et qui ici captivent. Les personnages déjà cultes comme Rictus ou Immortan Joe nous font trembler pour une jeune Furiosa courageuse, qui ne perd jamais espoir. Encore une fois Anna Taylor-Jones est génial dans ce rôle, comme beaucoup d'autres choses d'ailleurs. Il y a le plaisir aussi de découvrir un peu plus en détail le passé de ses personnages, de visiter les lieux comme Gas Town et la Bullet Farm, un worldbuilding très cool donc pour le fan du précédent film.

Standalone

Mais tout cela confirme la tendance du film à s'inscrire dans la continuité de Fury Road plutôt que de chercher à s'en émanciper. On perd l'audace, la radicalité qui dans un scénario très classique dans sa structure, très sage et bien rangé, avec ses ellipses, ses chapitres bien séparés, un chemin globalement déjà tracé.

Fury Road était aussi d'une totale linéarité mais il était extrêmement "ramassé" dans le temps et dans l'action, au point d'être à la fois un huis clos et un road-movie (et un western). Et un récit épique , l'Odyssée d'Homère condensée en deux jours et où à peine débarqué Ulysse déciderait que la Guerre de Troie n'aura pas lieu et repartirait dans le sens inverse en butant tout ceux qui se mettraient sur sa route. Furiosa n'a pas cette radicalité, cette simplicité presque brutale, c'est une histoire de vengeance assez convenue, au point que vous dire que vous savez déjà la fin n'est pas même pas un spoiler.

Cela fait beaucoup de clous dans ce qui pourrait être le cercueil de Furiosa mais il faut plutôt le prendre dans notre cas comme une application du "qui aime bien châtie bien". On a déjà envie de revoir Furiosa et aucun doute qu'il rejoindra Fury Road sur l'étagère-valhalla. Et pour finir on peut se demander si les dés n'étaient pas pipés d'avance en faisant un préquelle avec la perte de liberté que cela entraine forcément. En fait Miller établit lui-même un lien tellement fort entre les deux films, en terminant Furiosa pour qu'il s'enchaine avec Fury Road comme si c'était le même film avec un court entracte entre les deux, il va même à reprendre des images de Fury Road alors on peut se demander si lui-même le voit comme un film "indépendant".

Jurassic World : Le Monde d'après

Mickaël Adamadorassy — 2022-08-11T18:34:41Z

Jurassic Park est un très bon film flanqué de deux suites plutôt moyennes. On n'attendait vraiment pas grand chose du Jurassic World de 2015 à part le frisson d'une nouvelle dose de dinosaures, d'humains courageux mais un peu bêtes et d'hubris capitaliste. Et finalement le duo formé par Owen Grady (Chris Pratt) et Claire ( Bryce Howard Dallas) s'est révélé attachant et à défaut d'innover ou d'avoir de hautes ambitions artistiques, le film de Colin Trevorrow proposait au moins une intrigue très bien ficelée et quelques dinos mémorables.

La franchise était donc relancée de manière crédible mais malheureusement sa suite, Fallen Kingdom, s'avèrera beaucoup plus moyenne. Ça ne s'annonçait donc pas très bien pour ce troisième opus mais voilà la promesse du retour du casting emblématique de Jurassic Park en entier (dans les suites on avait eu une fois Goldblum une fois Neil et Dern) et la promesse de quelques dinos de plus, non pas isolés sur une île mais vivant au contact des humains c'était bien assez pour aller juger sur pièce dans une salle obscure.

Le film ne débute pas trop mal : Owen et Claire sont devenus des activistes qui essaient de protéger les dinosaures de l'exploitation et de la cruauté de certains humains. Le couple doit se cacher car ils élèvent Maisie, recherchée par Biosyn, la compagnie fondée par son "grand-père" (bin oui étant donné qu'elle est en fait un clone de sa "mère", son grand-père est quelque part son père !). On découvre par petits bouts un nouveau monde où les dinosaures font partie du quotidien des gens, un contexte qui n'a rien à voir avec les films précédents qui mettaient en scène quelques survivants avec peu de ressources dans un lieu isolé (en dehors du final du 2 où la maman T-rex ravage San-Diego). Il y avait là largement de quoi faire un film intéressant, intelligent même sur cette co-existence, où il serait autant question de politique que d'action, mais ce n'est malheureusement pas la voie choisie par les scénaristes.

Et c'est clairement là où se trouve le péché originel dans Jurassic World : la réalisation comme les acteurs sont corrects, c'est l'histoire est médiocre. Dans Le Monde d'après, les scénaristes avaient pour mission de clore toute l'intrigue amorcée par les deux films précédents, tout en trouvant un moyen de faire revenir le casting original dans le film. Rien que ça c'était déjà assez compliqué et donne lieu à une nouvelle intrigue tirée par les cheveux avec des sauterelles géantes et des OGMs dont on se dit qu'elle n'a pas grand chose à faire là, à part emmener le personnage d'Ellie au même endroit que les autres.

Mais ce n'est pas tout, on en sait pas trop pourquoi mais la simple confrontation homme-dinosaure au quotidien ça ne suffisait pas aux producteurs : il a fallu qu'ils rajoutent aussi des cartes postales et de l'action façon Bourne/Bond : d'où une séquence totalement inutile de course-poursuite dans les rues de Malte, qui ne marche pas, car après 5 Jurassic Park, on est plus aussi facilement impressionnable et si sur le scénario il y avait marqué 'insérer ici une courte-poursuite frénétique à la Jason Bourne", Trevorrow qui revient à la réalisation sur ce volet, ne parvient pas à imprimer à son montage la même urgence.

Cet arc narratif introduit aussi le personnage de Kayla Watts qui est peut-être le personnage qui fait basculer le film dans la médiocrité scénaristique avérée : elle est là pour fournir un moyen pratique aux héros pour arriver au lieu qui remplace l'ile dans la deuxième moitié du film. Sa motivation pour aider des inconnus ? une séquence de quelques secondes où elle voit Maisie monter dans un avion, sans cris , ni protestations. Elle aurait pu peut être se douter que quelque chose ne va pas mais de là à développer soudainement une culpabilité tellement énorme qu'elle va tout risquer pour se racheter, la ficelle est un peu grosse.

On ne va pas vous détailler tous les problèmes du scénario mais la première moitié du film consiste donc à regarder nos scénaristes (Trevorrow, Emily Carmichael et Derek Conolly) ramer pour créer une motivation aux personnages, leur faire voir un peu de pays et les amener tous au même endroit au même moment. Pour une (ré)union qui finalement est ... plutôt pauvre en émotions : on a à faire à deux générations qui ne se connaissent pas, ils sont amenés à coopérer (ou co-fuir à toutes jambes) ensemble mais on a déjà passé tellement de temps à en arriver là que la fin approche déjà et qu'il faut bien conclure...

C'est valable aussi pour cet article d'ailleurs alors quoi dire sur ce troisième Jurassic World ? si les dinosaures et/ou Jurassic Parc vous laissaient déjà froid, inutile d'essayer celui-là, pour les autres on va dire que c'est un film de dinosaures très moyen mais si on y va en le sachant et qu'on se dit que des films de dinosaures il y en a pas dix mille, qu'on a aimé les personnages que ce soit le trio Goldblum/Dern/Neil) ou la paire Pratt/Howard Dallas, on passe quand même un bon moment.

Une petite digression sur Trevorrow et dans une moindre mesure Emily Carmichael : ils ont la chance qu'il ne soit jamais simple pour ces grosses franchises de savoir quelle est la liberté réelle du scénariste et donc sa responsabilité quand ça se plante. Mais avec ce Jurassic Park et après son Star Wars avorté, on commence à se demander si Trevorrow tient vraiment la route en tant que scénariste. Carmichael, elle, était à l'écriture sur Pacific Rim : Uprising, où certes la déception venait aussi d'une réalisation qui n'avait pas l'âme d'un Del Torro mais l'histoire était très moyenne.

On peut avoir deux fails successifs, trouver des raisons du côté des studios etc, mais à trois par contre on commencera à se dire qu'ils ne sont pas à la hauteur de leurs débuts prometteurs .

Love & Monsters

Mickaël Adamadorassy — 2021-07-14T07:01:00Z

On pourrait croire en lisant mes dernières chroniques ciné que soit les plates-formes de streaming choisissent mal leurs productions SF soit je suis vraiment très aigri, genre comme un vrai critique de cinéma. Honnêtement je pense que c'est plutôt l'hypothèse 1 qui est vraie et quoi de mieux pour le prouver qu'une critique élogieuse d'un film qui ne fait rien d'extraordinaire mais le fait bien ? Ce film c'est Love & Monsters, disponible depuis quelques mois sur Netflix.

Dans un trou vivait un Joël

Le titre du film résume bien son contenu : dans un futur proche, ce qu'il reste de l'humanité se terre pour échapper aux monstres insectoïdes qui règnent désormais en maître sur un monde dévasté, peu à peu reconquis par la nature. Du bon gros post-apo en somme.

Joel, le héros du Love & Monsters vit dans une communauté qui s'en sort plutôt bien, mais pas grâce à lui : encore traumatisé par l'invasion et la perte de ses parents, il est tétanisé face aux monstres. Heureusement les autres membres du refuge n'ont pas ce blocage mais ils sont tous en couple. Sauf Joël dont la petite amie est dans un autre refuge et il ne lui parle donc que par CB. C'est un peu frustrant. Dans tous les sens du terme.

Alors un beau jour Joel prend son courage à deux mains, sort du refuge armé de son carnet à dessin et ... pas grand chose de plus, pour affronter ses peurs, à six pattes ou plus et alors chercher ~~la princesse Zelda~~ sa copine. Certains appelleront ça une quête initiatique, d'autres la pression des hormones mais voilà il est sur la route et comme toute bonne aventure, il va lui arriver de nombreuses péripéties, il y aura des amis et des trahisons, des rebondissements et un happy end.

Monstres et merveilles

Tout cela n'est pas vraiment du spoil, c'est presque un contrat implicite entre Love & Monsters et le spectateur : pas de mystère à la Lost, pas de WTF lynchien mais une Aventure dans l'esprit des films des années 80 à la Indiana Jones, avec un héros pas bodybuildé et pas sûr de lui mais éminemment sympathique et courageux, joué par Dylan O'Brien, pas très loin du tout aussi sympathique et un peureux Stiles de Teen Wolf ou de son personnage dans The Maze Runner. On n'est pas surpris de voir Shawn Levy, producteur de Stranger Things mais aussi réalisateur de la franchise Une nuit au Musée avec Ben Stiller et Robin Williams, qui réussissent à créer le même genre de plaisir cinématographique qui ramène à l'enfance.

Les environnements tout comme le design des créatures sont très réussis, à l'image des superbes dessins que Joel fait des monstres qu'il rencontre. On sent derrière Love & Monsters une équipe pleine de créativité (le film a eu une nomination aux oscars pour les effets visuels) et il y a même de la poésie dans certaines séquences, certaines créatures comme l'espèce d'escargot mutant géant ou le robot abandonné que Joël trouve à un moment.

Your lips, my lips, apocalypse

L'intrigue est donc prévisible mais le rythme est très bien géré, le casting très correct et l'humour très présent. En cinéma, comme en musique, on a tendance à préférer la prise de risque, ceux qui osent des choses, on aime être surpris, déstabilisé, c'est ce qui amène la réflexion et le changement mais il y a aussi un plaisir à écouter un conteur doué faire vivre une histoire, qui n'aspire pas à être chose que ce qu'elle parait : un garçon qui aime une fille et décide d'aller la retrouver dans un monde dépaysant rempli de monstres et de merveilles voir de monstres merveilleux.

Cosmic Sin

Mickaël Adamadorassy — 2021-07-13T12:09:05Z

ALERTE !!! alerte !!! fuite critique de neurones détectée chez le spectateur... diagnostic automatique lancé... daubomètre à 11, détecteur de vide cosmique scénaristique : positif, recherche de formes de vie parasites avec des textes pourris et qui jouent plutôt mal : 100% du casting.

Initialisation du protocole de secours "Mais y a Bruce Willis dedans, DIE HAAAAARD !!".... Echec... échec... résultat du protocole : "il est aussi mauvais que les autres voir pire parce qu'il prononce plus de mots"

ALERTE !!! trajectoire mise à jour, ce film se dirige vers le trou noir de l'ennui dans la constellation de "je suis vénère d'avoir perdu mon temps à ça" ALERTE CRITIQUE !!! Auto-destruction de Cosmic Sin... Éjectez-vous, éjectez-vous, éjectez-vous. éjec....

The Tomorrow War

Mickaël Adamadorassy — 2021-07-11T20:06:15Z

The Tomorrow War est une des "victimes" de la pandémie, destiné à l'origine à une sortie en salles, les droits de diffusion ont finalement été rachetés par Amazon pour son service Prime Video, concurrent de plus en plus crédible à Netflix, cf le rachat en cours des studios de MGM ou simplement des séries de qualité comme The Marvelous Mrs Maisel, American Gods , Goliath etc... Par contre niveau films "exclusifs", le service vidéo nous a plus souvent ramené des nanars que des oscars et donc même si The Tomorrow War avait l'argument Chris Pratt au casting, on pouvait légitimement nous demander si on n'allait pas être nous aussi des victimes... d'un film raté. La réponse va dépendre de vos attentes...

Pour commencer, l'idée sur laquelle ce film de science-fiction est construite n'est pas mauvaise : dans un futur proche, la Terre est submergée par une invasion extra-terrestre qui a décimé la majeure partie de la population et il n'y a simplement plus assez de gens (de chair à canon) pour combattre. Les humains du futur ont quand même réussi à développer une technologie de voyage dans le temps et l'idée géniale pour pallier ce manque de personnel c'est donc de faire venir du passé les gens de l'époque pré-invasion, dont on est sûr qu'ils sont normalement déjà morts dans le futur (bin oui sinon ça ouvre la porte à des paradoxes classiques du voyage dans le temps)

Au début ça se passe bien mais comme l'armée n'a pas d'arme réellement efficace pour lutter contre les ETs, les soldats envoyés dans le futur se font massacrés aussi et au bout d'un moment ce sont les civils qu'on enrôle via la propagande et quand ça ne suffit plus un service obligatoire.

On pense forcément à Edge of Tomorrow pour le voyage temporel et l'invasion ET, à Starship troopers pour l'idéologie martiale (mais sans le second degré) tandis que les monstres, assez mal fichus, ressemblent plutôt à un mélange entre les déclinaisons de l'Alien de Giger et les "chiens de l'espace" de The Great Wall. Bruyants et rapides, mais pas terrifiants. Les sources d'inspiration sont donc identifiables un peu partout mais ce n'est pas si gênant, c'est les cas de nombreux films du genre qui n'en sont pas mauvais pour autant.

Les deux problèmes principaux de The Tomorrow War sont la construction bancale et peu crédible de l'histoire, les nombreuses failles logiques qui nuisent à l'immersion et la pauvreté voir le kitsch de certains dialogues et situations qui font flirter dangereusement le film avec le nanar.

... mais pourtant le tableau n'est pas complètement négatif : contrairement à Rim of The World chez le concurrent Netflix, The Tomorrow War a eu une réalisation décente et un rythme à peu près bien géré qui fait qu'on va au bout sans se forcer mais si on est jamais impressionné.

En conclusion, on peut dire que The Tomorrow War est un film de SF plutôt raté mais une série B d'action à peu près regardable dans le confort de son canapé et en ayant pas spécialement déboursé d'argent pour. Il semblerait en tout cas que le film soit un des plus visionnés sur Amazon (qui a déboursé autour de 200 millions de dollars quand même) et la suite soit déjà prévue donc le film a clairement un public, on conseillera juste à Chris Pratt de ne pas trop en enchaîner des comme ça sinon son aura de gardien de la galaxie et d'homme qui murmure à l'oreille des raptors risque d'en prendre un coup.

Les Chatouilles

Mélanie Fazi — 2021-04-09T14:35:11Z

En cette période de fermeture prolongée des salles de cinéma, autant mettre à profit ses soirées de couvre-feu pour rattraper des films manqués à leur sortie. C'est ainsi que Les Chatouilles, dont on nous avait vanté la force, se rappela à notre souvenir. Beaucoup parlaient d'un film réellement marquant, et il l'est, indéniablement – mais nous n'aurions pu prévoir de quelle manière, tant il est profondément original et personnel.

Les Chatouilles suit le parcours d'une femme, Odette, depuis ce jour de son enfance où le meilleur ami de ses parents lui propose de « jouer à la poupée », en lui faisant promettre de n'en parler surtout à personne. Les abus se poursuivront plusieurs années, sous le nez des adultes qui ne voient rien. Car il ne viendrait à personne l'idée de se méfier de Gilbert, qui a tout pour lui, qui est charmant et charismatique, et « tellement généreux » avec Odette qu'il couvre de cadeaux et emmène en vacances pour mieux exercer son emprise. Odette se réfugie dans sa passion pour la danse dont elle fera son métier une fois devenue adulte. Puis un jour, subitement, elle entre chez une psychologue à qui elle confiera ce qu'elle n'a jamais pu raconter. Ce sera cette femme ou personne, et le début d'un chemin compliqué vers une forme de reconstruction.

Sortir de la spirale

La plus grande force de ce film, c'est d'être porté tout entier par la présence incandescente d'Andréa Bescond, qui l'interprète, le co-écrit et le co-réalise (avec Eric Métayer) à partir de sa propre histoire. Elle insuffle au film une énergie douloureuse et incarne une Odette tout en aspérités, enfermée dans une spirale d'autodestruction, habitée par une rage qui se retourne souvent contre elle-même et que la danse ne suffit pas à extérioriser. Une Odette qui se méfie des autres et les tient à distance, parce que la petite fille qui rêvait que son père vole à son secours est devenue une femme persuadée que les gens qui vous écoutent, « c'est dans les contes de fée ». Mais une Odette consciente d'être à la dérive et qui, un jour, parce qu'elle n'en peut plus, décide que l'heure est venue de parler. Encore faut-il trouver les mots. Encore faut-il aller au bout de la démarche. Mais petit à petit, quelque chose se dénoue, et une forme de lumière peut émerger.

Le film est brillant dans ce qu'il parvient à nous transmettre de cette douleur-là et de la manière dont elle vous façonne. Pour autant, malgré la violence de ce qu'il décrit, il est étonnamment pudique. Il ne s'agit pas simplement d'exorciser un vécu atroce mais d'amorcer une forme de dialogue avec le spectateur ; or, ce qu'Odette apprend à ses dépens, et que la cinéaste a sans doute mûrement réfléchi, c'est la difficulté de transmettre ces mots, même lorsqu'on parvient enfin à les extirper de soi. Ils sont également douloureux à entendre, et tous ne sauront pas les recevoir. Certains le refuseront tout net, à l'image de la mère toxique incarnée par une Karin Viard glaçante. D'autres seront désarçonnés ou bouleversés, mais sincèrement décidés à aider.

Juste distance

On sent par ailleurs un réel souci d'injecter par moments une forme de légèreté qui évite au film de devenir plombant, dans les séances chez la psy mises en scène de manière très ludique : Odette s'y promène littéralement au milieu de ses souvenirs, les réécrit parfois, y invite sa thérapeute avec elle. Ces séquences sont parfois drôles malgré ce qui s'y déroule, puis chaleureuses : c'est la bulle à l'intérieur de laquelle peut sortir la parole et s'opérer la reconstruction. Tout sonne vrai ici, et si c'est Odette qui occupe l'espace de manière éclatante, les autres personnages ne sont pas en reste. Tous sont vivants, et tous les interprètes au diapason : la petite Cyrille Mairesse au jeu tout en sensibilité, qui donne à ressentir la peur et l'impuissance d'Odette enfant, Carole Franck en thérapeute un peu dépassée au départ, mais qui noue un vrai lien avec sa patiente, ou encore Pierre Deladonchamps en bourreau ordinaire, abject et manipulateur derrière son charme de façade.

Les Chatouilles est un film dont on ressort rempli d'admiration et qui, toujours, sait trouver la juste distance pour dire la douleur et nous la faire entendre. Un film puissant, bouleversant et malheureusement nécessaire, qui continue de vous habiter plusieurs jours après.

Artemis Fowl

Mickaël Adamadorassy — 2020-07-28T16:35:19Z

Les blockbusters d'été vous manquent ? Vous rêvez de vous échapper quelques heures dans un univers fantastique avec un gros budget d'effets spéciaux qui en mettent plein les mirettes ? Sur le papier, Artemis Fowl vous promet tout ça, voyons ce qu'il en est dans les faits (les fées ?)

Artemis Fowl Jr est un ado riche, beau, sportif, très intelligent, plein de répartie, poète à ses heures, entraîné commando s'il le faut. Sa vie bascule quand son père, Artemis Fowl (senior), est kidnappé par un méchant à la voix rauque, dont les traits sont cachés dans les ténèbres de sa capuche. Junior découvre alors que son paternel lui cachait des choses, en particulier que les fées existent et qu'à cause de la guerre perdue contre les humains, elles sont condamnées à vivre sous terre (car notre planète est creuse en fait). Ce monde féérique ce n'est pas celui de Hellboy mais plutôt le Wakanda de Black Panther, un havre caché dont la technologie dépasse largement celle des humains.

Il est vite question d'un objet très puissant qui pourrait détruire le monde, de méchants qui ont l'air gentil et qui finalement sont gentils, d'un méchant camouflé parmi les gentils qu'on a repéré juste avec sa tronche. D'une guerre entre fées et humains basée sur la méconnaissance de l'autre. D'une jolie fée capturée par le héros qui finit par rejoindre son camp. Il y a un allié drôle et un peu dégoûtant qui contraste avec le héros très lisse.

Waouh... je m'ennuie moi-même presque autant à vous raconter ça que je me suis ennuyé à regarder Artemis Fowl. L'univers est sympathique quoi que peu creusé par rapport à Hellboy qu'on citait plus haut. Le scénario est rempli de poncifs et d'emprunts mais il n'y a pas que ça : les personnages, à commencer par le héros, ne donnent aucune envie qu'on s'intéresse à eux, ils sont lisses, insipides, à part le "nain géant" tunnelier qui pète pour évacuer la terre qu'il avale (l'humour pipi caca généralement ça fonctionne bien). Si le rythme du film n'est pas mauvais, on arrive à la fin en ayant l'impression d'avoir vu le pilote d'une série qui prépare une suite. Qui ne devrait pas arriver vu la qualité de celui-ci.

Artemis Fowl est l'adaptation cinématographique par Kenneth Branagh d'une série de livres pour adolescents à succès. Les droits ont été achetés rapidement mais il aura fallu des années pour que le script prenne forme et qu'on passe à la production, chez Disney. Le film aurait du sortir au cinéma mais est finalement diffusé via la plateforme de streaming Disney+. Officiellement c'est la faute au covid, mais après visionnage, on pense plutôt que le studio a réalisé qu'il tenait entre les mains un bon gros flop et qu'il a préféré limiter la casse en ne le sortant pas au cinéma.

On se dit qu'ils auraient mieux fait de ne pas le sortir du tout. Artemis Fowl n'est pas mauvais au point d'inspirer de la haine, il génère plutôt de l'ennui, l'impression d'une jolie coquille presque vide et c'est certainement pire.

A Dog Called Money

Mélanie Fazi — 2020-02-20T10:54:15Z

Plusieurs jours après sa projection lors du festival FAME à la Gaîté Lyrique, il nous reste de ce documentaire des impressions flottantes. Des visages, des paysages, des contextes très précis et d'autres mal compris, des bribes de poèmes, un rythme lent, une construction allusive. Et l'envie de s'y replonger quand l'occasion se présentera pour tenter de mieux le déchiffrer. A Dog Called Money ne ressemble en rien aux documentaires classiques autour du rock, et c'est ce qui fait sa patte autant que sa force – peut-être aussi, selon les attentes du spectateur, ses limites.

Dialogue au long cours

Difficile de l'appréhender sans le relier au contexte plus général de la collaboration au long cours entre PJ Harvey et le photographe Seamus Murphy, spécialiste du reportage de guerre devenu réalisateur. Sur l'album Let England Shake, c'était lui qui réalisait les clips des différents morceaux, essentiellement à base d'images de reportages (l'ensemble a été réuni dans un DVD chroniqué ici). Par la suite, ils devaient partir ensemble effectuer trois voyages au Kosovo, en Afghanistan et à Washington, où PJ Harvey a puisé l'inspiration de l'album suivant, The Hope Six Demolition Project, et du recueil de poèmes The Hollow of the Hand (Au creux de la main). Le documentaire nous montre des scènes tirées de ces trois voyages, mais aussi de l'enregistrement de l'album à la Somerset House de Londres dans le cadre d'une installation ouverte au public : les visiteurs étaient séparés du studio par une vitre sans tain, et les musiciens s'affairaient sans voir ce qui se passait de l'autre côté.

Collage sans discours

Avant la projection, nous avions lu des chroniques qui reprochaient au film un côté allusif et un peu superficiel. On ne nous y dévoile pas grand-chose, disait l'une d'entre elle en substance. Ce qui est tout à fait vrai, et l'on comprend qu'il soit possible de ne pas adhérer au parti pris. Sur ce point, A Dog Called Money se place dans la droite lignée des clips réalisés par Seamus Murphy pour les deux albums, de ces collages qui accompagnaient les chansons sans les illustrer directement ni fournir de discours explicite. On accepte ou non de se laisser porter ; lorsqu'on y parvient, l'effet produit a quelque chose d'hypnotique, de fascinant, précisément parce qu'on ne comprend pas tout. On regrettera parfois qu'on ne nous donne pas d'éléments de contexte plus précis pour comprendre ce qui se joue sous nos yeux, quels sont ces villages, ces drames, ces rites, qui sont ces gens. Les seuls commentaires fournis par PJ Harvey lors des voyages sont des lectures d'extraits de ses poèmes, eux-mêmes parfois très allusifs. Certaines scènes sont plus directement lisibles que d'autres : une manifestation contre Bachar al-Assad dans les rues d'un village, ou les gamins des quartiers pauvres de Washington improvisant un rap gouailleur – contrastant avec la vue des monuments du « Washington du cinéma » qui sont pratiquement, nous dit-on, un autre monde.

De ministère en studio

Par moments, le dialogue entre les images et l'album devient plus évident : on reconnaît des lieux, la carcasse détruite du « Ministry of Defense » abandonné, les rives du fleuve Anacostia jonchées d'ordures, les maisons vides dont une vieille femme garde les clés après un massacre dans « Chain of Keys ». Et puis cette église où fut sans doute enregistré le chœur gospel de « The Community of Hope ».

Les images filmées en studio nous sont plus immédiatement déchiffrables. On y découvre des bribes de la création de morceaux qui nous sont connus pour la plupart – les titres retenus sur The Hope Six Demolition Project, mais aussi quelques inédits sortis par la suite. On assiste à quelques tâtonnements, quelques fous rires, à des prises décisives – notamment un moment marquant où le saxophoniste Terry Edwards, le visage rouge, improvise le fameux solo qui conclut « The Ministry of Social Affairs », accueilli par les rires épatés des autres musiciens qui ne s'attendaient visiblement pas à ça. On y reconnaît des visages familiers : les fidèles John Parish, Mick Harvey, Jean-Marc Butty, James Johnston, ou les musiciens découverts lors de la tournée mémorable qui a suivi l'album (Alessandro Stefana, Enrico Gabrielli). On y entend le producteur Flood rapporter le souvenir amusé d'un jour où PJ Harvey, ayant rassemblé des proches chez elle pour leur dévoiler un album qu'elle venait de finir, est partie jardiner pendant qu'ils l'écoutaient avant de venir recueillir leur avis. On capte les regards des visiteurs émus qui voient naître le futur album de l'autre côté de la vitre. On se voit rappeler, une scène après l'autre, à quel point cet album nous a marqués, et on s'émeut nous aussi de ce qu'on grappille là de son histoire.

La confiance et le respect

On n'apprend pas grand-chose, c'est vrai ; le tout est de ne pas partir avec cette attente. Il y a finalement là quelque chose d'assez beau, dans ce qui nous est dévoilé du rapport de confiance unissant l'artiste et le cinéaste. Quand une musicienne fait, comme PJ Harvey, le choix de refuser les interviews et d'adopter une discrétion de plus en plus grande quant à sa vie privée, sans doute y a-t-il chez beaucoup de gens un réflexe de curiosité qui peut parfois prendre des proportions malsaines. Ce qui est admirable dans ce documentaire, c'est finalement qu'il ne nous place jamais dans une position de voyeur – à l'image de ce processus d'enregistrement ouvert au public dans des conditions contrôlées. Ce qu'on nous dévoile ici, on le sait réfléchi, autorisé, on sait qu'il ne va pas à l'encontre des vœux de l'artiste, on sait qu'il respecte sa pudeur. C'est là, finalement, quelque chose de rare et d'appréciable. Et le film recèle suffisamment de mystères dans les interstices entre les images pour nous donner envie d'y revenir. Ne reste qu'à espérer une sortie DVD qui nous permettrait de prolonger ce singulier voyage à notre guise, à notre rythme.

John Cameron Mitchell

Céline Non — 2020-01-21T14:37:28Z

Je prends rarement le temps d'écrire et encore moins pour un film tellement la musique a de l'importance. Mais par le plus grand des hasards, surfant dans les méandres des plateformes de streaming je tombe sur How to talk to girls at parties » de John Cameron Mitchell. J'ai choisi ce film pour son casting (Nicole Kidman et Elle Fanning) et sa thématique punk. Je me suis dit que ça serait un bon film pour passer le temps.

Et là, ce fut la surprise. J'écris ses mots juste après l'avoir visionné, la musique du générique de fin en fond. Mon cœur est tout rempli d'émotions. Sourire aux lèvres et la larme à l'œil.

Je vais essayer de ne rien révéler et ne peux que vous conseiller de ne même pas lire le résumé pour garder cet élément de surprise totale, quitte à finir cet article plus tard, après visionnage, mais je tâcherai d'en révéler que peu.

Ce que j'ai pris pour un feel good movie c'est avéré être bien plus que ça. Allant du nanard au film d'ado, plongeant aux débuts du mouvement punk rock, partant dans tous les sens jusqu'à nous immerger dans une SF carrément bizarroïde. Le tout prônant en message d'acceptation avec une scène de fin qui, je l'assume totalement, a fait mouiller mes yeux.

Mais ça part vraiment loin. Trop ? Sûrement à en perdre en cours de route. Mais ça m'a plu, ça m'a plu que ça soit totalement barré. Jamais je n'aurai imaginé voir Nicole Kidman en prêtresse du punk tenir tête à une représente alien de la colonie du sexe. Il y a plein de scènes de dingue totalement what the fuck, mais en fan de nanar ça ne me dérange pas le moindre.

La bande originale est totalement sublime, punk et krautrock (si vous ne connaissez pas, plutôt que vous décrire je vous dirai d'écouter Kraftwerk, c'est bien plus simple). Les groupes cités sont géniaux, qu'on ne peut que conseille d'écouter, the Velvet Underground, The Damned, Siouxsie and the Banshees. La chanson du générique de fin signé Xiu-Xui avec Mitski, Between the breaths a déjà sa place dans ma playlist du mois et la bande-son sera étudiée et écoutée bien rapidement.

Et forcément avec cette bande-son on retrouve une Angleterre de la fin des années 70 dépeinte avec une belle photographie et des décors urbains collant carrément à l'esthétique punk. Bref, c'est quand même bien foutu en plus.

J'avoue aussi que par moment, je me suis clairement demandée où le film voulait en venir et si ça ne partait pas trop en cacahuètes tout ça. Il y a des choix contestables et je suis sûre que ce film ne doit pas être très bien noté. Je peux même le comprendre. Mais ce final, peut être niais, m'a comme fait accepter tous ces moments où ils ont failli me perdre. Il m'a fait monter la larme. Et j'aime bien le but et le propos de ce film. Cela m'aura parlé et touché. Juste être sois et s'accepter. C'est cool. En plus la BO est vraiment chouette. Alors je me suis dit qu'il fallait en parler et partager. Car quand ça nous plait au final, on a envie de le partager.

Bonus, petit lien vers la BO.

Rim of the World

Mickaël Adamadorassy — 2019-05-31T23:35:21Z

Parfois les signes ont beau être présents un peu partout (pas de buzz, scores très bas sur les agrégateurs type rotten tomatoes, pitch pas franchement bouleversant) mais on refuse de les voir, on préfère se focaliser sur les bons points (supposés) : une invasion extra-terrestre (certes on n'en est pas à la première mais le sujet semble moins être une impasse qu'un film de zombie en 2019) et des gamins à vélo abandonnés par les adultes, à qui revient la lourde tâche de sauver le monde ; on a envie de croire à une bonne surprise façon Stranger Things ou encore Attack The Block.

Mais non ce n'est pas le cas et j'écris cet article essentiellement pour les amateurs de SF qui commettrait la même erreur que moi : Rim of The World est une daube, une daube médiocre, qui ne se plante pas au point d'en devenir drôle ou culte par ses tares, c'est juste une daube, sans imagination, assez mal filmée, mal écrite, qui ne mérite pas le temps que vous pourriez y consacrer ou que moi je passe plus de temps à vous en parler ou à lister tous les défauts.

Ce n'est pas non plus une daube révoltante qui provoquerait une intense réaction de rejet, en fait le plus grand danger c'est que vous pourriez bien le regarder jusqu'au bout mais vous vous sentirez sale après, vous vous direz, on parle de sobriété énergétique, nos voisins nordiques prennent tellement ça au sérieux qu'ils ont inventé le "plane shaming", comme quoi il faudrait avoir honte de prendre l'avion quand c'est pas indispensable et qu'on peut faire 30 heures de train écologiquement responsables et pourquoi pas 1 mois de bateau d'ailleurs... enfin bref il devrait y avoir une sobriété énergétique pour le cinéma aussi et on ne devrait pas avoir le droit de dépenser de l'argent et du carbone pour quelque chose d'aussi vide de sens.

Voilà vous êtes prévenus !