Le Cargo !

New Amsterdam

Mickaël Adamadorassy — 2025-01-21T23:34:23Z

S'il fallait situer New Amsterdam dans le genre déjà largement peuplé des séries médicales, on pourrait dire qu'il y a autant de soap opera que dans Grey's Anatomy, beaucoup de "vis ma vie aux urgences" comme dans... Urgences, peu d'intérêt pour les puzzles médicaux comparé à Docteur House et enfin un personnage principal, Max Goodwin, qui est l'exact opposé de notre diagnosticien misanthrope préféré. Un médecin qui veut soigner l'hôpital, voir toute la société. Pauvreté et déclassement, questions de genre et inclusion, racisme systémique, santé mentale. Tous ses débats qui agitent actuellement la société sont abordés dans cette série qui se veut militante, se fait caisse de résonance du malaise du système de santé américain.. Ce qui change des grandes préoccupations comme "qui couche avec qui dans la salle de repos ?" ou de savoir si c'est un Lupus... mais rassurez-vous c'est aussi au programme !

"How Can I Help ?"

Max(imus) Goodwin , rien que le nom déjà donne une idée de ce qui anime le personnage principal de New Amsterdam. Un jeune quadra en baskets et barbe de dix jours, qui met un point d'honneur à porter une blouse de médecin plutôt qu'un costume. Il s'est donné pour mission de corriger tout ce qui ne va pas dans le système de santé américain, même si pour cela, ilfaut tout casser pour reconstruire en mieux. Et c'est ce qu'il fait dès le premier jour en virant tout le département de cardiologie parce qu'ils privilégient le profit et en énonçant pour la première fois son motto : "How Can I Help ?" , un "comment puis-je vous aider ?" qui fait résolument écho au serment d'Hippocrate mais chez Max c'est plus que cela, c'est son identité, une vocation venue à un très jeune âge alors que sa sœur était soignée dans ce même hôpital.

A chaque épisode ou presque des cinq saisons de New Amsterdam, un nouveau cheval de bataille : les remboursements des mutuelles privées, la crise de prescription des anti-douleurs qui fait gagner des milliards à Big Pharma, la logique comptable qui détruit les politiques de préventions. Ou alors on vous immerge dans les difficultés, le quotidien des soignants, comme pendant le Covid ou plus récemment la décision de la Cour Suprême annulant l'arrêt qui "protégeait" le droit à l'avortement. Et à chaque fois Max réagit au quart de tour, propose quelque chose de radical qui met la pagaille et généralement affole le conseil d'administration du New Amsterdam, souvent représentée par le personnage de Karen Brantley.

Soigner le système

Celle-ci est quasiment la seule source d'opposition à un Max qui serait sinon une sorte de "gentil despote éclairé". Elle a le mauvais rôle dans l'histoire mais le traitement du personnage est loin d'être manichéen et le personnage gagne progressivement en profondeur et passe du statut d'ennemi cordial à quelque chose de beaucoup plus flou selon la problématique du moment.

Des problématiques dont on apprécie aussi que les solutions à l'emporte-pièce de Max ne parviennent pas à les résoudre du premier coût : ce qui traduit bien la complexité de ces problèmes sur lesquels les scénaristes ne sont pas naïfs : un homme tout seul dans un hôpital ne peut pas changer tout un système.

Mais le message que tente de faire passer New Amsterdam c'est que pour régler ses problèmes systématiques il faut bien commencer quelque part, par des invidus qui refusent le status quo, par des gestes d'humanité et de dialogue , par l'utilisation des contre-pouvoirs que nous offrent la société moderne.

Humanité

Parfois comme Max, c'est un peu too much, pas totalement réaliste, agaçant à force de bons sentiments, la parfaite rigueur morale et éthique du personnage le rend presque inhumain. Parfois le problème n'est réglé que pour un jour et on se dit et après mais bien souvent New Amsterdam fait mouche et avec son coeur gros comme çaaaaaa......aaa, les histoires qu'elles racontent vous font aimer ses personnages qui vont s'en prendre plein la figure et vous donnent envie d'être un peu comme Max.

Et de croire naïvement qu'un hôpital (voir toute forme d'entité sociale) peut-être soigné, à partir du moment où la personne aux commandes demande "Comme puis-je vous aider ?"

Sous-chien au grand coeur

New Amsterdam aura tenu 5 saisons à l'écran mais globalement que ce soit les internautes ou la critique, les avis sont mitigés. Cela peut se comprendre : pour les purs fans de séries médicales, rien de bien nouveau là-dedans et on sent bien que les maladies mystères ou les exploits chirurgicaux n'intéressent pas tant que ça les créateurs. Au niveau des personnages (la partie soap), en dehors de Max, aucun ne ressort au début, certains sont même plutôt antipathiques et il va falloir deux ou trois saisons parfois pour finir par les aimer.

Tout le poids de la série repose donc sur Max, alors qu'il peut aussi être agaçant. Mais c'est impossible de douter de sa sincérité et son cœur. Certains trouveront que c'est une ficelle parfois facile, de jouer sur l'émotion, les gestes d'humanité, de troquer le cynisme ambiant par des lunettes roses. C'est de bonne guerre mais si on écrit ses lignes c'est pour les autres, ce qui comme nous se laisseront séduire, prendront du plaisir à se faire un petit shot d'optimisme béat aux côtés des médecins du New Amsterdam.

Le dernier épisode de New Amsterdam laisse à penser que les scénariste ont appris un peu tard la fin de la série : en un épisode tous les fils narratifs en cours sont résolus d'un coup mais en même temps cet épisode émouvant bénéficie d'une idée géniale qui ouvre à la fois sur une suite et vous laisse à l'écran de fin avec une larme et un sourire en même temps, ce qui est franchement rare.

Sandman

Mélanie Fazi — 2022-08-08T10:53:01Z

On ose à peine y croire, mais c'est désormais chose faite : non seulement Sandman, la série de comics culte de l'écrivain britannique Neil Gaiman, longtemps réputée inadaptable, a enfin été portée à l'écran après plusieurs tentatives avortées, mais le résultat est tout simplement magistral. Et à la hauteur de cette œuvre qui a profondément marqué nombre de lecteurs et lectrices, dont votre matelote encore chamboulée par le visionnage de ces dix épisodes.

Fratrie divine

Publiée entre 1989 et 1996, Sandman est au départ est une œuvre de commande de Vertigo/DC Comics dans laquelle Neil Gaiman s'affranchit peu à peu des consignes pour créer un univers de plus en plus personnel et profond, peuplé d'une galerie de personnages inoubliables. Les récits mettent en scène une fratrie de sept entités plus ou moins divines, « the Endless » (les Infinis dans la récente traduction française de Patrick Marcel), incarnant chacun·e un concept (Dream, Death, Destiny, Desire ou encore Despair). Les comics comme la série débutent lorsque Morphée, alias Dream, seigneur des Rêves, est emprisonné par un groupe d'occultistes. Échappant à sa captivité au bout d'un siècle, il regagne son domaine et s'affaire à réparer les dégâts que son absence a causés, dans le monde des rêves comme dans le monde éveillé. Ce qui commence par la quête de trois objets que lui ont dérobé les humains : une bourse de sable, un casque et un rubis qui concentrent une grande partie de ses pouvoirs.

S'ensuivra un récit fleuve dont Netflix adapte dans cette saison les deux premiers albums, Préludes et nocturnes et La Maison de poupées. On craignait tant de ne pas retrouver à l'écran la magie de l'original que la découverte de ces dix épisodes nous laisse sonnés. Voilà une œuvre dont on ne pourra pas dire « Oui, mais l'original, c'était autre chose » : ce qu'on découvre là, c'est le Sandman de Neil Gaiman, c'est le nôtre, vraiment, adapté avec assez d'habileté pour ravir les fans comme pour accueillir les novices en douceur. Par certains aspects, les premiers épisodes sont peut-être même une version améliorée : là où Gaiman tâtonnait au départ, les scénaristes savent où ils vont, grâce au recul du temps et à la connaissance de l'œuvre finie, et resserrent le récit autour de ses enjeux majeurs en éliminant notamment des références aux super-héros de DC Comics qui n'auraient fait que parasiter le récit. Les changements apportés sont toujours judicieux et ajoutent même parfois un supplément d'émotion, comme l'intrigue poignante autour de Lyta Hall qui ne parvient pas à tourner la page après la mort de son époux Hector.

L'infinie bienveillance de la Mort

Le plus étonnant, peut-être, c'est l'incroyable fidélité au matériau source. Le découpage en épisodes, la progression de l'intrigue, et même des pans entiers de dialogues sont quasiment repris à l'identique, avec des ajustements toujours très habiles. Ce n'est jamais en revanche un copier-coller paresseux des cases : visuellement, le résultat est différent, abordant les scènes sous de nouveaux angles, parfois dans de nouveaux décors, et c'est un vrai régal pour l'œil. On ne s'étonnera pas d'apprendre que Neil Gaiman, fort de l'expérience d'adaptations précédentes de ses œuvres (récemment American Gods et Good Omens), est ici producteur exécutif et s'est beaucoup impliqué dans cette transposition à l'écran de ce qui est sans doute son chef-d'œuvre.

On ne peut qu'admirer le parti pris de respecter la structure particulière de l'original, qui fait alterner récits longs et courtes vignettes, brasse les époques, les ambiances, nous fait passer d'une histoire de tueurs en série contemporaine à des scènes oniriques ou historiques où l'on croise aussi bien Lucifer ou les Parques que Shakespeare, Caïn et Abel répétant chaque jour le meurtre originel (mais pas avant midi, Caïn n'étant pas du matin) ou un bébé gargouille terriblement kawaï. Car au-delà des relations entre Morphée et sa fratrie, c'est de leur rapport à l'humanité qu'il est question ici. L'une des plus belles idées de Sandman est d'avoir représenté la mort sous la forme d'une jeune fille espiègle et chaleureuse qui aime profondément les humains et cherche à adoucir le moment de leur passage dans l'au-delà. C'est avec une grande émotion qu'on découvre à l'écran l'adaptation de la très belle histoire « Le bruit de ses ailes » où Death tente d'éveiller son frère Dream à la compassion. Kirby Howell-Baptiste est une magnifique Death à l'écran, dont elle porte avec grâce l'infinie bienveillance.

Conte philosophique

Car le cœur de Sandman, peut-être encore plus que l'univers ou les intrigues, ce sont les personnages. C'était l'une des plus grandes appréhensions des fans en attendant la série, et c'est aujourd'hui l'une de ses plus grandes réussites. Le casting frôle la perfection. Tom Sturridge est un impressionnant Morphée, dégageant le juste degré d'étrangeté qui suggère sa nature divine, et le fait exister par de subtils détails : sa posture souvent immobile, sa voix légèrement irréelle. Il a la stature de Morphée, sa dureté comme son humanité naissante. La Lucienne de Vivienne Acheampong est une belle version du Lucien des comics, bibliothécaire du domaine des rêves (avec sa fameuse collection de « livres encore jamais écrits »). Ses interactions avec son assistant à tête de citrouille, Mervyn Pumpkinhead, et Matthew le corbeau parlant sont vraiment savoureuses. Mason Alexander Park, iel-même non-binaire, donne une présence magnifiquement vénéneuse, flamboyante et sournoise à Desire. Parmi les personnages plus secondaires, mention spéciale à David Thewlis qui campe, le trois de temps épisodes, un John Dee fragile et terrifiant, terrifiant parce que fragile, un homme profondément instable qui manipule un pouvoir dangereux et peut basculer à tout moment. Et on se doit de saluer la performance de Patton Oswalt qui prête sa gouaille au génial corbeau Matthew, qui semble tout droit sorti des pages des comics tant il paraît vivant. On pourrait les citer toutes et tous – Kyo Ra, Stephen Fry, Jenna Coleman ou Boyd Holbrook, le glaçant Corinthien – tant il n'y a pas de performance inférieure aux autres.

C'est un bien beau voyage qui nous est offert là, un périple onirique où l'on ne sait jamais ce que nous réservera l'épisode suivant ; on a retrouvé en cours de visionnage l'immense plaisir éprouvé en découvrant des séries comme Buffy contre les vampires ou Dr Who, cette impression de voir se construire sous nos yeux un univers riche de possibles et qui ne cesse de repousser ses limites, un univers où l'émotion naît autant de la matière fantastique que des interactions entre les personnages, de leur évolution et de ce qu'ils reflètent en creux de nos propres expériences. Certains passages de Sandman frôlent parfois le conte philosophique, en ce qu'ils disent de notre rapport à la mort, de notre appétit de vivre, de nos rêves qui peuvent être un puissant moteur, un refuge face à l'horreur du monde comme un masque pour nous cacher notre propre noirceur. Les immortels eux-mêmes ne sont pas à l'abri de ces contradictions intimes, à l'image de Morphée dont la carapace de dureté, née d'avoir contenu l'intégralité de l'inconscient humain, se fissure légèrement lorsqu'il s'autorise à changer.

Brûler des cierges

On ne sait à quelle entité divine brûler des cierges pour obtenir que la série se poursuive. On sait simplement que la saison 2 est déjà écrite et adapterait probablement l'excellent album La Saison des brumes, où l'on fait davantage connaissance avec les membres de cette fratrie divine. Il faut absolument que Sandman se poursuive. Parce que le meilleur est encore à venir, parce que la saga est longue et riche, et parce qu'on n'en revient toujours pas de l'intelligence, de la sensibilité, de l'intensité de ces dix épisodes qui resteront sans doute comme un modèle d'adaptation. C'est un petit miracle, tout simplement. On n'ose se pincer de peur que ce visionnage n'ait été qu'un rêve. Mais un de ces rêves dont la chaleur s'attarde ensuite et rend le monde un peu plus beau.

The Queen's Gambit

Mélanie Fazi — 2020-11-11T09:25:51Z

S'il y a une discipline difficile à rendre palpitante à l'écran, c'est bien le jeu d'échecs. De par sa complexité qui peut vite perdre le spectateur profane, mais aussi de par l'aspect statique de la pratique, aux effets limités sur un plan visuel. La réussite de The Queen's Gambit n'en est que plus éclatante ; il faut un sacré talent, et une indéniable maîtrise, pour parvenir à rendre les choses si fluides à l'écran qu'elles créent une illusion d'aisance. Jusqu'à ce qu'on se rappelle que non, rien de ce qu'on vient de voir ne coulait de source, quand tout semblait pourtant si accessible et si évident.

L'obsession salvatrice

Adapté d'un roman de Walter Tevis paru en 1983 (Le Jeu de la Dame, titre français de la série), The Queen's Gambit suit le parcours de Beth Harmon (Anya Taylor-Joy), rescapée à neuf ans d'un accident de voiture dans lequel elle perd sa mère. Pensionnaire de l'orphelinat Methuen Home, elle surprend le gardien taciturne en train de jouer aux échecs au sous-sol et lui demande, fascinée, de lui apprendre les règles. Beth témoigne très vite d'une intuition stupéfiante autour du jeu, pour lequel elle développe une véritable obsession. Adoptée tardivement par un couple sans enfants, elle s'inscrit à ses premiers tournois où elle bat ses opposants à plate couture. Dès lors, la série de Scott Frank (Godless) et Allan Scott retrace son ascension, contant l'histoire d'une passion absolue autour de laquelle une vie détruite se reconstruit.

L'une des idées les plus fortes de The Queen's Gambit consiste à raconter l'histoire d'une femme qui s'impose dans un milieu traditionnellement très masculin. Elle pourrait être le pendant féminin de Bobby Fischer, qui ne semble pas exister dans l'univers de la série mais dont elle est pourtant contemporaine, l'intrigue se déroulant dans les années 60. (Les Beatles non plus n'y existent pas, à en croire l'expression « plus célèbre que les Monkees » placée discrètement dans un dialogue.) Le personnage lui-même est superbement construit, loin de se limiter au simple effet de surprise consistant à féminiser un rôle généralement masculin. Beth y est décrite comme solitaire mais farouchement déterminée : son obsession guide sa vie entière et lui confère une assurance qui la propulsera loin. Anya Taylor-Joy lui prête un grand charisme et une classe folle, opérant une transformation stupéfiante de l'adolescente ingrate et mal fagotée du début à la championne brillante et élégante qui bataille contre une addiction à l'alcool.

Le théâtre des enjeux

Détail secondaire mais assez inhabituel dans la fiction pour être intéressant, il s'agit d'un rare personnage féminin à n'être quasiment pas défini par ses histoires d'amour, quoique le sujet ne soit pas éludé pour autant : ce sont les échecs qui occupent la place centrale dans sa vie, et si Beth est montrée comme solitaire, elle est avant tout dépeinte comme indépendante, entourée d'amis et d'alliés fidèles. La relation avec sa mère adoptive, femme au foyer doublée d'un pianiste amatrice aux rêves tués dans l'œuf qui sera son premier soutien, est particulièrement juste et touchante.

Outre cette héroïne qui crève l'écran, l'autre aspect le plus captivant tient à la mise en scène des tournois, qui témoigne d'une variété et d'une inventivité assez rares. Les parties se succèdent sans se ressembler et surtout sans jamais lasser. Un soin particulier est apporté à ces scènes-là, qui les rendent immédiatement lisibles par le spectateur, quelle que soit sa connaissance des échecs. Les dialogues, le jeu d'acteurs, les postures ou la façon dont les mains déplacent les pièces, avec assurance, arrogance ou hésitation, tout concourt à clarifier pour nous ce qui se joue sur l'échiquier et autour de lui, sans jamais que les procédés semblent artificiels ou redondants. Il y a dans ces scènes une grande vitalité et un réel suspense, ce qui n'est pas un mince exploit pour des séquences montrant deux adversaires assis qui ne font en réalité que déplacer des pions. Le déroulement des parties semble avoir fait l'objet de recherches et de réflexions poussées ; ainsi les coups joués par les personnages sont-ils inspirés par de célèbres parties réelles, et les dialogues sont remplis de juste assez de termes techniques pour créer un solide effet de réel sans perdre le spectateur en route.

Avec panache

Si l'on devine assez tôt quelles seront les grandes lignes du récit et la conclusion logique vers laquelle il semble vouloir tendre, The Queen's Gambit reste captivante de bout en bout, grâce à l'attachement éprouvé pour ce splendide personnage ; la question n'est pas tant de savoir jusqu'où ira Beth mais de quelle manière, avec quels détours, quels enjeux, et ce qu'ils lui coûteront ou non en chemin. Et la série de se conclure où elle devait aller, avec panache, dans un dernier épisode riche de suspense comme d'émotion, sur une ultime séquence qui laisse un grand sourire aux lèvres. Une série que l'on quitte avec regret mais dans la joie. Une série brillante mais sans esbroufe, exigeante et accessible à la fois, que l'on brûle ensuite de recommander autour de soi, de mettre devant tous les yeux, car on voit mal qui pourrait ne pas l'aimer. Et parce que The Queen's Gambit, même lorsqu'elle plonge ses racines dans la noirceur et la gravité, ou peut-être pour cette raison même, fait tout simplement un bien fou. Alors autant partager cette joie-là.

The Haunting of Bly Manor

Mélanie Fazi — 2020-10-13T10:01:37Z

En 2018, The Haunting of Hill House avait fait forte impression chez les amateurs de fantastique. Par sa beauté formelle et la qualité de sa réalisation, par le soin apporté à l'aspect horrifique comme à ses répercussions psychologiques sur les personnages, mais aussi par son parti pris d'adaptation très personnel. Du roman Maison hantée de Shirley Jackson, il ne gardait que le titre original, le décor impressionnant de Hill House, demeure labyrinthique pas tant hantée que corrompue, et quelques éléments épars comme le nom des personnages. La série racontait une tout autre histoire, celle d'une famille dysfonctionnelle marquée par un traumatisme collectif impossible à dépasser.

Deux tours d'écrou

L'intrigue étant close au terme de cette magnifique saison, on avait accueilli avec méfiance l'annonce d'une suite, jusqu'à ce qu'il soit dévoilé qu'elle adapterait un autre classique du récit de fantômes : Le Tour d'écrou de Henry James. L'idée d'une série anthologique inspirée chaque fois par un classique différent avait de quoi séduire ; on attendit donc The Haunting of Bly Manor avec une double impatience, dans l'espoir d'y retrouver l'éblouissement de la première fois, mais aussi dans la curiosité de découvrir comment le réalisateur Mike Flanagan allait tordre cette fois le matériau d'origine. Dès l'ouverture, cette deuxième saison semble pourtant revendiquer une fidélité plus grande, plus proche de la transposition modernisée. Une femme à l'air usé (Carla Gugino) raconte aux convives d'un mariage une histoire de fantômes, et prononce la fameuse phrase qui donne son titre au texte de Henry James, laquelle postule que si la présence d'un enfant renforce l'impact de ce genre de récit, celle de deux enfants fournit un « tour d'écrou » supplémentaire. Le début de la série épouse les grandes lignes du texte : Danielle (Victoria Pedretti), jeune fille au pair américaine, s'y voit embauchée pour s'occuper de deux orphelins, Miles et Flora, dans une vieille maison de la campagne anglaise. Des signes inquiétants se multiplient bientôt : Flora a des jeux troublants, Miles le tempérament changeant, la bâtisse cache des secrets, et Flora semble marquée par la mort de la jeune fille au pair précédente, qu'elle a trouvée noyée dans le lac de la propriété.

Dès lors, le suspense est double pour qui connaît Le Tour d'écrou. À la question de savoir ce qui s'est passé exactement dans la demeure et qui sont ces fantômes, réels ou métaphoriques, qui hantent plusieurs des personnages, s'ajoute celle de découvrir quand et de quelle manière l'intrigue déviera du texte d'origine. En douceur dans un premier temps, par le développement de l'histoire individuelle de chaque protagoniste ; on retrouve la construction chorale qui faisait la richesse de The Haunting of Hill House, chaque épisode adoptant le point de vue d'un personnage différent. De ces intrigues parallèles en naîtra progressivement une nouvelle – une hantise derrière la hantise. Plus le récit avance et plus l'on retrouve les thèmes explorés dans la première saison, les propres obsessions de Mike Flanagan davantage que celles des auteurs qu'il adapte ; on est soudain frappé par la récurrence chez lui des motifs du traumatisme, de la résilience ou du déni, jusque dans le choix des romans de Stephen King qu'il a portés à l'écran (dont un Jessie magistral). Ici, les fantômes se nomment deuil, amour toxique, remords ou trahison.

Poésie gothique

Comme dans la saison précédente, l'écriture est admirable de précision, avec une attention portée aux moindres détails, parfois semés longtemps avant qu'on ne comprenne leur importance ; chaque flashback consacré à l'histoire d'un personnage vient éclairer différemment une scène qu'on avait crue plus anodine. Les éléments s'emboîtent un par un avec une grande habileté pour former un tableau plus complexe qu'il n'y paraissait au départ. Le soin apporté à l'esthétique des éléments surnaturels renforce le trouble créé par le procédé. Ainsi comprend-on très vite, lors des furtives apparitions du fantôme qui hante Danielle dans les miroirs, qu'il est l'ombre d'un traumatisme qui l'a détruite. Les spectres créent ici le même malaise que ceux de Hill House (rappelez-vous la « dame au cou tordu ») dans ce que leur apparence suggère d'anomalie. Les deux saisons partagent une même beauté formelle, faite de couleurs sombres et d'ombres oppressantes, ainsi qu'une interprétation remarquable. Si le personnage de Danielle peine à convaincre par moments (le décalage culturel induit par ses origines américaines détonne parfois de manière un peu gratuite), la gouvernante Hannah Grose, magnifiquement incarnée par T'Nia Miller, nous a bouleversés dans l'épisode de mi-saison qui lui est consacré. Comme dans The Haunting of Hill House, les enfants sont d'une justesse remarquable, particulièrement Benjamin Evan Ainsworth qui est un Miles impressionnant d'ambiguïté et de détresse silencieuse. La série brosse par ailleurs un portrait très convaincant d'un manipulateur séduisant mais sans envergure, plus inquiétant dans sa banalité que bien des personnages de fiction ouvertement maléfiques. Car des salauds ordinaires comme celui-là, nous en avons tous connu.

Pour autant, la série n'est pas sans défauts ; The Haunting of Hill House, malgré sa quasi-perfection, décevait par une fin totalement ratée, en décalage embarrassant avec ce qui précédait. Quelques scènes, ici encore, s'intègrent mal, de par des choix musicaux douteux ou un aspect plus superficiel, notamment dans l'intrigue de Danielle. Bly Manor bénéficie au moins d'une conclusion satisfaisante, et même assez poignante, encore qu'un peu bancale. On s'étonne d'autant plus de ces fautes de goût ponctuelles que la série se tire habilement de procédés à la limite du cliché, comme la voix off sur laquelle repose une grande partie des deux derniers épisodes, qui pourrait sonner faux mais ne fait que renforcer l'impression d'envoûtement (de l'avant-dernier épisode, nous ne vous dirons rien, sinon qu'il est un splendide exercice de style tout en poésie gothique, que nous vous laissons découvrir).

La force et la finesse

Si l'effet de surprise n'est plus tout à fait le même, The Haunting of Bly Manor se révèle à la hauteur – conséquente – de la première saison. Effrayante et tragique, profondément humaine, en même temps qu'un régal pour le regard. Mike Flanagan s'y dévoile comme un réalisateur qui comprend intimement toute la force et la finesse du genre fantastique, et ces deux saisons comme l'une des plus belles œuvres du genre que nous ayons vues ces dernières années.

Marianne

Mélanie Fazi — 2019-09-16T09:58:39Z

Les réussites françaises en matière de fantastique sont assez rares sur petit et grand écran pour que l'on aborde chaque nouvelle tentative avec un mélange de curiosité et de grande méfiance. Même une série comme Les Revenants, malgré un début magnifique, nous avait lassés sur la longueur. Si nous nous sommes laissés convaincre de donner une chance à Marianne, c'est notamment sur la foi de l'excellent souvenir que nous avait laissé Lazy Company, série précédente de l'un des créateurs, Samuel Bodin – une série comique qui se révélait plus fine et plus émouvante qu'il n'y paraissait au départ. Quelques acteurs de Lazy Company font d'ailleurs des apparitions dans Marianne, brèves ou moins brèves (notamment Alban Lenoir dans le rôle d'un inspecteur efficace et plein de bonne volonté, mais parfois légèrement benêt). Bien en nous en prit, car Marianne se révèle, malgré quelques imperfections et le relatif classicisme des thèmes, comme une excellente surprise.

Écriture et hantise

Nous suivons ici les pas d'Emma Larsimon (Victoire Du Bois), écrivaine d'horreur à succès, présentée d'emblée comme un personnage trouble et pas forcément aimable, qui s'apprête à abandonner avec pertes et fracas la série qui l'a rendue célèbre. Mais le retour brutal dans sa vie d'une camarade d'adolescence vient tout chambouler : Caroline tient des propos incohérents au sujet du contenu de ses livres, puis se suicide sous ses yeux. Les événements conduisent Emma à retourner dans sa ville natale d'Elden qu'elle a quittée quinze ans plus tôt et qui semble hantée, comme autrefois, par une présence obscure. Retour plus ou moins bien accueilli par sa famille et ses anciens amis de la « bande de l'épave » à qui elle n'a visiblement pas laissé que de bons souvenirs.

Si les scènes horrifiques qui ouvrent cette première saison nous ont semblé parfois à la limite de l'excès, quelque chose nous happe d'entrée de jeu, qui tient en grande partie aux personnages. Celui d'Emma, sur qui repose la majeure partie de l'intrigue, est à la fois juste assez archétypal et juste assez inhabituel dans ce genre de récit pour intriguer. Une femme manifestement cabossée par la vie, hantée par les rancœurs et le poids du passé, une personne toxique qui épuise son entourage, détruit tout ce qu'elle touche, dit des horreurs quand elle boit trop et le regrette ensuite, mais ne parvient pas à se contrôler. Une héroïne pas franchement sympathique au départ mais qui sonne juste, et dont l'histoire forcément douloureuse nous sera révélée progressivement, éclairant son comportement sous un autre jour.

La chair des personnages

De manière générale, les dialogues sont vivants, les personnages ont de la chair, leurs interactions sonnent vrai. L'un des écueils les plus courants dans le genre fantastique est d'insister sur les effets horrifiques en négligeant le développement des personnages – or, la peur et le trouble ne sont jamais si efficaces que lorsqu'ils s'ancrent profondément dans le vivant et le quotidien. Les Revenants commettait l'erreur inverse : belle épaisseur psychologique mais manque de rigueur dans l'intrigue fantastique qui finissait par trop se délayer. Marianne trouve un équilibre convaincant entre les deux, particulièrement dans son dernier tiers où le mal s'engouffre par les failles, les désirs, les angoisses des personnages, au point qu'on ne distingue plus toujours très bien la part du surnaturel et celle de la nature humaine. L'ambiguïté classique entre illusion et réalité y est assez finement dosée.

On pressent d'ailleurs que c'est l'œuvre de créateurs (Samuel Bodin et Quoc Dang Tran) qui connaissent le genre et en comprennent la mécanique. Des clins d'œil discrets (qui ne sont peut-être, pour certains, que des coïncidences) ponctuent le récit sans jamais le perturber : citations en exergue de chaque épisode (Lovecraft, Hawthorne, Poe ou Machen), image d'un petit garçon en blouson jaune qui évoque furieusement la fameuse scène d'ouverture du Ça de Stephen King, école déserte et hantée par le passé qui nous renvoie au premier jeu de la série Silent Hill. On repensera à ces deux œuvres à plusieurs reprises : Silent Hill pour l'ambiance de cauchemar éveillé particulièrement réussie dans le dernier tiers de la saison, avec quelques scènes franchement angoissantes ; Ça pour la ville maudite où les événements du passé se répètent, l'alternance de deux époques, les retrouvailles adultes d'un groupe d'amis qui ont croisé le mal dans leur adolescence, la façon dont leur adversaire puise dans leur histoire pour mieux les déstabiliser. Les scènes horrifiques parfois un peu forcées au départ deviennent de plus en plus convaincantes à mesure que la saison progresse, que les personnages se développent et qu'une forme d'ambiguïté s'installe. On pense aussi, pour la figure de l'écrivaine dont les écrits provoquent des drames, à l'excellent roman Sur le seuil de Patrick Sénécal, dont il partage l'ambiance lourde et angoissante.

L'écueil d'un mal simpliste

De manière plus subjective, on pourra regretter que la série choisisse, parmi tout l'éventail qu'offre le fantastique, une thématique un peu vieillotte dont le récent retour à la mode (de Conjuring à l'exaspérant Hérédité) ne cesse de nous rendre perplexes : sorcière nécessairement malfaisante, attirail religieux, exorcisme et possession, comme si le genre s'était arrêté à l'époque de L'Exorciste. Marianne réussit malgré tout à offrir l'une des rares utilisations intéressantes de ces thèmes que nous ayons vues récemment, mais pêche parfois par le manichéisme de sa figure de sorcière. Et pour pinailler légèrement, on peut s'étonner, de la part d'amateurs du genre, qu'on nous présente les romans d'horreur d'Emma comme étant si mal écrits, à grands coups de clichés qui sonnent creux. Ce n'est pas la première œuvre à tomber dans cet écueil (le jeu vidéo Alan Wake, vendu comme un prétendu hommage à Stephen King, ratait son objectif tant les extraits du roman-dans-le-jeu était médiocres). Mais quand on sait la richesse du genre en littérature et qu'on pense à des écrivains comme King, Poppy Z. Brite ou Clive Barker (ou même, plus près de nous, une jeune autrice comme Morgane Caussarieu), qui ne sont pas exactement des manchots en matière de style, on peut s'agacer de ce cliché. Tout comme on peut sourire d'entendre Emma dire qu'elle écrit ses histoire « pour la thune », quand on connaît les chiffres de l'édition, particulièrement en littérature de genre, et la difficulté d'en vivre. Mais ce ne sont que des points de détails dont nous assumons l'entière subjectivité et qui ne suffisent pas à gâcher l'impression d'ensemble.

Ajoutons à tout ça une mise en scène inspirée qui sait doser la montée de l'angoisse et distiller peu à peu les révélations (comme ce motif quasi subliminal du trou dans le sol qui hante Emma et trouvera une explication tardive), et un usage assez malin de chansons dont les textes viennent résonner avec le déroulement de l'intrigue. Marianne ne plaira sans doute pas à tout le monde – il faut adhérer à son imagerie horrifique qui frôle parfois le grotesque, ainsi qu'aux personnages pas toujours aimables qui sont pour une grande part dans la réussite de l'ensemble. Malgré nos réticences toutes personnelles sur le choix du thème central, nous nous sommes laissés captiver et attendons la suite avec curiosité, en espérant qu'elle sache se montrer à la hauteur.

Stranger Things

Céline Non, Mélanie Fazi, Mickaël Adamadorassy — 2019-07-11T17:42:49Z

Après presque deux ans d'attente, Stranger Things revenait le week-end dernier pour une troisième saison très attendue et il n'aura fallu qu'un week-end voir une seule nuit aux matelots du Cargo ! pour visionner celle-ci en intégralité. On échange nos premières impressions sur notre Slack, elles se rejoignent souvent mais on s'aperçoit aussi qu'on peut être fans de la même série et y prendre du plaisir pour des raisons différentes, être interpellés par certaines thématiques et passer à côté d'autres. Très vite émerge l'idée de vous proposer une retranscription de cette discussion-fleuve certes un peu bordélique, parfois décousue mais où on réussit (presque) à vous dire tout ce qui nous a plu ou pas dans cette saison.

N.B. : Même si nous avons tenté d'éviter les spoilers, il vaut mieux lire cet article après avoir vu la saison 3

Mickaël : Nous voilà dans un exercice inédit sur le Cargo !, la chronique collaborative... On va voir comment ça se passe au fur et à mesure mais comme il faut bien commencer quelque part et que quelqu'un doit faire sa Christine Ockrent... je me dévoue : alors mesdames vous avez aimé cette saison 3 ?

Céline : Franchement, j'ai kiffé. Je l'attendais avec impatience, et j'ai eu la chance de pouvoir la voir au Grand Rex pour la Stranger Night, toute la saison en une nuit, entourée de fans. J'avais un peu peur de m'ennuyer à certains moments, comme ce fut le cas pour la saison 2. Mais en fait pas du tout, le développement des personnages, les nouveaux qui sont introduits, le rythme, beaucoup de choses que j'ai aimées. Et on retourne encore un fois dans les années 80 avec un énorme plaisir.

Mélanie : Très agréablement surprise pour ma part. L'intrigue fantastique devient un peu anecdotique et je sais que ça a déçu pas mal de gens, mais j'ai trouvé la dynamique de la saison très réussie avec notamment la multiplication des personnages qui est très bien gérée. Et une manière assez jouissive d'assumer le grand n'importe quoi des situations et de le pousser parfois assez loin (comme le deus ex machina complètement improbable de la fin avec la constante de Planck). Au niveau de l'écriture des personnages et dialogues, ça reste toujours aussi fort. Le fantastique passe au second plan en termes d'intérêt mais ça ne m'a pas dérangée, je n'en attendais pas grand-chose.

Mickaël : j'ai bien aimé cette saison 3, en particulier le début, pour la multiplication des personnages et des thèmes évoqués par Mélanie. Par contre si j'aime les scènes de "n'importe quoi", l'aspect comédie et développement des personnages, pour moi l'aspect fantastique était important aussi

Céline : Un peu déçu pour le coup ?

Mickaël : oui, cette saison 3 pêche au moins sur trois points : 1 - cohérence et crédibilité (euh des russes qui construisent une base sous une petite bourgade américaine dans le plus grand secret tout en émettant un signal indiquant leur position tellement bien codé qu'il faut une journée pour casser le "code" ???) , 2 - on reprend des éléments déjà connus et on nous les ressert, sans spécialement le justifier ni enrichir l'univers, 3 - le fantastique c'était aussi l'élément horrifique, la mise en danger des personnages, ici même au plus fort du combat, je n'ai pas eu peur pour les personnages.

Mélanie : C'était ce que je voulais dire par "anecdotique", le fantastique est évidemment central pour l'intrigue et le suspense, mais effectivement il se répète et n'ajoute rien. Cela dit je m'aperçois que ça ne m'a pas dérangée, parce qu'au final ce n'est plus pour ça que je regarde la série depuis la saison 2. J'ai bien aimé l'aspect référentiel, le trip Profanateurs de sépultures, le genre de motif qui d'ailleurs à une époque symbolisait au cinéma la peur du communisme. Je me suis demandé s'il y avait un écho avec le choix des espions russes ici, même s'il me semble que ce motif dans les films de SF remonte plutôt aux années 50. En tout cas avec le recul, je me souviendrai beaucoup plus des scènes et des personnages que de l'intrigue fantastique pour cette saison.

Pour la cohérence et la crédibilité, j'ai lu ce même reproche ailleurs, mais on parle d'une série où des gamins sauvent le monde et où beaucoup de choses demandent une sacrée "suspension d'incrédulité", alors pour moi ça va de pair.

Céline : Je suis tellement d'accord sur la crédibilité. En plus c'est totalement assumé. Ils en jouent tellement à fond que ça en devient réjouissant à la fin (il demande quand même à une enfant de rentrer dans une base militaire, elle même les charrie sur le child endangerment). C'est justement ça et ce délire à plein tube qui fait de cette saison celle avec le plus d'humour.

Mélanie : La scène en question, je crois qu'elle a marqué tout le monde, et elle incarne bien ce que j'ai adoré dans cette saison. Faire passer un personnage par un conduit d'aération, c'est ultra classique. Mais ça l'est déjà moins d'avoir toute une scène où il faut convaincre une gamine têtue qui explique que ce qu'elle adore dans son pays, c'est le capitalisme. Le personnage de la petite Erica est génialement écrit et interprété dans cette saison. J'ai bien aimé l'accent mis sur les personnages secondaires qui ont un vrai rôle à jouer. Et j'aime beaucoup cette façon de "tordre" les situations pour habiller des rebondissements classiques

Mickaël : pour revenir à la crédibilité et la cohérence, y a de quoi digresser longuement mais si j'essaie de résumer, pour moi se placer dans un cadre fantastique ne signifie pas abolir les règles mais les changer et surtout je ne l'oppose pas à la possibilité de faire de l'humour et de partir dans des délires, ce que j'ai bien aimé aussi dans la série. Pour moi Stranger Things est capable d'avoir toutes ses qualités en même temps et c'est là où elle est à son meilleur, je prends un exemple : la scène de l'hôpital où le groupe de Mike et Nancy/Jonathan sont réunis pour la première fois, l'infirmière dit “Vous connaissez la règle, pas plus de deux visiteurs à la fois”, les personnages se séparent, côté Mike on est dans la comédie filles vs garçons, Nancy et Jonathan se font attaquer par leurs collègues journalistes assimilés par le MindFlayer (Flagelleur en VF). Il y a une vraie tension dramatique, une vraie peur pour les personnages. Et en même temps, le fantastique en transformant les méchants sexistes en méchants monstres donne une opportunité de les montrer quelque part comme ce qu'ils sont et de se venger d'eux.

Mélanie : On est d'accord sur la question de la cohérence interne, c'est un point qui me hérisse dans pas mal d'œuvres fantastiques mais qui ne m'a pas du tout dérangée ici, alors qu'ailleurs ça peut me sortir complètement d'un film ou d'une série.

Micky : Là je pense qu'il est important de préciser pour le lecteur que ce genre d'exercice me pousse à la critique et au pinaillage, ça peut donner l'impression que j'ai pas aimé, alors qu'en fait si mais ça n'empêche pas de se dire "ça aurait pu être mieux si ..." Donc ce sont des choses que j'ai notées et dans 90% des cas elles n'ont pas cassé mon immersion.

Mélanie : Tu parles de la séparation des personnages, c'est quelque chose que j'ai adoré dans cette saison par rapport aux précédentes. On n'est plus dans l'histoire d'un groupe de quatre gamins mais vraiment dans une interaction constante entre différents groupes de personnages (enfants, ados, jeunes adultes, parents) et le côté éclaté de la narration donne un grand dynamisme. J'ai aimé la façon dont chaque petit groupe dévoile une partie de l'histoire sans connaître le tableau d'ensemble. Je trouve que c'était extrêmement réussi en termes de construction, de montage alterné, et de manière de garder l'intérêt tout du long. Et l'écriture des personnages est vraiment un des grands atouts de cette série. J'ai adoré ce qu'apportent des personnages comme Max, Robin ou Erica.

Mickaël : J'en suis à deux visionnages de la saison et en re-regardant le premier épisode, je me suis fait exactement cette remarque sur la qualité de la narration et du montage, c'est très très bien fait.

Mélanie : Ça m'a frappée ici parce qu'on ne s'y perd jamais malgré la multiplication des fils de narration, et il n'y a pas vraiment d'intrigues moins intéressantes que d'autres. Et puis ça donne une scène très drôle où tout le monde se retrouve au centre commercial et personne ne comprend de quoi parlent les autres.

Mickaël : La séparation des personnages en tout cas c'est un thème intéressant :ils l'avaient tenté sur la 2 déjà, avec beaucoup moins de réussite mais ça avait quand même permis de créer des dynamiques inattendues, par exemple Steve et Dustin, le geek le plus impopulaire de la bande et le beau gosse du lycée, qui développent une relation attachante, reprise et amplifiée dans cette saison 3

Mélanie : Oui, le rôle de Steve est vraiment intéressant ici, le personnage y gagne beaucoup. J'ai aimé aussi le fait d'aborder des thèmes différents selon les groupes, comme Nancy et Jonathan qui se frottent aux difficultés de l'entrée dans le monde du travail, et au sexisme bien lourd et bien gras pour elle (d'ailleurs je me suis demandé si c'était volontaire que le pire de ses collègues ressemble autant à Donald Trump). Ces thèmes-là ne pouvaient concerner qu'eux, parce qu'ils sont plus âgés que les gamins. Après on peut regretter que certains personnages soient un peu mis en retrait, Will notamment.

Mickaël : Sur Will, totalement d'accord, il était la victime dans les deux premières saisons, et là le personnage aurait mérité un peu plus. Même physiquement il fait un peu "Mike Bis" surtout avec l'horrible coupe au bol qu'ils ont tous les deux. C'est dommage que ce soit le gamin qui a le plus d'imagination et qui a le plus subi qui finalement soit laissé un peu sur le carreau.

Céline : Je ne sais pas si je suis d'accord, ok c'est pas l'homme d'action, mais il est autant mis en valeur qu'un Lucas. En plus c'est par ce personnage qu'on aborde le mieux un des thèmes dont j'ai adoré le traitement. Le passage à la vie adulte. Lui et ses rêves, ses jeux d'enfant face à ses amis ados qui ne pensent qu'aux filles. La difficulté de grandir quand on aime ce monde qu'on s'est construit. Et je trouve le choix du perso qui ne veut pas grandir hyper intéressant, il a été privé d'un bout de sa vie, coincé dans un monde à l'envers. Est-ce qu'il veut fuir cette réalité qui a été dure pour lui ou bien est-ce qu'il veut rattraper du temps perdu ?

Mélanie : Oui, on peut le voir sous cet angle, mais ce développement m'a marquée aussi parce qu'il dit quelque chose de très ordinaire et de très juste sur ce qu'est l'expérience de l'adolescence, le fait de ne pas tous grandir au même rythme, de s'éloigner parfois de ses amis à ce moment-là parce qu'on n'a plus les mêmes centres d'intérêt. Ça m'a renvoyée à mes propres souvenirs de cet âge, d'un décalage pareil à celui de Will, et je sais que d'autres spectateurs l'ont reçu comme ça aussi. J'ai trouvé ça vraiment très fort.

Mickaël : Sur Will, en fait je suis d'accord avec vous, c'est totalement cool qu'il soit pas comme les autres, qu'il grandisse différemment mais j'ai eu l'impression parfois que ça le faisait passer pour un "boulet", genre quand il s'obstine à vouloir jouer à D&D et que les autres sont pas du tout sur la même longueur d'ondes. Les autres ont toujours une perception un peu spéciale de lui, genre à la fin ils acceptent de jouer par pitié ou Mike qui s'inquiète dès qu'il a l'air d'aller mal, ce qui est sympa en tant que pote et en même est-ce qu'il le perçoit pas toujours comme la victime

Mélanie : J'aimais bien depuis le début la relation entre Mike et lui, le côté protecteur de Mike, mais c'est vrai qu'ici ils ne sont pas tendres avec le personnage et c'est un peu dommage.

Céline : Vous voyez qu'il est mis de côté Will, mais il fait réfléchir sur plein de trucs, plus qu'un Mike et ses histoires d'amour !!

Micky : Oui mais parce qu'on regarde la série avec notre prisme à nous, on est tous des Will :). Mais si je résumais son apport dans la saison en mode connard ça serait son cou.

Céline : Et tu as lu qu'ils le faisaient passer pour un boulet, moi j'ai vu plutôt un mec qui voulaient voir ses potes et en profiter, mais qu'ils n'étaient pas là pour lui. D'ailleurs Mike, que ça soit avec El ou Will, j'ai eu envie de lui foutre des tartes. Mais il fallait un outsider pour représenter un panel de l'adolescence. Oui c'est pas un boulet, mais un outsider. Et certes ils acceptent de jouer avec lui par pitié à un moment, mais à la fin je trouve que c'est une façon de promettre de se revoir.

Mélanie : C'est clair que dans le groupe, les garçons ne frappent pas par leur maturité, contrairement à El et Max.

Céline : Contrairement à toutes les femmes de la série non ?

Mélanie : Pas faux.

Céline : Etant un peu féministe, j'aime toujours voir les femmes prendre les décisions et diriger l'action, et c'est souvent le cas avec Stranger Things.

Mickaël : sur El et Max, elles sont un peu plus matures que les garçons, ok c'est "normal" à cet âge, en tout cas ça se vérifie souvent... par contre elles restent des ados et tant mieux, surtout pour El qui n'a pas la chance d'avoir eu une vraie enfance... et une vraie garde-robe. Au 2ème visionnage, je me suis dit que clairement y a un "costumiste" (?), un styliste on va dire qui s'est fait plaisir. Les tenues d'Eleven c'est un défilé de mode 80's !

Mélanie : Les costumes collent vraiment à mes souvenirs de l'époque, j'étais coiffée exactement comme les filles ici. Il y a un vrai souci de la reconstitution des années 80 dans la série et pour avoir connu cette époque, je suis régulièrement frappée par des petits détails que j'avais oubliés et qui ont quasiment un effet de madeleine de Proust. Un motif de housse de couette dans la saison 1, et ici la façon dont Max et Eleven s'attachent les cheveux. On n'est pas juste dans une reconstitution superficielle.

Céline : Et en plus d'être une magnifique reconstitution réaliste, c'est aussi de véritable hommages aux films et séries de l'époque. Je vais revisionner la série juste pour m'amuser à voir les clins d'oeil qu'il y a. Comme un de ces premier plans de l'épisode 1 sur cette horloge typique des années 80 qu'on retrouve dans Retour vers le futur, la chemise Magnum du Hopper. Je suis sûre qu'il y en a pleiiin d'autres à trouver

Mélanie Fazi : J'ai souvenir de références claires à E.T. dans la première saison (la façon dont Mike cache Eleven dans sa chambre), et à Stephen King qui me semble être une influence majeure de la série : un clin d'oeil à l'intrigue de Charlie à travers l'histoire de l'origine d'Eleven, puis un personnage qu'on voit dans une scène en train de lire le roman, et le groupe de gamins un peu nerds ou décalés qui rappelle beaucoup le "club des ratés" de Ça. De manière générale, la façon d'ancrer le fantastique dans le quotidien d'une petite ville ordinaire et le développement des personnages me rappellent vraiment son approche. Beaucoup plus que certaines adaptations directes de ses romans, qui sont souvent à côté de la plaque ou peu représentatives.

Céline : Les références sont souvent claires, mais faut les trouver, ça en devient un jeu. Et la saison 2 a clairement Retour vers le Futur comme référence principale, d'un côté, ça avait été annoncé. Et je les soupçonne d'avoir fait exprès de placer l'intrigue pile poil après la sortie du film pour lui rendre hommage

Mickaël : Sur cette saison, je pense qu'on est tous d'accord pour dire que la partie fantastique est largement inspirée de L'Invasion des profanateurs [de sépultures] (les deux films existent). Et par extension forcément on pense à The Faculty ?

Céline : Alors j'ai pas vu L'Invasion des profanateurs (me tapez pas !) mais j'ai très vite pensé à The Faculty.

Micky : Moi non plus je ne l'ai pas vu, je connais essentiellement parce que The Faculty fait dire à un de ses personnages qu'il repompe “exprès” ce film.

Mélanie : The Faculty était déjà un film bâti sur ce genre de références, on était quasiment dans le même exercice.

Micky : Totalement ! Je trouve The Facuty vraiment très bon parce que c'est assumé et bien utilisé. Tout comme le premier Scream, il joue avec les attentes du public et pratique une bonne forme d'auto-dérision.

Céline : C'est totalement ça qui m'a fait penser à The Faculty, et maintenant que tu le dis un peu de Scream, ils reprennent beaucoup de codes classiques du cinéma pour en jouer et y ajoutant une tartine d'humour.

Mélanie Fazi : Je me demande dans quelle mesure ils n'ont pas, sur le long terme, l'intention de faire quelque chose à la American Horror Story qui reprendrait diverses figures classiques ou clichés, un différent dans chaque saison. Au début de Stranger Things, on était dans un fantastique assez différent, très inquiétant et presque lovecraftien dans sa façon de suggérer un "ailleurs" étrange sans jamais vraiment nous le montrer. Ici on est passé à tout autre chose, quelque chose de plus gore et de beaucoup moins effrayant, mais aussi une référence à un type de fantastique différent avec ce motif de la contamination des habitants. Et là encore je pense à Stephen King qui s'est lui aussi toujours nourri de vieux films et romans fantastiques pour créer ses histoires.

Céline : C'est marrant le rapport à l'horreur que tu imagines. J'avais plutôt l'impression que la part d'horreur et sa vision évoluait avec les personnages. Genre la saison 1 faisait flipper, comme un enfant qui a peur de tout, on faisait plus face à ses peurs avec la saison 2 (et le combat face de demodogs) et avoir vraiment moins peur dans cette saison, comme des ado qui n'ont peur de rien. Le truc qui fait le plus flippé est le design de Mindflayer (j'ai cru que ses dents étaient des jambes). Bref, j'ai l'impression qu'on a moins peur parce que les enfants ont grandi.

Mélanie : Oui, c'est possible aussi. Même si pour le coup le fantastique de la saison 1 me paraissait plus adulte avec sa part de suggestion et d'étrangeté, alors qu'ici on voit clairement les monstres, ce qui pour moi aurait quelque chose de plus enfantin. Mais le sentiment d'impuissance face aux événements était plus grand avant.

Micky : Je suis d'accord avec Mélanie sur le côté plus adulte et plus sérieux de l'horreur dans la saison 1. Pour en revenir au Mindflayer il change sensiblement de design au cours du temps : au début de la saison 2, c'est une silhouette tentaculaire à la Lovecraft, puis on le voit de mieux et mieux mais il n'est pas réellement terrifiant, moi en tout cas j'avais l'impression de voir un poulpe gonflable s'agiter au gré du vent, et là dans la saison 3 c'est une créature gore.

Mélanie : C'est un peu The Thing par certains aspects, non ?

Micky : J'aurais dit Le Blob ?

Mélanie : Même le fait qu'il se cache dans les personnages, sans qu'on sache toujours bien lesquels.

Céline : Qu'il soit dans les gens, les animaux, il est clairement dégueu quand même. Et comment ils se liquéfient… beurk.

Micky : Dégueu oui mais pas très effrayant. Pour ce qui est de cette forme d'horreur moins subtile et moins effrayante, pour moi l'explication est assez simple, ça rejoint la tonalité plus humoristique de la saison. C'est possible de rire aux éclats dans un film d'horreur mais d'avoir à la fois une tonalité dramatique et des scènes potaches tout le temps je pense pas, les deux ont tendances à se neutraliser.

Mélanie : Je vois ce que tu veux dire mais je ne suis pas sûre que ce soit vraiment antinomique. Une série comme Buffy arrivait à concilier les deux d'une manière très forte. Mais clairement, l'accent de cette saison est moins mis sur le fantastique que sur l'aspect comique ou absurde des situations et sur les relations entre les personnages.

Micky : Oh là je ne vais pas relancer la discussions sur Buffy, ça va durer des heures ! (en vrai ça a duré un bon moment mais on a coupé)

Céline : Bref, on parle de toutes ces choses qu'on aime, Micky a dit un peu de ses déceptions, mais je voudrais en évoquer une. ON EN PARLE DE HOPPER ??? Parce que moi, c'était un perso que j'aimais beaucoup, totalement badass, je tape et je questionne après. Un mec fort qui fait un peu ce qu'il veut. Triste et paumé aussi. Alors oui, on est content qu'il ait une nouvelle fille en El, mais pourquoi en avoir fait une ... patate ?! Il est là pour faire rire que ça soit dans son rôle de père ou dans sa relation avec Joyce. Ça en devient tellement forcé qu'il en est presque clownesque.

Mélanie : Ça ne m'a pas dérangée, mais ce n'est pas un personnage qui m'avait tellement marquée avant. La relation avec Joyce m'a amusée même si effectivement c'est un peu forcé, et la scène avec Murray, le traducteur et l'espion russe qui s'étonnent qu'ils n'aient pas déjà couché ensemble m'a vraiment fait rire.

Céline : Cette scène n'était qu'une redite de la scène entre Jonathan et Nancy dans la saison 2. Ils ont réutilisé Murray exactement de la même façon que dans la saison 2.

Mélanie : Et puis j'ai trouvé la fin très émouvante, le passage avec la lettre qui n'a jamais été lue, ça m'a vraiment mis les larmes aux yeux.

Céline : J'avoue, j'ai eu la larme à l'œil.

Mickaël : ça aurait du être ma réaction aussi mais j'avais déjà perdu toute empathie pour le personnage à ce stade de la série.

Une question sur le féminisme… vous trouvez pas que Jonathan n'est pas à la hauteur du tout dans cette saison ? Il laisse la pauvre Nancy se faire dézinguer par ces ignobles collègues, limite en lui disant de la fermer !

Céline : Mais Jonathan ne sert a rien en général, à part faire ce que Nancy lui dit…

Mickaël : Dans la 1 c'était l'archétype de l'ado sensible artiste un peu exclu, il était même un point de vue narratif important, à égalité avec Nancy, qui le bouffe complètement dans cette saison.

Mélanie : C'est une saison dont les femmes sortent gagnantes de manière générale.

Céline : Les femmes sortent gagnantes mais doivent se battre pour se faire entendre. Et qu'est ce qu'elles sont fortes dans Strangers things, depuis le début. Quelle perso féminin n'est pas fort dans cette série ? Je vois que la mère de Nancy, mais justement elle permet à Nancy de se positionner à l'opposé, à ce qu'elle ne veut pas devenir.

Mélanie : J'ai particulièrement aimé la façon dont ils ont développé le personnage de Max ici, comme membre intégral de la bande, pas juste "la fille en plus", et qui initie Eleven à la fois au féminisme, aux comics, et la pousse à explorer ses propres goûts au lieu de suivre ce que Mike ou Hopper lui disent de faire. Et c'est un personnage qui se bagarre au même titre que les garçons.

Mickaël : Moi je voudrais défendre la mère de Nancy, elle a quand même une certaine épaisseur mais par rapport à sa génération elle a tout un carcan social et mental dont il est difficile de se défaire.

Céline : Sur ça, je suis d'accord. Elle a subi la pression de son époque. Et la voir inviter sa fille à se battre, j'ai adoré. Malgré qu'elle soit enfermée dans son rôle de femme au foyer, elle ne cantonne pas les femmes à ça, et surtout pas sa fille. Ca lui donne de la profondeur, parce que dans les saisons précédentes, c'était juste la meuf qui hurlait à son mari d'ouvrir la porte.

Mélanie : Je trouve ça important de monter aussi des personnages qui ne soient pas ouvertement des battants, sinon on tombe vite dans le cliché. Oui, c'est un personnage qui a ses propres carcans et qui agit à partir de là.

Mickaël : Avant de conclure, je voulais quand même évoquer une autre nouveauté de cette saison : la dimension sociale : avec l'arrivée d'un centre commercial à Hawkins, on voit les magasins familiaux (les “moms & pops”) fermer, le centre-ville devient une zone morte tandis que le “mall” devient non plus seulement le lieu de l'hyper-consommation mais le nouveau centre de gravité de Hawkins, l'endroit où on sort, où on vient “consommer” aussi loisirs ou culture. On découvre plus tard la responsabilité là-dedans d'un maire corrompu et cynique à l'extrême. Il y a aussi les piques sur le capitalisme dans la scène où Steve et Dustin essaie de persuader Erica de les aider.

C'est peut-être parce qu'aux Etats-Unis il serait presque inimaginable pour une série mainstream d'attaquer frontalement le capitalisme (vous vous seriez immédiatement traités de “communistes” comme dans la série et sûrement bien pire sur Fox News) mais c'est fait avec humour et subtilité et c'est totalement justifié parce que c'est un élément culturel emblématique des années 80 américaines (qui me fait toujours penser à ça), même si le “shopping mall” est un modèle qui commence dès les années 60.

Céline : Oui ça remet en question ce modèle qui commence a être pas mal critiqué de nos jours. C'est intelligent, tout comme j'y ai vu aussi une petite critique du pouvoir actuel avec des petites choses où l'on pourrait voir Trump (genre le maire qui fait ce qui veut... ). Non mais j'ai vraiment aimé cette saison, ok l'histoire de base est pas hyper originale, on frissonne pas comme dans la première saison mais tout est tellement bien fait. L'écriture, la photographie, le rythme, les références, même l'humour qui aurait pu devenir bien lourd était très bien dosé. En fait ils ont fait un beau jeu d'équilibriste. Une des seules choses qui me fait peur c'est la fin et l'ouverture sur la saison 4. J'espère qu'ils ne vont pas remettre des Russes, ça n'aurait aucun intérêt...

Mélanie : Effectivement cette dimension sociale m'a frappée aussi, et ça rejoint la place prise par la dimension féministe qu'on évoquait (et la pique envers Trump qu'il m'a semblé voir à travers ce personnage dont je parlais plus haut). Pour la suite, je suis curieuse de voir quelle direction ils vont choisir de prendre, notamment au niveau de l'évolution des personnages. Ils sont de toute manière obligés de les faire entrer dans l'adolescence puisque les acteurs grandissent en même temps mais ça peut donner quelque chose d'intéressant, un peu comme dans les adaptations de Harry Potter où les acteurs ont vraiment grandi sous nos yeux.

Mickaël : Mes acolytes ont déjà à peu près tout dit... Même si j'ai beaucoup aimé cette saison je suis aussi le plus critique à son sujet et c'est certainement parce que j'ai toujours en tête la magie de la saison 1. Ce qui me vient à l'esprit c'est encore cette scène où Will essaie de relancer la campagne de D&D alors que les autres sont passés à autre chose. Pour les fans comme moi, on peut y voir un message salutaire des frères Duffer : restez-pas coincés là-dessus les gars, une série ne gagne rien en se répétant, elle évolue, au rythme de ses personnages, elle nous emmène ailleurs. Dans la saison 3, c'est surtout vers le développement des personnages, la comédie, peut-être un peu aux dépends du fantastique. Ça serait “parfait” si la saison 4 creusait un peu plus l'Upside Down mais même sans cela, je suis déjà pressé de retrouver ces personnages auxquels je me suis attaché, les nouveaux comme les anciens (Robin je t'aime).

Cobra Kai

Nikola Kesic — 2019-05-03T15:42:58Z

« -La défaite n'existe pas dans ce dojo, n'est-ce pas ? -Non, Sensei ! » John Kreese/Karate Kid, 1984

La première saison de Cobra Kai, au miraculeux succès critique et public, plaçait d'emblée la barre très haut en termes d'attentes et d'exigences pour la suite. Le trio de scénaristes/producteurs allait-il réitérer l'exploit et parvenir à maintenir la qualité du show et continuer sur cette voie ? Dans l'ensemble, oui.

Pour ce qui est de l'histoire, le fond est là et embraye intelligemment sur les acquis. Deux difficultés s'érigent en challenge pour les deux Senseis désormais : Pour Johnny Lawrence, c'est de ne pas basculer dans les vieux travers qui définissaient le Cobra Kai, et de s'en tenir à des valeurs récentes pour lui et qu'il voudrait représentatives de sa nouvelle façon de voir les choses. Modifier les bases de son karaté afin de le rendre plus honorable. Pour Daniel Larusso, c'est d'arriver à transmettre les leçons qu'il a apprises avec Maître Miyagi, tout en les renouvelant afin de s'affranchir partiellement du lourd héritage que cela représente pour lui. Comme lui conseille sa femme dans le deuxième épisode : « Tu n'as pas besoin d'être M. Miyagi. Sois juste M. Larusso ». Ils vivent donc désormais tous deux avec un poids personnel sur les épaules : être à la hauteur des valeurs qu'ils veulent dispenser. Mais comme tous deux voient leur école comme une solution à ce qu'ils considèrent être une agression venant du dojo adverse, née d'une animosité alimentée par des souvenirs de jeunesse qui les a marqués au fer rouge, ce sera difficile pour eux de prendre du recul et de faire abstraction d'une rancœur aussi vieille que tenace.

Cet équilibre précaire entre les deux écoles sera d'ailleurs sérieusement menacé par un vieil ennemi dont l'arrivée à la toute fin de la saison 1 laissait présager le pire. Tel le serpent emblématique du Cobra Kai, la présence du vieux sensei John Kreese déstabilise sournoisement les velléités de rédemption de Lawrence. Un fantôme du passé, reflet de ce que Johnny ne veut plus être désormais mais à qui il doit ironiquement sa gloire d'antan. Ses actions au cours de la saison sont assez bien amenées pour qu'on se méfie de lui de manière instinctive, bien qu'en ayant par moment de la pitié, voire de l'empathie, pour l'être abîmé et vieillissant qu'il semble être devenu. Le traitement du personnage, sans le rendre forcément sympathique, lui confère une fragilité et une patine plus humaine que dans la trilogie ciné. La vérité sur son passé notamment, permet de craqueler l'aspect monolithique et sans nuances du personnage. Cependant, son influence néfaste continuera à transformer le personnage instable de Hawk, dont la mutation agressive atteindra son apogée lors du dixième épisode.

L'autre bonne idée de cette saison est d'avoir centré l'intrigue pendant les vacances d'été suivant le tournoi (à l'image du deuxième film d'ailleurs) et de ne pas avoir fait un calque des enjeux précédents. Pas de tournoi ici mais plutôt une volonté de renforcer la mise en place des personnages pour les laisser vivre leur évolution récente et les faire s'épanouir. Les histoires dans chaque camp vont se développer en reflet ici aussi : deux senseis en prise avec la difficulté d'enseigner, deux nouvelles histoires d'amour, deux personnages comiques décalés. Comme si, encore une fois, on avait droit à deux facettes d'une même histoire.

Et surtout, l'évolution de Johnny, son constat d'échec en tant que père et son impossibilité à réparer sa relation avec son fils qui a basculé du côté Miyagi-Do dojo, continue à être la grande réussite de la série. Le personnage essaye toujours de se racheter une conduite malgré des mauvaises racines assez tenaces, notamment en s'occupant de Miguel qui est plus un fils de substitution qu'un élève et qu'il essaye d'éloigner des anciens préceptes belliqueux du Cobra Kai. Par conséquent, sa manière de s'ouvrir à Miguel et l'importance qu'il donne à placer les bons curseurs d'enseignement le rendent très attachant.

Cependant, à l'image des deux héros qui se cherchent, la série joue parfois dangereusement avec la forme pour se renouveler. Elle se cherche au risque de basculer dans la facilité. Trouver autre chose que lustrer/frotter, chercher le gimmick à tout prix et il n'y a qu'un pas pour basculer dans la caricature. Les « trucs » d'entraînements sont un peu plus grossiers et demandent une suspension d'incrédulité et une bienveillance bien plus grandes que dans la saison passée. Le 7e épisode est ainsi le plus maladroit de la saison en cours, les entraînements respectifs des deux écoles frisent le ridicule (une variation du jeu du drapeau en forêt pour le Cobra Kai et un entrainement en chambre froide pour le Miyagi-Do). La démonstration fonctionne mal visuellement car peu crédible et trop facile. C'est d'autant plus dommage que le ton adulte et grave de l'épisode précédant proposait une parenthèse assez émouvante, on y voyait Johnny retrouver les anciens membres de son gang et partir dans une virée à moto profondément nostalgique. Un constat touchant sur un passé révolu et sur la fragilité de la condition humaine.

Mais ces quelques maladresses ne nuisent pas trop au show tellement il est, encore une fois,respectueux de son héritage. Cette saison (bien plus que la précédente) est blindée de références plus ou moins évidentes aux films précédents. Que ce soit la musique, les situations, les références visuelles ou certaines lignes de dialogues, les easter eggs – ou références cachées en français – sont imbriqués dans la structure narrative de manière tellement évidente qu'ils participent à l'ADN de la série. A la fois un cadeau aux fans hardcore mais aussi une manière d'ancrer cette histoire dans une boucle qui semble se répéter comme une malédiction.

Si la première saison a obtenu son 1er Dan haut la main et avec les honneurs, le 2ème Dan ici est validé avec quelques approximations. Mais ce que la saison a un peu perdu en fluidité et en homogénéité, elle l'a gagné en dureté. Les confrontations s'enchainant et montant en intensité créent une tension qui ne demande qu'à exploser. Entre les élèves comme entre les deux rivaux principaux. La mèche sera allumée lors d'un final explosif à la conclusion tristement dramatique. Ironiquement, même les bonnes décisions peuvent provoquer les pires dénouements. C'est en cela que la série continue à surprendre, de manière moins éclatante car parsemée de moments virant un peu plus vers le teen soap opéra, mais préservant un univers et une galerie de personnages qui se construisent entre équilibre et chaos.

Russian Doll

Mickaël Adamadorassy — 2019-03-05T14:44:56Z

En regardant sur Rotten Tomatoes, le score de Russian Doll une des nouvelles séries Netflix en ce début 2019, je n'ai pas compris. 97% ce n'est plus un consensus ou un plébiscite c'est un score d'élection dans feu l'Union Soviétique. Mais bon quelque part ça me plait d'être Lorenzo Lamas, un rebelle en cheveux longs et ~~harley~~ bus RATP qui va faire gagner l'ordre et la justice et vous expliquer pourquoi Russian Doll c'est juste un "mouais bof".

A la manière de

C'est assez simple de résumer la série : vous prenez Un jour sans fin, le film où Bill Murray est condamné à revivre encore et encore la même journée, vous remplacez Bill par Nadia (jouée par Natasha Lyonne) une rouquine avec les cheveux en pétard dans un New York branché qui veut vous faire savoir qu'il l'est et vous avez grosso modo le pitch. Plus exactement vous avez tout le pitch. Ce n'est pas la première fois qu'une série ou un film reprend cette idée de boucle temporelle mais généralement quand vous décrivez la série à votre meilleur pote ou à vos lecteurs du Cargo !, vous dites c'est "comme un Jour sans fin sauf que". Sauf que là il n'y a pas de "sauf que".

simple et basique

Mais l'important n'est pas forcément la mécanique ou son originalité me direz-vous, au contraire même, ce qui est intéressant, plus que le pourquoi du comment, c'est de s'en servir comme révélateur. Et là on s'attendait à beaucoup plus et beaucoup mieux : le titre nous vend des poupées russes : on pensait à des mystères à l'intérieur des mystères (souvenez-vous quand Lost c'était bien) , des personnages complexes révélées par des couches successives.

On est loin du compte malheureusement. À commencer par le personnage principal, Nadia, un personnage en représentation permanente, qui se surjoue même au téléphone, seule dans la rue. Une new-yorkaise branchée à la limite de la caricature, qui a son propre dealer, son épicier indien attitré et qui bosse dans le jeu vidéo arty , elle fume et boit comme si les 20 dernières années et le cancer n'avaient jamais existé, elle a une palette d'amis LGBTQ, artistes bohèmes, originaux en tout genre. Et elle est blasée de tout bien sûr, se retrouver à côté d'un plan à 4 dont un mec qui a un godemiché attaché aux fesses, ça ne lui fait même pas lever un sourcil. Pour les multiples dimensions on repassera : à part avoir une maman folle, en huit épisodes on en apprendra pas beaucoup plus.

Il n'y a pas beaucoup plus à découvrir chez les autres personnages, que ce soit l'ex qui n'arrive pas à tirer un trait, le vieux beau prof de fac philosophe bas de gamme qui se tape ses étudiantes, l'étudiante en question. Il y a bien un clodo sympathique mais excentrique qui semble en savoir plus qu'il ne le montre (très original là encore...) Mais heureusement...

À deux c'est mieux

En mourant pour la énième fois, dans un ascenseur en chute libre, Nadia rencontre Alan (Charlie Barnett ) qui lui aussi revit sans cesse la même journée et en un sens il est encore plus malheureux que Nadia qui revient à la soirée d'anniversaire de ses trente-six ans : il est le petit ami de l'étudiante qui se tape son prof cité plus haut et sa boucle commence par sa rupture, plutôt douloureuse. Une des connexions au départ invisible entre les deux (c'est le seul aspect poupée russe dans cette histoire). Une autre qui fait "tilt" est que Charlie est fan de jeux vidéos et il a joué à un des jeux de Nadia, un jeu d'aventure réputé impossible à finir (oh la belle mise en abîme)

A partir du moment où Nadia et Charlie sont ensemble, ça va beaucoup mieux, en partie parce que ça évite à Nadia de brasser de l'air ou de se rendre antipathique à torturer son pauvre ex. Notons quand même qu'avant d'en arriver là on se tape deux ou trois épisodes qu'un monteur sérieux aurait pu réduire à 1 ou alors, impitoyable avec ses ciseaux à la Edouard aux Mains d'Argent aux mains, il aurait exigé des scénaristes de faire un travail d'écriture plus intéressant ou des personnages plus bandants. Je dis ça je dis rien Natasha Lyonne, Leslye Headland et Amy Poehler (les trois créatrices de la série) mais Neil Gaiman propose un masterclass à 100€. On demandait pas Twin Peaks mais à ce stade même Dawson... Arf je m'emporte et je suis peut-être de mauvaise foi.

Tout n'est pas perdu

Eh bien oui tout n'est pas mauvais dans Russian Doll, l'image est belle, les personnages pas forcément si creusés que ça sont quand même crédibles et surtout ils forment une galerie sympathique d'une sorte de new-York idéalisé plein d'artistes, tolérants des pratiques sexuelles de chacun, où la drogue et le mot récréatif vont sérieusement ensemble. J'ai beaucoup bitché sur Natasha Lyonne mais à la fin de la série j'avais développé une sorte de tendresse pour elle et pour Alan. La séquence finale est superbement réussie aussi.

En fait, a posteriori, l'erreur, ce qui fait que je ne suis pas dans les 97% c 'est que j'y suis allé pour voir une série fantastique, avec une mécanique qui se tient, une intrigue à tiroirs alors qu'au final Russian Doll c'est peut être avant tout les personnages et la ville. Si vous êtes séduits par cette proposition, ça risque bien de le faire, si vous voulez un peu plus ou que Nadia vous prend à rebrousse-poils dès le début, vous pourriez bien ne pas y trouver votre compte.

Origin

Mickaël Adamadorassy — 2018-11-27T15:30:36Z

La rentrée 2018 n'a pas été franchement très excitante niveau séries, en particulier pour qui aime le fantastique et la SF. On a même frôlé la disette avec l'annulation de The Expanse, heureusement reprise par un autre network. Mais donc pas grand chose de neuf à se mettre sous la dent et puis on tombe sur Origin, produite par Youtube Premium (anciennement Youtube Red). Une série de SF... pas de stars à la réalisation, au scénario ou dans le casting, pas de buzz autour de la série... mais peu importe on se lance à l'aventure !

le neuvième passager

L'Origin est un vaisseau de colonisation en route vers la planète Thea. Les passagers sont plongés dans un sommeil artificiel, surveillés par un équipage minimal le temps du voyage. Qui est long même si on est dans un futur où on maîtrise le voyage à la vitesse de la lumière. Ils sont censés être réveillés quand le vaisseau arrivera à proximité de Thea.

Evidemment ça ne va pas se passer comme ça : la série débute avec le réveil difficile des passagers d'une section de l'Origin, éjectés de leur "cocon" de voyage avec personne pour les accueillir. Ils se rendent compte très vite que l'équipage et le reste des colons a abandonné le vaisseau à cause d'un incident grave qui a transformé certains passagers en psychopathes meurtriers. Parmi les survivants, personne ne se connait, une des conditions du voyage était que tout le monde bénéficie d'un nouveau départ et se débarrasse de son passé. Alors quand le sang commence à couler, la situation devient encore plus explosive : comment savoir à qui on peut faire confiance parmi des inconnus et comment trouver le ou les meurtriers ?

Recyclage

On retrouve dans Origin beaucoup de choses déjà vues en SF, : un huit-clos horrifique sur un vaisseau spatial, on pense tout de suite Alien bien sûr mais aussi plus récemment à Passengers (2016) pour l'aspect vaisseau de colonisation où une partie de l'équipage affronte des avaries techniques imprévues, au jeu Dead Space aussi pour le côté horrifique. Dans le roman Six Wakes de Mur Lafferty (2017), on retrouve presque à l'identique la même problématique de départ : un équipage qui se réveille et découvre qu'un de ses membres est un meurtrier. Mais Six Wakes introduit dans l'équation le clonage et la possibilité de numériser son cerveau voir de leur reprogrammer, ce qui pimente énormément les choses. Origin est beaucoup moins riche et se contente de faire son marché dans la culture cyberpunk/SF pour construire la toile de fond à son histoire. Cela manque donc d'imagination et d'ambition en terme de message social ou philosophique, tout ce qui fait que la SF peut revendiquer dépasser le statut de simple littérature "de genre".

Efficacité

Si l'arrière-plan est fade, qu'en est-il de l'histoire elle-même et des personnages ? là encore les développements ne sont pas tous follement originaux mais par contre, le casting est attachant et on sent quand même qu'à défaut d'audace le scénariste Mika Watkins est un bon professionnel : chaque épisode est bien construit et se termine à la fin par un cliffhanger qui bouscule les certitudes et la sécurité toute relative des héros et vous donne envie de regarder le suivant. La construction de la saison sur dix épisodes est aussi un modèle du genre, on est pas spécialement surpris de la manière dont les choses se passent mais c'est suffisamment bien fait pour que ce soit prenant, et la fin monte en puissance, vous faisant enchaîner les épisodes jusqu'au dénouement.

Lost in space

Globalement on a donc plutôt bien aimé notre passage sur l'Origin et les personnages, en particulier, Shun le yakuza repenti beau gosse et Lana celle qui est toujours gentille. Par contre, il y a quand même deux gros défauts à souligner dans la série qui sont plus ou moins liés :

1 - HÉ LES SCÉNARISTES VOUS NOUS SAOULEZ AVEC VOS PUTAINS DE FLASHBACKS. Oh je te maudis Lost d'avoir popularisé cette mécanique narrative dont certains abusent. Pire, si dans Lost le flashback avait toujours une sorte d'écho dans le présent ou éclairait le pourquoi d'un comportement, dans Origin c'est beaucoup moins pertinent. L'idée est plus de vous imposez l'histoire d'un personnage pour dessiner son caractère en quelques traits. Ça aide à faire dix épisodes mais ça dilue aussi la force du huit-clos et rien qu'en entendant le bruitage "fschiouuuuuu" caractéristique du flashback je me disais "oh non encore un".

2 - on va appeler ça la règle Keyser Söze : et ouais c'est toujours à toi que je parle scénariste : quand ton final de saison repose sur une grande révélation, pour que l'effet soit ouffissime et qu'on se rappelle de toi vingt ans après, il faut que tu l'aies préparé toute ta saison en laissant des indices visibles mais invisibles au premier visionnage, que tu remontres donc à la fin pour que ton spectateur ait l'impression que tout était là et que tu l'as mystifié à la loyale. Sans ça la révélation se transforme en pétard mouillé.

A moins que la vraie révélation soit... mais non je ne dirais rien de plus.... Ne partez-pas du principe que vous savez déjà tout, vous risquez quand même d'être surpris par Origin !

Mention honorable

Au terme de cette première saison, cela peut paraître étonnant vu les défauts que l'on vient de soulever mais Origin se révèle être une série SF tout à fait regardable avec des personnages sympathiques et une intrigue qui à défaut d'être originale est bien construite et vous incitera à la fin à un binge watching des familles pour avoir le fin mot de l'histoire. C'est déjà pas mal et en fait si vous êtes fans de SF ou juste de bonnes séries "efficaces", on recommande sans arrière-pensée Origin.

Cobra Kai

Nikola Kesic — 2018-05-07T18:22:22Z

La réussite de la série Cobra Kai, une suite de la trilogie ciné Karaté Kid, tient du miracle. Le projet casse-gueule au possible, visant à faire revenir les deux antagonistes principaux du film originel (c'est a dire 34 ans plus tard) avait peu de chance de faire mouche, voire faisait mal au cœur sur le papier tant la légitimité d'un tel come-back semblait hors propos. Car il ne suffit pas de reprendre les mêmes acteurs et les remettre sur le devant de la scène, pour donner une crédibilité à l'ensemble. Surtout en les faisant revenir timidement par la petite lucarne, encore plus petite que par la télé puisque via le streaming payant de YouTube : YouTube Red. Mais ces craintes et ces a priori sont balayés dès le premier épisode. Et laissent progressivement la place à une jubilation inespérée qui dépasse les plus grandes attentes.

La réussite et l'initiative de ce projet revient en grande partie au trio de scénaristes, et amis d'enfance, fans de la première heure venus pitcher avec un enthousiasme sans faille l'idée de ce potentiel retour à l'acteur principal Ralph Macchio. Mais non contents de le faire revenir, ils décident surtout contre toute attente de proposer le rôle principal à son adversaire de l'époque, William Zabka alias Johnny Lawrence. Le titre de la série prend du coup tout son sens, évitant la facilité et prenant le parti de l'opportunité plutôt que de l'opportunisme.

Et c'est là que toute l'intelligence du projet repose. Ne pas seulement repartir sur un revival ancré dans ces années 80 tellement tendance ces temps-ci (cf le succès de Stranger Things) mais proposer une nouvelle histoire reposant sur ce moment charnière de la vie de ces deux gamins devenus adultes et parents, faisant face aux démons du passé. Des adultes avec la vulnérabilité qui leur est propre, loin des archétypes attendus, avec un parcours dans la vie qui leur a fait perdre l'innocence de l'adolescence. Johnny marqué par les événements qu'il a vécu apparaît incroyablement humain. Brisé, abattu, cynique, roulant sa bosse de loser en ruminant éternellement sa gloire perdue, il efface d'emblée cette image de bad guy qui le caractérisait. A l'opposé, Daniel à qui tout a réussi depuis ces fameuses aventures de l'été 1984, est devenu un parent, homme d'affaires pépère, balayant cette image de héros du passé. Chacun d'eux est une facette de la même pièce, plus vraiment le ying ou le yang de l'autre, plutôt un reflet avec un léger décalage dû à un parcours différent.

Et quand le destin les fait à nouveau se rencontrer, chacun voyant l'autre à travers le prisme du passé, on aura du mal à prendre parti car tous deux ont leur propre point de vue avec sa légitimité et donc ses conclusions.

Les dix épisodes de cette saison vont donc réussir à nous faire vivre cette confrontation inévitable mais avec une subtilité qu'on n'attendait pas, en usant d'idées narratives subtiles. Des extraits du film servent de flashback, les gimmicks/références sont des clins d'œil savamment distillés mais jamais des appels lourdingues du pied. Plusieurs scènes font directement écho au premier film mais jamais de façon racoleuse ni complètement ou seulement avec nostalgie mais plutôt comme un témoignage de l'héritage de ce film entré dans la pop culture et usant de ces références pour ancrer sa mythologie.

Même les absents ont leur rôle. Miyagi joué par Pat Morita, depuis décédé, apparaît lors des flashbacks et nous rappelle l'importance qu'il a eu et a encore pour Daniel San. La scène au cimetière, tout en recueillement et en dignité, est un moment d'émotion d'une justesse évidente. Quant aux intrigues annexes, elles ne le sont finalement pas, du fait qu'elles s'entrecroisent et alimentent l'intrigue principale. Les histoires développées vont sonner comme une réincarnation du passé, une impression d'éternel recommencement, quelque part entre l'héritage et la malédiction. L'autre thème abordé, qui domine et qui amorce les actes et les décisions, est celui de la figure paternelle, absente ou de substitution. Elle a forgé différemment nos anciens héros par le passé et influencera logiquement le destin des nouveaux.

La narration va aussi jouer en filigrane sur des thèmes universels : l'histoire d'amour contrariée façon Roméo et Juliette, l'enseignement maître/élève faisant à la fois référence au premier film mais aussi à la relation Yoda/Luke Skywalker pour le côté spirituel et dépassement de soi. Un autre thème traité propre à Star Wars (mais étant déjà l'axe principal de Karaté Kid 3) est celui de l'équilibre précaire, et la possibilité de passer du côté obscur. Une menace qui grandit en cours de saison, pas seulement pour l'élève mais aussi pour le maître : le danger de laisser la colère motiver et justifier ses actes.

Tout cela pour finir en beauté lors du fameux tournoi, où l'on attend tout en le craignant, le Happy end facile et convenu, ce qui ne sera pas le cas grâce à la tournure finale intelligemment orchestrée, fidèle à tout ce qui a fait la réussite de cette mini série, tirant toujours vers le haut en évitant quasiment tous les pièges d'un récit qui aurait pu n'être que manichéen et se révèle finalement bien plus ramifié et nuancé que prévu, ainsi que profondément humain.

Et finalement, là où ce retour inattendu aurait pu n'être qu'un éphémère one shot vintage, sacrifié sur l'autel de la liste des interminables reboots dont Hollywood nous inonde depuis quelques années, au cinéma comme à la télé, on a finalement droit à une proposition respectueuse de son matériau d'origine, ouverte aux fans comme aux non initiés et conçue intelligemment malgré (où peut-être grâce à) un format qui semblait trop étriqué. C'est pourtant cette formule qui a permis de traiter ce come-back de la meilleure façon, posant les jalons d'un univers bien plus vaste et riche que prévu, laissant présager une inévitable deuxième saison qui devrait encore monter en puissance, si elle est abordée avec cette même logique de création.

Si vous avez fini la saison 1, nous vous proposons aussi la chronique de la saison 2 de Cobra Kai ici-même : https://www.lecargo.org/spip/cobra-...