Le Cargo !

Ethel Cain

Fabrice Privé — 2025-08-15T12:59:25Z

En début d'année 2025, Hayden Silas Anhedönia faisait sonner à son alter ego fictionnel Ethel Cain les trompettes de l'apocalypse, avec la sortie de Perverts. Un EP au format aussi transgressif (une durée d'1h30) que son contenu était intransigeant : plages dark ambient, drones voraces et psalmodies noise cauchemardesques se dilataient, souvent au-delà des 10 minutes, pour la mise en musique d'un chemin de croix impressionniste. À la surface de cette coulée de lave ne restaient plus que quelques scories de cette pop sadcore, déjà vrillée mais envoûtante, qui inondait son premier album Preacher's Daughter (2022) : cet admirable maelstrom Southern Gothic qui décrivait la trajectoire tragique d'Ethel Cain, pour finir par offrir à sa protagoniste la seule délivrance possible : l'au-delà... Un récit abreuvé de ferveur religieuse rigoriste, d'abus familiaux héréditaires, d'aspirations amoureuses gondolées, de quête d'identité et de relation contrariée à une spiritualité sourde-muette. Une histoire où les destins se nouaient derrière des portes verrouillées, où les illusions s'écroulaient sur la banquette arrière d'un pick-up, où le rêve américain s'affaissait et se décomposait sur le matelas défoncé d'une grange en Alabama, s'évacuait dans les toilettes d'un motel au Texas ou se diluait dans une seringue en Californie : fin de parcours pour Ethel Cain qui terminait littéralement refroidie, mâchée et digérée, selon l'envie, par son dernier "amoureux".

Huit mois après Perverts, sort donc Willoughby Tucker, I'll Always Love You qui voit Anhedönia renouer avec sa puissance narrative et le conte cruel d'Ethel Cain, pour documenter les années précédant les faits relatés dans Preacher's Daughter : de quoi comprendre que le vers était déjà dans le fruit avant que la pomme ne soit croquée. De quoi également faire (plus ample) connaissance avec de nouveaux protagonistes, et en particulier Willoughby Tucker, son seul et premier véritable amour qu'elle rêvait précédemment de rejoindre, post-mortem, dans leur refuge imaginaire au Nebraska. Évidemment, l'album rédige le rapport d'autopsie de leur relation et de leur incapacité à se délester l'un l'autre de leurs propres traumas, avec des conclusions à peine moins éprouvantes que pour l'opus précédent. Sans se lancer dans une exégèse de ses écrits, l'autrice Anhedönia fait encore très fort. Et la compositrice est au sommet de son art, en prolongeant la veine musicale plus menaçante et climatique de la fin de Preacher's Daughter (sans renier une pop qui sait mordre sur un "Fuck Me Eyes" parfait). Elle met aussi à profit l'expérience acquise avec Perverts. On comprend d'ailleurs maintenant que cet EP lui a servi à se délester d'une noirceur musicale absolue pour mieux l'assimiler à une formule désormais exactement dosée et bombardée par ses radiations vocales sublimes.

Slowcore, ambient, alt-country, witch house, ethereal, post-rock, shoegaze sont autant de styles musicaux à la marge qui convergent ici naturellement dans un torrent de pop alanguie. Les sensations procurées sont elles divergentes mais toujours fortes. Les morceaux instrumentaux se mettent au service du récit : voir "Willoughby's Theme", qui débute joliment (mais à la Badalamenti) et se prolonge dans un tourment alarmant prémonitoire. Tout coule de manière fluide et unitaire, le fond et la forme s'interpénètrent pour culminer sur une dernière demi-heure vertigineuse : ah ce calme de "Radio Towers" avant la "Tempest", avec sa tornade fatale qui toupine au ralenti. Il est décidément captivant de voir la manière rénovée avec laquelle la gen Z s'approprie des groupes comme Low, Labradford ou Duster (dont le "Stars Will Fall" est samplé sur l'éruptif "Dust Bowl") et s'adosse à des références emblématiques – revendiquées – comme Twin Peaks. Et de voir l'édifice fictionnel total qu'est en train d'ériger la chanteuse. Willoughby Tucker, I'll Always Love You en enrichit le lore et la mythologie de façon décisive. Et maintenant, il va falloir se résoudre à faire ses adieux à Ethel Cain, du moins au personnage. Mais ce n'est pas fini pour autant, puisque, si tout se déroule selon les plans, sa généalogie aux ramifications putréfiées devrait être disséquée via deux autres chapitres : l'un dédié à sa mère, la femme du prédicateur abusif, l'autre à sa grand-mère, Ethel Cain Sr., soient les autres Daughters of Cain, éternelles débitrices de leur lignée maudite. En espérant que l'ambition artistique d'Hayden Anhedönia ne soit pas soluble dans la notoriété et le fandom (ou un beef avec Lana Del Rey) : après deux albums majuscules, ça serait d'une violence inouïe.

Deportivo

gab — 2025-08-01T17:35:55Z

Deportivo s'était mis en veille depuis une bonne dizaine d'années. Discrètement. Oui, Deportivo s'était tu et puis finalement non, la vie c'est comme ça. Et de revenir aux affaires en deux temps, d'abord par la scène histoire de fêter le passé (les 20 ans de leur excellent premier album Parmi eux) puis pour préparer l'avenir avec un nouvel album, Reptile, début 2025. J'allais ajouter « discrètement » pour la bonne bouche mais je ne sais pas si 6 mois de teasing sur les réseaux pour leur retour sur scène peut vraiment passer pour de la discrétion. On se comprend, entre 2014 et 2024 le monde est a priori passé à autre chose, le rock s'est fait rouler dessus pour la nième fois, pas sur finalement que ce retour ait vraiment excité énormément de radars. Allez savoir, à ce fameux concert nous n'étions pas (c'est bien la peine de teaser). Par contre c'est avec grand plaisir qu'on a mis le nez dans leur nouvel album en début d'année, plaisir d'autant plus grand qu'on sent d'emblée que ce break leur a fait beaucoup de bien.

interlude

Pof, pof, on recommence (petit interlude à la guitare sèche). Il y a des albums marqués dans le temps, ce sont les plus courants, d'autres marqués dans l'espace, ils sont plus rare. Ces derniers sont le plus souvent liés à des voyages. Et empiriquement, on constate que ça marche particulièrement bien avec l'Italie. Il y a une vingtaine d'années Venise se parait du Moujik et sa femme de Jean-Louis Murat (avec "Foule romaine" évidemment, et en off le "Burano" de Dominique A). Cette année c'est l'album ultra-compact de Deportivo qui s'invite au pas de course à Rome (hasard du calendrier oblige mais sans leur classique "Roma"). Un album et 3-jours-pour-tout-voir qui nous ont conjointement laissés sans le souffle.

respiration

Ce nouvel album, Reptile, c'est donc 10 titres en 22 minutes et on radote au passage (c'est le grand age) qu'on apprécie décidemment de plus en plus ces formats courts et droit-au-but. Deportivo retrouve sa fougue adolescente (les guitares énervées du "Reptile" dans l'allée, la batterie de "Fiasco"), sa science de la formule (« je fomentais des révolutions dans mon Benco, dès les lundis c'était terrible ! ») et son chant joueur sur les bords (les intonations rieuses de "(L)égo"). Sans oublier les classiques petites ritournelles façon chanson française, espaces de respiration toujours réussis ("J'aurais dû t'en parler" et ses raptors, le double effet "Rubikscube" et la fin de disque brassenso-coin-du-feu "Avide"). Petite nouveauté cette fois, "Trainards" et un piano désaccordé qui vient transformer quelque peu l'ambiance, entretenant un petit malaise très bien senti autour de ces « comptes à régler avec l'ombre et l'éternité ». On en est tous un peu là au final.

service

Pour faire court nous aussi, en mode que-faut-il-retenir, notez juste qu'une grande fraicheur souffle sur ce disque. C'est le principal. Sans qu'on s'en rende vraiment compte, Deportivo nous avait manqué. Et demandez à votre fournisseur internet, rien de tel qu'une bonne interruption de service pour reprendre du poil de la bête, retrouver ses marques et repartir de l'avant.

Throwing Muses

gab — 2025-07-25T12:17:06Z

Fut un temps où la frontière entre les albums de Kristin Hersh et ceux des Throwing Muses était parfaitement claire. A Kristin Hersh le minimalisme acoustique et aux Throwing Muses la puissance électrique. Et à ce jeu-là, malgré un gros faible pour les vieux albums des Throwing Muses (les classiques The real ramona et University), on penchait vers Kristin Hersh, inexorablement. Pendant des années Kristin a navigué à vue, au feeling, entre ses deux entités artistiques. Mais voilà, la ligne de démarcation semble se fissurer quelque peu ces derniers temps. Kristin Hersh a sorti un très beau « Kristin Hersh », Clear Pond Road, en 2023 et la voici qui revient en groupe cette fois mais guitare acoustique en tête, avec Moonlight concessions. Deux univers complémentaires se rencontrent enfin, pour notre plus grand plaisir.

rêche

Ceci dit, on se doute que plus qu'une histoire de formule musicale, c'est plutôt une question de personnes (elle est accompagnée au sein des Throwing Muses de David Narcizo à la batterie et Bernard Georges à la basse depuis plus de 30 ans). C'est aussi une histoire de sonorités puisqu'on retrouve sur ce disque le son rêche qui nous avait tant plu sur Sunny border blue (de Kristin Hersh donc) et, élément très important, le violoncelle qui accompagne habituellement plutôt ses disques solo. C'est enfin, on l'espère, une question d'envie. Et de ce côté-là c'est à nouveau très réussi, Kristin étant d'un engagement total dans ses morceaux et l'envie étant communicative, on est très vite convaincus par la formule.

rauque

Sans compter qu'un violoncelle ça change tout. Une guitare acoustique aussi. "Summer of love" l'illustre parfaitement avec cette guitare percussive qu'on adore sur les couplets et les volutes de violoncelle soulignant les refrains. Plus étonnant, "Southcoast" nous montre que c'est aussi largement faisable avec des arpèges. En deux morceaux, avec ce chant rauque-dedans si caractéristique, le sort de l'album est scellé, les morceaux plus introspectifs (le planant "Theremini" et ses envolées de violoncelle, les mélancoliques "Sally's beauty" et "Moonlight concessions") n'y changeront rien, ce sera un album au dynamisme contagieux (le thé ou café "Libretto", le fier "Albatross", l'indy-sautillant "Drugstore drastic", le sombre "You're clouds").

mouvant

9 titres d'un album mouvant, entre les lignes. 30 minutes de liberté. En cette période plutôt compliquée, tout programme d'abolition de frontières et de fusions est décidemment à chérir.

Shannon Wright

gab — 2025-07-11T18:43:45Z

“I want… I want… I want a reservoir of love”

En cette période d'échauffement international, on serait preneurs nous aussi. Voire prescripteurs. Monsieur Trump, vous prendrez bien un jerrican d'amour. Attention, ne forcez pas trop la dose, c'est un peu fort.

Et Shannon Wright de continuer imperturbable, intense comme toujours, émouvante comme souvent. La guitare tour à tour lente, dans l'expectative, puis l'instant suivant pesante et puissante. On sent bien son poids, en bandoulière, imposant, revenant sans cesse nous hanter (les flammes de "Weight of the sun"), se balançant d'arrière en avant, inexorablement (les montagnes russes de "Ballad of a heist").

Et Shannon Wright de maitriser en tous points l'alternance, les arpèges au son clair et aérien ("The hits" et son chant d'une sensibilité extrême), le classiquement Shannon-Wrightien Wurlitzer (la ritournelle "Countless days"), le mélange délicat guitare-piano (l'envoûtant "Mountains") quand ce n'est pas le piano-tout-court (le superbe final, "Something borrowed").

En ces périodes de fortes chaleurs, permettons-nous d'oublier un peu les tensions internationales et concentrons-nous, dégoulinants de sueur, sur nos petits tourments personnels. Et on se dit que finalement on se prélasserait bien. Oui, on se poserait bien au bord d'une bonne piscine remplie à raz-bord d'amour… c'est tout ce que l'on se/vous/lui souhaite pour cet été.

“I wanna, I wanna … swim in your reservoir of love”

Nadine Shah

Mélanie Fazi — 2025-06-25T16:12:11Z

Excellente idée que d'avoir choisi, pour sortir ce premier live de Nadine Shah, la tournée qui a suivi la sortie de Filthy Underneath. Déjà, parce que l'album en question est sans doute notre préféré depuis le superbe Love your dum and mad de 2013 et que le format live en restitue toute l'âpreté magnifique et douloureuse. Un album nourri par une suite de drames personnels vécus par la chanteuse : la perte de sa mère dont elle était très proche, un divorce, une tentative de suicide, une cure de désintoxication. Sujets qu'elle y abordait avec une franchise totale sans jamais sombrer dans le pathos ni le déballage malaisant, toujours sur le fil, grâce à des paroles affûtées comme des lames et une science marquée de l'énergie et de la tension.

Il suffit pour s'en convaincre d'écouter « Keeping Score » qui ouvre ce Live in London. Les sonorités sont lourdes, la voix tout en douleur contenue, lancinante, qui affleure à la surface des mots, suggérant des gouffres intimes, puis se transmet à nous, transfigurée par la musique. On se rappelle alors comme ce morceau nous avait saisis aux tripes l'an dernier sur la scène des Étoiles, dévoilant une profondeur nouvelle mais qui, depuis, teinte chaque nouvelle écoute de Filthy Underneath, indélébile.

Car l'autre raison pour laquelle nous nous réjouissons de la sortie de cet album live, c'est qu'il réveille le souvenir de nos retrouvailles scéniques tant attendues avec la jeune chanteuse anglaise, que nous suivons assidûment depuis ses débuts, mais dont nous avions guetté en vain les concerts pendant quelques années. Deux dates à la Flèche d'Or pour les premiers albums, à peine un showcase pour Holiday Destination, rien pour l'album suivant. On gardait le souvenir d'une artiste généreuse sur scène, solaire dans ses interactions avec le public mais capable de cracher un fiel bien senti le temps d'un couplet joliment vachard, et qui ne canalisait pas encore parfaitement son envie d'aller vers le bruit et le déchaînement des guitares.

On s'étonnait l'an dernier d'apprendre qu'elle ouvrait plusieurs dates pour Depeche Mode, car sa musique ne paraissait pas se prêter facilement à être jouée dans les stades. Et puis en novembre, aux Étoiles, on s'est pris un mur de décibels et pleine poire et on a compris. Les progrès accomplis en quelques années sont saisissants. Autrefois débutante prometteuse, aujourd'hui bête de scène chevronnée, la chanteuse a trouvé sa formule, son assurance, sa gestuelle sans perdre de sa sincérité. Le concert était riche de moments d'euphorie pure qu'on retrouve à l'identique sur cet album enregistré lors d'une date londonienne. Comme le tube le plus accrocheur de Filthy Underneath, « Topless Mother », et son improbable refrain (« Sinatra, Viagra, iguana/Sharia, Diana, samossa ») qu'on se rappelle avoir chanté avec elle à pleins poumons. Ou l'excellent « Club Cougar » tout en tension contenue qui se relâche par fulgurances quand Nadine Shah se laisse aller à des cris de hyène, joyeux et sauvages, sur fond de cuivres chaleureux.

Le ton se fait plus intimiste sur le mélancolique « See my girl », hommage à sa mère décédée, qu'elle dédie à d'autres disparus proches de l'équipe de tournée. Sur une magnifique version de « Stealing cars », elle choisit la sobriété, et les arrangements minimalistes s'effacent derrière cette voix incroyable qui occupe tout l'espace et étire le temps. La première partie du concert se conclut judicieusement sur un « French exit » aux nappes de clavier planantes, évocation pudique d'une tentative de suicide – mais quand le groupe revient pour un rappel généreux (pas moins de six morceaux), c'est la vie qui reprend le dessus, comme une célébration de résilience. Et les morceaux de bravoure de s'enchaîner, laissant le public haletant.

Les images et sensations de ce concert aux Étoiles nous reviennent au fil de l'écoute. C'est intense, joyeux, douloureux, lancinant, une preuve de plus du talent éclatant d'une chanteuse qui ne cesse de nous surprendre et de se renouveler depuis ses débuts fracassants. On aime Nadine Shah, plus que jamais. L'énergie qu'elle transmet sur scène, la franchise avec laquelle elle nous laisse entrevoir ses failles pour mieux nous inviter à panser nos plaies ensemble. À crier ensemble la joie de se découvrir encore en vie au sortir des pires tempêtes.

Benni

Mickaël Adamadorassy — 2025-05-05T22:00:58Z

On vous avait présenté Benni avec September 20, une balade élégante et poignante au piano qui nous avait fait fondre. C'était à l'époque le seul titre du projet et on n'en savait pas beaucoup plus. Si on se frotte aujourd'hui à l'exercice pour nous toujours difficile de la chronique, c'est qu'il y a un mois Benni a sorti un premier EP absolument sublime : Bleeding Colours regorge de beauté, à travers des mélodies et des arrangements superbes, qui portent délicatement une voix de velours, puissamment évocatrice, tour à tour belle de ses fêlures et réconfortante de ses forces. On vous emmène à la découverte des sept titres de cet EP qui qui ne veut pas quitter la platine virtuelle du Cargo !

"Make me Blind" ouvre le disque à la façon d'un Mazzy Star, guitare slide surfant sur un nuage de reverb, guitares acoustiques qui tissent une rythmique discrète, un beau cocon dream-pop pour une très belle voix qui est plus dans l'univers d'une Julia Stone que de Hope Sandoval. Folk très laid back, voix à la douceur très travaillée. Mais dès que le refrain se lance, propulsé par l'arrivée de la batterie, dans le phrasé, dans l'intensité il y a quelque chose de trépidant, une urgence qui contredit tout ce qui précède.

On est encore surpris de ce dénouement que commence la piste suivante,"All The Friens in My Head" là encore tout en douceur, juste un arpège de guitare, saupoudrée de quelques notes de piano ... ok c'est pas mal et puis la voix arrive et en deux phrases on défaille tellement c'est beau... Et de là ça va crescendo, pour s'arrêter sur un "Dont let go of me now" lancé au dessus du vide, répété comme pour conjurer le sort et encore un final en forme de crescendo où Benni répète encore et encore "I can't stop messing up/ I can't stop being alive".

On continue avec "Coma", étrangement nommée pour une chanson beaucoup plus rythmée, en plein dans le style "pop-rock" énergique. Généralement c'est le genre de titre qui nous attire moins mais là la bizarrerie, le décalage intéressant est dans le texte : "Come On baby break my bones" répété un paquet de fois et le "I'll be dead by morning" qui conclut le morceau donnent une tout autre saveur à ce qui serait sinon une chanson pop un zeste trop sucrée.

On vous a déja vanté les qualités de "September 20", on remarquera donc juste que c'est une très bonne idée de l'adosser à "Coma" d'apparence si... pétillante. On continue avec You qui est une ballade folk qui monte en puissance et ménage de jolis passages vocaux. Elle manque peut être un peu d'intensité par rapport à la précédente et à la suivante "Lonely" mais les deux sur une base folk qui s'enrichit progressivement sont l'occasion de dire à quel point la façon de chanter de Benni se renouvelle de titre en titre tout en continuant à toujours ménager ses moments de fragilité, d'émotion irrésistible : quand elle chante "I'm so lonely" doublé par une note de guitate slidée déchirante, on a l'impression que cette histoire là est toute neuve et on la ressent comme ça, sans filtre, à vif comme la Benni qui se dévoile entre les mots.

Pour finir Queen of Cove nous "régale" encore de toute cette beauté dans l'interprétation et les mélodies vocales, et de ce sens de la composition, du "stop and go" épique : s'arrêter en plein élan, repartir du quasi silence et remonter très très haut.

Mount Eerie

Fabrice Privé — 2024-12-20T13:41:45Z

Il y a quatre ans, Phil Elverum, grand conteur de l'intime comme ses congénères Will Odlham, Bill Callahan ou feu Jason Molina, réactivait le patronyme The Microphones pour un album vital : Microphones in 2020 ne comportait qu'un seul long titre, bâti sur un motif de guitare folk (celle de son adolescence) qui s'effaçait ou se disloquait à l'occasion pour faire remonter à la surface l'expression de ses différentes tentations sonores : polyrythmie, drone, noise... Cet opus en apesanteur, rétrospectif et introspectif, permettait à son auteur de balayer plusieurs décennies de souvenirs, anecdotes, quêtes de sens, pertes de repères et prises de conscience. S'opéraient, au fil de ces 45 minutes, des allers-retours hypnotiques entre plusieurs époques de son existence ainsi qu'un ping-pong vertigineux entre sa vie personnelle et son rapport à la création. L'écriture d'Elverum, totalement liquide, était encore magnifiée par la version vidéo de l'album mettant à l'honneur plus de 700 de ses photos, dans un vaste diaporama/panorama illustrant cette grande psalmodie.

Quatre ans plus tard, une éternité pour Phil Elverum, c'est sous la griffe Mount Eerie que sort Night Palace (du nom du poème qui ornait la pochette du déchirant A Crow Looked at Me de 2017, enregistré juste après la mort de sa femme). Contrairement à ses trois prédécesseurs sous cette étiquette, dont l'acoustique ténue était largement marquée par le deuil et la survie, Night Palace renoue avec un spectre musical très large. Ce qui pourrait en faire le prolongement de Microphones in 2020, où il n'y aurait non pas un morceau, mais vingt-six (pour une durée totale d'1h20). Et si l'approche diffère entre les deux opus, le sentiment d'avoir affaire à un album-somme ou à un inventaire artistique et émotionnel est assez similaire. Sauf que Night Palace est plus touffu et plus abrupte dans ses embardées musicales : accueilli par une atmosphère chargée en électricité statique, l'auditeur est ensuite pris par la main via la basse rondelette de "Huge Fire", avant d'être lâché au milieu de la casse rythmique de "Breaths" où résonne bientôt le cri primal "Swallowed Alive"... Les premiers titres sont ainsi d'inspirations très disparates : leur enchaînement imprime un rythme, justement arythmique. Et une fois que l'on se cale dessus, approximativement, l'exploration peut commencer.

Ce périple passe par des dénivelés accidentés, des chemins contemplatifs ou des lignes de crête instables. Une notion de voyage d'autant plus prégnante que, une fois de plus dans l'œuvre de Phil Elverum, la nature et ses éléments (soleil, vent, pluie, brouillard, éclairs...) sont les reflets mouvants de ses questionnements intérieurs. Lesquels sont nourris par une acuité régénérée qui se traduit, musicalement, par un appétit retrouvé : pastilles pop pastorales, folk-songs dysfonctionnelles, respirations drones, ripostes indie rock, diffractions bruitistes, résurgences black metal ou nouveautés rythmiques trap... Phil Elverum est à l'écoute de tous ses penchants et leur laisse libre court, souvent au sein d'un même morceau : "I Spoke with a Fish", "I Heard Whales (I Think)" ou "Non-Metaphorical Decolonization" sont autant d'exemples marquants. Il passe aussi aisément d'un chant délicat ("I Walk") au spoken word le plus naturaliste ("Demolition"). Et il amplifie, comme souvent, l'écho de ses créations passées (un titre de The Glow pt. 2 trouve par exemple ici une suite, 25 ans plus tard). Bref, avec Night Palace, Phil Elverum fait se réfléchir les nombreuses facettes de sa poésie de la micro-gravité dans une lumière changeante et ravivée. Ce faisant, il remet en perspective un bon quart de siècle de The Microphones/Mount Eerie via cette sorte de "compilation originale", certes labyrinthique et exigeante, mais surtout passionnante.

La vidéo de Microphones in 2020

Kim Deal

Fabrice Privé — 2024-12-05T18:23:40Z

Sortir un disque solo, c'était déjà le projet, en 1994, pour l'album qui deviendra finalement celui de The Amps (Pacer). Pas facile pour Kim Deal de franchir le pas, elle qui avait toujours voulu faire partie d'un groupe, qu'il s'agisse de se mettre à son service avec les Pixies ou d'être à sa tête avec les Breeders. Il aura donc fallu 30 ans pour que l'idée chemine et se concrétise. Avec comme étapes fondatrices, une prestation en équilibriste au festival All Tomorrow's Parties de 2012, puis la sortie perlée de plusieurs 45T auto-produits les mois suivants. Et ensuite ? Kim Deal avait définitivement quitté le navire Pixies pour retourner sous pavillon Breeders. Là, le temps s'était étiré ou compressé, au choix : tournée pour les 20 ans de Last Splash en 2013, sortie de l'album All Nerve (2018), puis concerts pour les 30 ans de Last Splash, et enfin, en 2024, quelques premières parties – probablement surréalistes – pour Olivia Rodrigo ("Cannonball" a changé sa vie).

Parmi les titres datant de 2012-13, certains se retrouvent sur ce Nobody Loves You More, mais "Walking with a Killer" a lui rejoint le catalogue des Breeders. Quant à "Disobedience", présent ici, il a récemment été joué en live par le groupe… Pas simple de s'y retrouver : il existe une porosité certaine entre les projets en solitaire de Kim Deal et ceux de sa formation. Surtout que les trois batteurs qu'aient connus les Breeders jouent sur cet album et que la sœur jumelle Kelley Deal est également de la partie. Bref, cela fait beaucoup de Breeders au m² pour un un album solo. Et pourtant Nobody Loves You More offre bel et bien une vision très personnelle de l'esthétisme rock lo-fi dont Kim Deal a toujours été la papesse. Avec ce mélange persistant de précision et de nonchalance qui lui a valu l'admiration et l'amitié fidèle de Steve Albini. Jusqu'à la fin : Nobody Loves You More est une des dernières contributions du chicagoan à l'ingénierie sonore puriste, avant sa mort en mai 2024.

Cette grande perte pour Kim Deal a fini de donner une tonalité particulière au projet. Car c'est aussi sa vie personnelle de ces 20 dernières années qu'elle avait choisie de documenter : la maladie (l'Alzheimer de sa mère), la fin de l'addiction (la sienne), son retour à Dayton (Ohio), la mort de ses parents… Mais Kim Deal étant ce qu'elle est, pudique et facétieuse, elle a transformé tout ça en un scrapbook qui se feuillette : avec des souvenirs, des annotations griffonnées, des photos un peu passées ou des collages colorés. Et s'il demeure ici des marqueurs de l'énergie branlante et branleuse des Breeders ("Disobedience", "Big Ben Beat"), des pigments bien différents viennent enrichir la palette. Sans jamais la surcharger. Outre la bien belle disco saturée de "Crystal Breath", ce sont surtout dans des atmosphères cotonneuses et joliment rétros que se révèlent ces nouvelles nuances. Cordes et trompettes viennent ainsi ourler la voix ténue de Deal sur le génial titre éponyme. "Coast" enfonce le clou cuivré et flirte avec le Rock Steady. Ailleurs, on entend des accents Doo Wop ou jazzy, un ukulélé ou une flûte pour illustrer ces instantanés d'une vie. "Are You Mine ?", "Wish I Was" ou "Summerland" sont autant de petites vignettes en suspension, souvent mélancoliques, parfois lynchéennes, toujours classieuses. Et Kim Deal achève de conjurer le mauvais sort sur deux comptines plus noisy ("Come Running" et "Good Time Pushed"), en forme de synthèses d'un univers sonore décidément emblématique, qui s'est ici délicatement étoffé.

Clara Luciani

Mickaël Adamadorassy — 2024-12-04T06:42:00Z

J'avais dit à Clara Luciani, après son album Coeur, "ok Clara, on a tous nos défauts, un petit péché rétro, une madeleine de Proust, toi c'est le disco, c'est malheureux mais avec tout ce talent, je te pardonne, je serre les dents et j'essaie d'apprécier quand même tes chansons , de retrouver la femme de Sainte-Victoire sous ces strates d'arrangements datés qui me donnent envie de me flinguer". (Ouais j'imagine l'enfer comme une salle de bal lugubre où l'on dancerait sur du disco pour l'éternité)

(silence)

"Mais Clara, tu n'as droit qu'à un album comme ça, après il faut revenir au présent, te rappeler que seule avec ta guitare Ton Monstre d'amour convoquait plus d'émotions que tout cet album"

(silence)

Elle n'a rien répondu. Normal elle n'était pas là, tout ça se passait dans ma tête mais j'y croyais à l'idée que Coeur n'avait été qu'une passade. Une ligne qu'on omettrait discrètement plus tard dans une discographie brillante. Et nous voilà en 2024, Clara Luciani a sorti son nouvel album, "Mon Sang", avec comme visuel une jolie photo d'elle au naturel. Une façon de dire certainement que ce disque est personnel, que ce disque est elle.

Et maintenant j'ai des doutes, pas tellement sur le cimetière des éléphants mais sur la réalité de ce(lle) que j'aimais. J'ai bien envie de pourrir le trio de producteurs qui ont réalisé ton disque, parce que les textes ne sont pas mauvais, ta voix est toujours belle, on y sent toujours l'émotion, c'est vraiment la manière dont les compositions sont mises en musique, l'univers, la dynamique, le choix de l'instrumentation, des arrangements qui changent (gâchent) tout.

Il n'y a pas que le copier-coller du son et des mélodies de disco, les horribles cordes de "Cette vie" qui ouvrent le disque en sont un bon exemple, il y a aussi toute une série de "mélodies de remplissage" qui font gonfler le soufflé jusqu'à l'explosion de gout douteux, l'impression que quelqu'un qui a trop écouté des disques avec des arrangements orchestraux, sophistiqués s'est fait plaisir dans son coin en défigurant les chansons en pensant faire aussi bien que ses références.

Sur "Romance", il y a bien le piano qui ramène un peu de modestie et de simplicité dans cette affaire, "Allez" qui donne l'illusion du rock'n'roll jusqu'a mi-morceau à peu près. "Ma Mère" en piano-voix surnage honorablement avant de se noyer dans des cordes là encore si peu imaginatives. Et finalement plein de bouts de morceaux où on retrouve un peu notre Clara avant qu'un choix d'arrangement pompier, un élément de vocabulaire rétro viennent casser notre plaisir.

Alors oui on a envie d'accuser les producteurs, la maison de disque, la conjonction des astres, le moral des français en berne, Macron (*), le réchauffement climatique ou le KGB de Poutine mais sur la couverture du disque c'est toi Clara. Tu nous dis que c'est ton sang. Alors on doit croire que ces choix de production, ce son grandiloquent, rétro jusqu'a la nausée c'est ce que tu veux.

"Coeur" n'était donc pas un accident, c'était là où tu voulais aller. Ca me rend un peu triste parce que nos chemins se séparent ici, parce que dans chacune de ces nouvelles chansons je vois quand même de la beauté mais c'est ton sang et tes choix d'artiste. A défaut d'être d'accord, ça se respecte.

(*) : dans "Mon Sang", on a l'impression à chaque fois qu'elle dit "Les grands-mères de Macron" mais a priori c'est plutôt les grand-mères de ma grand-mère mais une fois que vous l'avez entendu comme ça...

The Cure

Fabrice Privé — 2024-11-27T15:48:20Z

Avec l'arrivée de ce nouvel album de The Cure, le premier en 16 ans, c'est un sentiment de soulagement qui prime : celui de ne pas voir leur prestigieuse lignée discographique s'éteindre avec The Cure (2004) et 4:13 Dream (2008). Soit deux opus où le groupe de Robert Smith s'embourbait dans des compositions moyennes ou redondantes, à la production marécageuse. De ce marasme, on avait sauvé le majestueux Underneath the Stars, qui n'aurait d'ailleurs pas dépareillée sur ce Songs of a Lost World : même langueur lancinante et climatique. Un sillon que Robert Smith – on le sait maintenant – parvient encore à parfaitement creuser.

Les signes annonciateurs de Songs of a Lost World sont anciens et contradictoires. Ils remontent principalement à 2019. Un album est alors évoqué (voire deux, voire trois). Une sortie est envisagée pour l'année qui suit. Ou celle d'après. Ou plutôt la suivante alors. Des preuves de vie sont enfin apportées lors des tournées 2022/23, avec l'incorporation progressive de nouveaux titres aux setlists. Une forte dominante thématique s'en dégageait : la mort, la perte de sens, de soi et des autres, la fin inéluctable... Des sujets très personnels mais finalement universels dans un monde post-covid, caricaturalement clivé, climatiquement menacé, géopolitiquement traumatisé, psychologiquement fragilisé. Les deux précédents opus n'avaient pas eu de prise sur leur époque. Mais en faisant le choix d'une nouvelle exploration des abîmes et d'un monde qui se perd, The Cure pourrait redevenir parfaitement raccord.

Arrivent septembre 2024 et le teasing surprise, savamment orchestré, de ce nouvel album. Les signaux continuent de passer au vert. Finies les pochettes moches à la chromie douteuse, place à une palette de noirs et gris épurée, ornée d'un visuel gracile d'une sculpture de Janez Pirnat. La tracklist est ramassée : huit titres, comme à la grande époque de Faith ou Pornography. Les premières impressions sonores achèvent de rassurer, avec l'envoi en éclaireurs (noire, la lumière) des titres "Alone" et "A Fragile Thing". Et, enfin, les premières critiques commencent à tomber, unanimement positives. Bref, l'alignement des astres semble favorable, la pression barométrique idéale.

Alors, comment se positionne cette nouvelle livraison au sein de la protéiforme discographie curiste ? On ne fera même pas semblant d'être déçu si on voue une admiration totale à la trajectoire vertigineuse et rectiligne du groupe sur ses cinq premières années, entre 1978 et 1982. Cette page est majoritairement tournée. Celle qui voyait la formation de Crawley partir d'un post-punk osseux mais inventif pour monter sans cesse en puissance au sein d'un minimalisme essentiel, tour à tour feutré (Seventeen Seconds), embrumé (Faith) puis carrément névrosé (Pornography). Ce monstrueux Pornography, dont les derniers vers "I must fight this sickness, find a cure" semblaient apporter la justification de l'existence même du groupe, alors que celle-ci était largement menacée à la fin chaotique de la tournée.

A peine quelque mois plus tard et avec un sens rare de la disruption créative, Smith signait le morceau "Let's Go to Bed" et, par là même, l'acte de naissance d'une phase beaucoup plus pop et fractale. Elle se déployait avec les singles suivants et le néopsychédélisme baroque de l'album The Top (1984). Mais c'est surtout avec les fabuleux patchworks The Head on the Door (1985) et Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987) que la dextérité mélodique de The Cure prenait toute sa mesure, dans des registres musicaux totalement changeants mais avec une invariable aisance. Il n'est pas non plus question de cette maestria pop insatiable sur Songs of a Lost World : elle est cliniquement morte lors d'une tentative de réanimation hasardeuse sur l'album Wild Mood Swings en 1996.

Non, la référence cardinale vers laquelle pointe principalement Songs of a Lost World est bien Disintegration. Jusqu'à l'emprunt de certains de ses effets sonores : tonnerre, cloches tibétaines, bris de glace... Paru en 1989, alors que Robert Smith racle la barrière de sécurité de la trentaine, cet album est un monument de mélancolie, un véritable mausolée dans lequel il fait reposer son désarroi, ses peurs, ses angoisses et ses aspirations, déçues ou non. La musique de The Cure se pare à nouveau d'une teinte très sombre mais là où Pornography était carrément vrillé et glaçant, Disintegration est habité et pénétrant. Ou comment réussir à opérer une soudure à froid entre une rigidité rythmique mortuaire et une luxuriance instrumentale pourtant monochrome, intégrer à cette prodigieuse chimie élégiaque des composants plus pop qui ne viennent pas altérer la formule globale et parvenir au final à forger un nouvel alliage entre la fragilité et la puissance, l'intime et le grandiose.

35 ans plus tard, Robert Smith a maintenant 65 ans. Il a en point de mire la ligne d'arrivée de son existence. Et même s'il affirme être maintenant en paix avec sa vie, celle-ci lui a pourtant mené une guerre sans merci récemment : perte de ses deux parents, de son frère aîné... Autant dire que, par rapport à la crise existentielle stylisée de Disintegration, Songs of a Lost World fait monter le curseur de la gravité de plusieurs crans. Avec une honnêteté désarmante mettant le pathos à bonne distance, vectorisée par cette voix à la pureté intacte et pourtant retrouvée, tant elle semblait forcée ou noyée sur les précédentes et "récentes" livraisons.

Musicalement, le ton est donné dès l'introductif "Alone" qui déploie lentement ses basses et ses guitares magmatiques dans des sinuosités d'effets et de cordes synthétiques : c'est majoritairement dans des proportions étirées que Songs of a Lost World prendra toute sa dimension. Avec comme sommet les 10 minutes de "Endsong" : un point final parmi les plus beaux que The Cure ait su écrire, avec sa longue introduction funéraire qui va crescendo jusqu'à la libération tardive de la parole de Smith ("It's all gone, I will lose myself in time, It won't be long") et une coda paroxystique/cathartique largement façonnée par la guitare de Reeves Gabrels. Thématiquement, les deux chansons sont en miroir : "This is the end of every song we sing, alone" devient "Left alone with nothing at the end of every song". On sait l'importance du premier et du dernier morceau pour Smith, car c'est ce qui lui permet de couler les fondations de son album. Là, il tient dans sa main une paire royale et va pouvoir abattre son jeu.

Entre ces pôles au fort magnétisme, on trouve deux autres longues plages... de sable noir : le très sentimental "And Nothing is Forever" et le déchirant "I Can Never Say Goodbye" ("However hard I try, I'm down on my knees, And empty inside"). Sur la première, Robert Smith enrobe de cordes une complainte vaporeuse à l'être aimé pour qu'il reste à ses côtés jusqu'à la fin. Sur la seconde, c'est la cruauté de la mort de son frère qui se charge en tension puis se décharge dans un solo de guitare poignant. Avec plus de 20 titres mis en chantier sur la période, Robert Smith aurait pu piocher d'autres morceaux engourdis et exploiter le filon de la lenteur. Finalement, il a inséré deux respirations au cœur du disque. Soit une inspiration plus free et noisy sur "Warsong", dont l'intro – un mélange improbable entre "The Kiss" et "Untitled" – débouche sur un morceau teigneux mais au goût d'inachevé, avec sa fin en queue de pois(s)on. Quant à "Drone:Nodrone", c'est le dernier rejeton d'une lignée plus lourde que perpétue The Cure à l'occasion, avec plus ("Never Enough") ou moins de succès ("Switch", "Us or Them"). Mais le morceau fonctionne malgré son embonpoint instrumental : wah wah exubérante, piano, synthés se surajoutent à une rythmique martiale.

L'équilibre est finalement trouvé sur deux titres intermédiaires et midtempo. Et cela fait longtemps qu'on n'avait pas entendu The Cure aussi à l'aise avec des morceaux plus concis. "A Fragile Thing" ressemble bien à un single et compense rapidement son gimmick de piano éculé par la basse magnifiquement saturée de l'unique Simon Gallup. Quant à l'excellent "All I Ever Am" et sa construction méandreuse, ils ne seraient pas sans rappeler Mogwai ("George Square Thatcher Death Party" par exemple), dans un juste retour d'ascenseur, tant on sait que Stuart Braithwaite a été durablement marqué par le premier concert de sa vie... lors du Prayer Tour de The Cure.

Si, d'un point de vue émotionnel, c'est effectivement avec l'album Disintegration que l'on peut remonter une filiation, il ne faudra pas oublier, sur la même branche généalogique, les moments les plus ambitieux de Wish (1992) et Bloodflowers (2000). Car, tout en gardant sa singularité granuleuse, Songs of a Lost World opère une synthèse formelle : la forte empreinte des claviers et l'impact rythmique de Disintegration, la saturation et les volutes shoegaze de Wish... et une certaine viscosité de Bloodflowers. Ajoutons à cela un fort accent mis sur la doublette piano/cordes. C'est à la fois la force de ce disque que de jouer ainsi sur les contrastes, mais aussi son point faible : la pureté de certaines compositions est diluée dans un espace phonique surpeuplé, au sein duquel des sons, parfois même superflus, entrent en conflit d'intérêt. Là, le sens de l'économie du The Cure des débuts manque cruellement. Autre regret mineur : ne pas avoir arrimé à cet album une version studio du titre "It Can Never Be The Same", joué en live dès 2016. Il aurait parfaitement collé à l'ambiance. C'est à dire continuer à la casser...

Mais l'important est ailleurs : à la fois lumineux dans sa promesse et crépusculaire dans son contenu, Songs of a Lost World offre une expérience d'écoute marquante. Et, à l'image de sa pochette, il redonne à The Cure une aura spectrale et granitique, une dimension majestueuse à la hauteur de son mythe d'antan. Tout en cultivant avec l'auditeur une délicate proximité de la tristesse. Cela fait une bonne trentaine d'années que l'on n'avait pas vu le groupe autant en maîtrise de son sujet, autant incarné en lui-même. Le voir aussi bien remonter la pente avec cette poésie du déclin est aussi ironique qu'inespéré. Au point de se demander si, malgré les projets de suites, The Cure ne serait pas tenté de prendre au mot son propre album, lui qui traite aussi justement de la Fin.