Le Cargo !

Miët + The Warlocks + Frustration + Mattiel + Jumaï + L'Épée

Céline Non, Gillen Azkarra — 2019-11-14T18:30:09Z

C'est à Angers, le week-end du 20 et 21 septembre que se tenait la 7ème édition de Levitation Festival France, un événement musical devenu en quelques années incontournable, grâce à sa programmation pointue, mélangeant rock psychédélique, post-punk, post-rock et autres fusions électro-rock-indus-psyché. Bref, il y a de tout et surtout pas mal de choses borderline, pas forcément définissable avec les genres habituels. Et c'est ce qui fait le charme du Levitation, on vient, sans connaître tous les groupes, et on fait de belles découvertes dans une ambiance plutôt cool, malgré deux soirées au timing quand même assez serré. Tout se passe au Quai, lieu de création et de spectacles qui accueille habituellement danse et théâtre, sur les bords de la Maine, avec une belle vue sur le château d'Angers.

Vendredi soir

Habituellement bassiste chez MellaNoisEscape ,Miët défend ce soir son propre projet. Seule avec sa basse, et des boucles qui s'enchaînent, sa présence sur scène est électrique, parfois elle chante, parfois elle crie, laissant place à une profonde viscéralité. Son album Stumbling, Climbing, Nesting est d'ailleurs sorti le 18 octobre. C'est un bon concert pour se mettre en jambe pour la suite de la soirée.

Ha, un petit point sur l'organisation. Il y a deux salles et les concerts s'enchaînent non-stop. Il faut donc bien suivre le rythme, on peut aussi zoner d'une salle à l'autre, changer d'ambiance, aller chiner des vinyles d'occasion, admirer de sacrées affiches pyschédéliques, possiblement rester devant des heures et des heures , ou se désaltérer en extérieur. Après Miët, place aux Warlocks... non, pas déjà si tôt dans la soirée ? Ha, si.

Bon, je les aurais bien vu un peu plus tard quand même. Et bien the Warlocks, c'était un bon petit set bien cadré, un mur de guitares, du son plein la tronche. C'était cool, y'avait une bonne dynamique. Un set planant tout en mangeant un kebab vegan et buvant une bière locale. Et voilà, c'est devenu tendance le rock psychédélique. Entre acheter des vinyles d'occasion, des affiches à la mode de Frisco, et les tee-shirts que l'on peut se faire sur mesure tout au long de la soirée, ce n'est pas Boboland mais presque.

Après les Warlocks, direction New Candys. Dans le même style que les californiens, avec peut-être un peu moins de peps. Puis retour sur la scène principale avec Black Midi qui nous réveille un peu. Du pur post-punk délirant. C'était curieux, mais plaisant. Le groupe suivant, Mattiel, me réserve une belle surprise. Mattiel, chanteuse à la voix chaude et puissante, nous offre un bon set soul-rock bien calibré. L'énergie est présente et se répercute sur tous les murs de la salle T400.

C'est l'heure d'une pause bière bien méritée avant de poursuivre cette longue première soirée qui, vu le programme, risque de déménager. A l'honneur, Born Bad Records et le groupe Frustration qui entame bien la seconde partie de soirée. Au programme : post-punk et cold-wave furieuse. Un son qui n'est pas sans rappeler le mythique groupe Joy Division. Le groupe qui se présente ensuite dans la salle T400, Iceage, ne m'a pas marqué. Etais-je un peu fatigué ? Mais beugler et gesticuler sur scène, ce n'est pas forcément la solution pour faire du punk. Ou alors ça se travaille Peut-être que dans les paroles éthyliques du chanteur, incompréhensibles pour ma part, se trouve l'accent psychédélique, voire le no future nihiliste. Enfin, ça n'a pas pris. N'est pas Jim Morrison qui veut. Le charme brisé ? La fatigue ? Les deux groupes qui ont suivi m'ont moins parlé. The Psychotic Monks a terminé le vendredi soir de manière mémorable d'après les autres matelots présents. La soirée s'achève, il est temps de se reposer. La deuxième soirée risque d'être aussi chargée.

Samedi soir

Jumaï, un groupe local qui s'était fait remarqué lors du festival Temporives, entame cette soirée de manière plaisante. Le groupe arrive à créer une ambiance atmosphérique. Et malgré la difficulté de jouer en premier, parce que les gens arrivent plus tard ou qu'il fait encore jour, ils s'en sortent très bien. Le groupe qui suit, TVAM, propose une drôle d'expérience. C'est une sorte de mix entre rock psychédélique, ambient et le groupe Boards of Canada. Pendant leur set, ils diffusent sur une télé vintage un film recomposé à partir de cassettes VHS dénichées dans des brocantes. Ça vaut le détour.

Autre expérience un peu « weird » : France, un batteur, de la musique de drone et un joueur de vielle. Une seule piste de 45 min. C'est plutôt hypnotique et à la fin on se dit, ha ouais déjà 45 minutes. Mais bon, si j'étais vous, je n'écouterais pas ça toute la journée sous peine de finir chez un psychiatre à se faire prescrire des anxiolytiques. Il y a des groupes qui marquent, d'autres qui se démarquent et d'autres que l'on ne remarque pas.

Je passe donc, j'avance dans le milieu de la soirée et j'ai la chance de découvrir en live Derya Yildrim et Grup Şimşek, groupe de rock psychédélique germano-anatolien. Un groupe qui surfe sur le revival des musiques turques, dans la même veine qu'Altin Gün. Une prestation aux sonorités envoûtante, un voyage psychédélique en Anatolie. C'est un coup de cœur me concernant !

Groupe attendu, le Villejuif Underground qui avait raté l'édition 2017 pour cause de camion en panne se retrouve sur la scène principale. Des musiciens assez déjantés qui, parfois, au lieu de pousser la chansonnette, discutent sur scène, font des blagues. Bon, allez, vous étiez en panne sur l'autoroute, vous revoilà, vous allez bien nous faire un peu de musique ? Bon, ils ont chanté quand même. Enfin, un peu. Je déconne, mais parfois ils font des blagues et nous, on comprend pas trop. Peut-être trop underground ?

Par contre, j'ai beaucoup apprécié le groupe qui passait juste après, Mystic Brave. Un son très sixties, enveloppant et chaleureux, parfaitement maîtrisé. Un beau souvenir de cette édition 2019. Mais j'attendais surtout ce samedi soir l'Epée, qui venait juste de sortir l'album Diaboliques, une collaboration entre Emmanuelle Seignier, Les Limininas et Anton Newcombe du groupe Brian Jonestown Massacre. Le show est surprenant, très puissant, parfois onirique, parfois cinématographique. C'était leur première prestation scénique et clairement, il y a quelques ajustements à faire, niveau son et lumière. Mais cela reste un beau projet. It it Anita est en charge de clôturer le festival, et votre serviteur, claqué et les oreilles sur le point d'exploser, se retire juste avant. D'après la matelote Céline qui vous en propose quelques photos dans la galerie en fin d'article, ce fut un show intense, parfait pour terminer Levitation 2019.

Levitation, c'est cool, on découvre de nouveaux groupes, on se balade d'une scène à l'autre, l'ambiance est bonne et les lumières des shows sont magnifiques. C'est un festival qui brasse différents aspects du rock psychédélique. Parfois, on est à la marge, parfois en plein dedans, et on en prend plein les yeux et les oreilles, alors on a envie de revenir, see you next year !

(texte de Gillen, photos de Céline)

Les Négresses Vertes + Lord Esperanza + Steve Amber + Delgrès + Zoufris Maracas

Ben Gaston, Gillen Azkarra, Mathilde Vohy — 2019-10-10T14:22:34Z

Une bonne nuit de sommeil, les jambes reposées et hop, nous voilà repartis pour La Courneuve. Quand nous arrivons sur le site, nous comprenons vite que la soirée a été mouvementée pour certains et que les errances nocturnes ont perduré jusque tard dans la nuit.

La foule n'a pas encore envahi les allées du parc Georges Valbon, nous profitons de pouvoir circuler plus aisément pour apprécier les stands, les débats et les différentes animations. Nous nous rendons à l'Agora, le lieu de débats au coeur de la Fête de l'Huma pour écouter Thomas Piketty. Après cette carte blanche notamment animée par Jérôme Skalski, journaliste de l'Humanité, il est temps pour nous de filer découvrir les concerts du jour.

LES NEGRESSES VERTES

Nous allons vérifier que le choix du public de la fête s'est porté sur la Grande Scène. Les Négresses Vertes, groupe tout de même formé en 1987, s'y produit pour la énième fois. Et le public a toujours plaisir à retrouver la joyeuse bande dont l'énergie reste intacte. La pelouse est noire de monde et s'enflamme sur ce set dynamique et efficace. Les vieux standards du collectif ne sont pas oubliés. « Voilà l'été » et « Sous le soleil de Bodega » font écho au soleil de plomb qui rayonne sur La Courneuve. Un petit concert agréable et tout en chaleur pour préparer la soirée du samedi soir.

LORD ESPERANZA

Après cette heure de chanson française, il est l'heure de passer au rap. Nous rejoignons pour cela la petite scène sur laquelle Lord Esperanza s'apprête à jouer. Le rappeur de 23 ans affirme dès le début de son set qu'il est “trop content de jouer chez lui, à Paris”. A l'image des artistes passés hier sur cette scène, il lui faudra peu de temps pour enflammer la foule et créer un nuage de poussière gigantesque. On soupçonne d'ailleurs nos poumons d'être encore embrumés par ces pogos et walls of death. Théodore, de son vrai nom, montre, tant sur ses classiques que sur ses nouvelles chansons, que son flow est aussi propre sur scène qu'en studio. Alors que Lord Esperanza finit son set, un rap bien plus populaire résonne au loin. Soprano prend place sur la Grande Scène.

STEVE AMBER

Et à vrai dire on préfère aller découvrir Steve Amber. Séduits à l'écoute par leur indie rock psyché aux accents britanniques, on était curieux de les voir sur scène. Ah oui, car ce nom qui évoque une personne représente bien un groupe, et c'est un quatuor qui se présente sur la scène Zébrock toujours inondée de soleil en cette fin d'après-midi. Emmenés par le chanteur guitariste Tchaz Locke, ils sont bien en place et feront de leur mieux pour faire bouger l'assistance, malheureusement un peu faible.

DELGRES

Delgrès déboule sur la scène Zebrock peu après 20h. Cette fois le public est au rendez-vous et on va vite comprendre pourquoi. Pascal Danaë à la guitare et au chant nous expliquera lors des rappels qu'ils tournent depuis 2016 quasi non stop. Le show est super bien rodé, ça joue, ça groove, son nickel, lumières à l'unisson, ils mettent rapidement le feu au public déjà ravi. Trio atypique avec en plus de Pascal, Baptiste Brondy à la batterie et Rafgee au sousaphone (ou soubassophone), un instrument de la famille des cuivres apparenté au tuba-contrebasse qu'on retrouve encore dans des fanfares. À l'origine de ce projet, il y a la guitare au son métallique Dobro et il y a le créole, la langue des parents de Pascal. Le résultat est un blues-rock flambé, puissant et abrasif. Delgrès, du nom d'un héros de la lutte contre l'esclavage dans les Antilles, est également engagé, Pascal glissera des messages entre quasi chaque morceau. Mais sans en faire trop. Un solo inédit de sousaphone et une reprise à la sauce créole du « Whole Lotta » de Led Zeppelin pour finir. Un set vraiment réjouissant et convaincant qui pourrait largement se retrouver sur une plus grande scène rapidement. C'est tout ce qu'on leur souhaite.

ZOUFRIS MARACAS

En parlant de dépaysement, c'est au tour de Zoufris Maracas de prendre place sur la P'tite Scène. Encore un groupe habitué à la Fête de l'Huma. En effet, même s'ils ne sont pas toujours programmés sur une des trois scènes, les Français officient quasi tous les ans au pied levé sur les stands du festival. Il faut dire que leurs musiques s'y prêtent. Les rythmes sont joyeux, colorés et dansants. Delgrès nous avait envoyés aux Antilles, cette fois, avec Zoufris Maracas, nous naviguons entre le Cap-Vert et le Brésil. Au loin, le soleil commence à se coucher et donne à cette soirée une belle impression d'été indien.

La soirée se prolongera encore longtemps après le coucher du soleil, notamment avec le concert de Shaka Ponk et une scène électro jusqu'au petit matin. Nous regagnons nos domiciles au milieu de la nuit, et dressons le bilan : des débats, des concerts très politiques, d'autres pas du tout engagés, des spectateurs présents pour défendre le Parti Communiste, d'autres simplement pour faire la fête entre amis. La Fête de l'Huma n'a pas changé et nous donne envie d'aller la revoir l'année prochaine.

Lofofora + Les Fatals Picards + Paul Kalkbrenner

Ben Gaston, Gillen Azkarra, Mathilde Vohy — 2019-10-07T19:01:02Z

Vendredi 13 septembre. On cumule jour de superstition et surtout, jour de la grève géante de la RATP. A vrai dire il nous en faut plus pour nous empêcher d'aller en festival. Et nous avons bien eu raison puisque les transports reliant le centre de Paris et la Courneuve ne sont quasiment pas affectés. Nous arrivons presque plus rapidement que les autres années dans l'enceinte du festival, la Fête de l'Humanité peut commencer.

LOFOFORA

Au Cargo !, on ne fait pas les choses à moitié alors on s'est dit que commencer un festival par une scène métal ça pouvait être une chouette idée.

Et y'a pas à dire, Lofofora à la Fête de l'Huma, ça déménage. Depuis des années qu'ils tournent, ils sont toujours au taquet. Et le public aussi. Les guitares saturées font vibrer la P'tite scène. La dernière fois que Lofofora a joué à l'Huma, « c'était boueux, ça sentait l'herbe et ça dansait partout » comme nous dit Reuno entre deux chansons. Cette année, les choses étaient plus sages, mais n'ont pas empêché le groupe de nous balancer un set explosif avec ses textes bien ciselés, taillés pour l'ironie, extraits de leur nouvel album, Vanités - le dixième - qui sort le 8 novembre prochain. Et après un petit tour en acoustique, ils reviennent avec un son plus électrique. Attention les oreilles !

LES FATALS PICARDS

Quelques minutes pour changer le plateau et c'est au tour des Fatals Picards de faire leur entrée sur scène. Eux aussi sont des habitués de la Fête de l'Huma. La dernière fois, c'était il y a tout juste 4 ans. Cette fois les Français viennent défendre leur dernier album, Espèces Menacées, sorti en avril 2019. Dans une ambiance survoltée, les garçons jouent les titres les plus engagés de ce neuvième opus. Notamment « Béton Armé », clin d'oeil aux activités de Lafarge, puis « Turlututu », « en hommage aux suprématisme blanc ». Entre deux chansons les spectateurs scandent "Balkany en prison !” et les Fatals Picards prennent un malin plaisir à faire durer ces interludes. Les grands classiques ne sont pas oubliés. Entre les nouvelles chansons, le groupe interprète « L'amour à la française », « Le retour à la terre », et « La sécurité de l'emploi », leurs titres phares. Enfin, en guise de conclusion « Mon père était tellement de gauche » résonne comme un hymne que tout le public reprend à tue-tête.

PAUL KALKBRENNER

On change d'ambiance pour se diriger vers la Grande scène où en tête d'affiche du vendredi soir se produit le nouveau chantre de la techno berlinoise, Paul Kalkbrenner. Ici, tout est calibré, l'artiste en tournée depuis quelques mois. Malgré un set un peu court – c'est la fête de l'Huma, pas un festival électro – on sent Paul Kalkbrenner heureux d'être là (ou toujours heureux derrière ses platines ?). Quoiqu'il en soit, sa musique est vibrante, pleine d'énergie et incite à danser dans une communion universelle. Et, ô joie, bonheur, le set se termine par la track « Feed your Head », dans laquelle on y retrouve la voix de Grace Slick, ancienne chanteuse du groupe de rock psychédélique, Jefferson Airplane.

Il est à peine 23h et les concerts de cette première journée sont déjà terminés. Pas décidés à rentrer dormir maintenant on se dirige vers les multiples stands qui font le charme de la Fête de l'Huma. On se faufile dans les allées encore bondées et on parcoure les régions du monde en s'arrêtant un peu partout. Un pao de queijo accompagné d'une caipirinha nous font voyager jusqu'au Brésil avant d'atterrir dans le sud de la France avec les chants basques du PCF de Bayonne. Il reigne ici une humeur bonne enfant et festive. Certains sont juste venus pour la programmation musicale, d'autres parce qu'ils sont encartés au Parti communiste et d'autres encore pour défendre le journal l'Humanité, en redressement judiciaire depuis février 2019. Toujours est-il que les identités se mélangent et tout le monde se rencontre, discute et danse. C'est ça la Fête de l'Huma.

Flamingods

Gillen Azkarra — 2019-07-23T17:46:54Z

Levitation est le dernier opus du groupe de rock psychédélique Flamingods, mené par Kamal Rasool. Un album fou fou fou, quelque part entre psyché, funk oriental et krautrock.

Levitation, c'est un travail abouti, riche, la quintessence du groupe en quelque sorte, après de longues années de travail et d'expérimentations sonores. C'est un boulet de canon, un météore fusant à cent à l'heure, surfant sur les riffs psychédéliques dans un ciel éclairé de lumières stroboscopiques.

“Paradise Drive” et “Marigold” posent le ton de l'album et nous emmènent loin, vers des contrées mystérieuses, quelque part en Orient. “Astral Plane”, comme son titre l'indique - sur de bons accords saturés - envoie en orbite sur un tempo rapide. On reste en hauteur, perché sur la planète psyché, avec le génialissime “Olympia”, tube nerveux et puissant. En passant, il faut s'arrêter sur le magique et atmosphérique “Mantra East”. Puis “Levitation” termine l'album dans un titre long et épique, montant progressivement. On souffle, on redescend, c'est bon, c'est terminé, jusqu'à la prochaine écoute.

Pour les avoir vu au festival Variations à Nantes - pour l'anecdote, ils ont remplacé un groupe au pied levé, merci ! - Levitation révèle tout son potentiel en live où les musiciens jouent au jeu de la chaise musicale et intervertissent les rôles. Voir Flamingods en concert, c'est une véritable expérience, un voyage vers une autre sphère, on en ressort avec beaucoup d'énergie. Et ça fait un bien fou.

“Marigold”

“Olympia”

Thylacine

Gillen Azkarra — 2019-07-11T16:07:14Z

Le château de Versailles a invité le compositeur de musique électronique Thylacine pour une expérience singulière. Il a passé une journée et trois nuits d'enregistrement, en immersion complète dans l'atmosphère sonore de Versailles : mécanismes d'horlogerie, clavecins, serrures, craquement du parquet… autant de sons pistés pour composer « Versailles », une œuvre musicale plutôt originale,

Lien vers le communiqué de presse du château de Versailles

https://presse.chateauversailles.fr/actualites-du-domaine/le-chateau-de-versailles-invite-thylacine/

Elisapie

Gillen Azkarra — 2019-07-05T06:00:00Z

Sur Le Cargo !, comme vous le savez, on suit l'actualité d'Elisapie avec intérêt ! En tournée cet été chez nous - on ne peut que vous conseiller d'aller la voir si elle passe lors d'un festival près de chez vous - la chanteuse inuit sort un nouveau titre/clip !

Elle dévoile aujourd'hui “Ton Vieux Nom”, un morceau en français qui est « un hommage à l'homme inuk et sa vraie nature, simple et douce. Sa beauté est dans la sagesse qui lui a été léguée, malgré les défis. Il a souffert, a perdu des repères mais aujourd'hui, il doit se lever, être fier. »

“Ton Vieux Nom”, chanson intimiste, épurée, à la mélodie un peu folk-bluesy, un peu mélancolique, qui fait du bien aux oreilles...

Les dates de la tournée :

10/07 : Le Petit Bois - Bordeaux (33) 11/07 : Les Suds - Arles (13) 15/07 : Haras national - Uzès (30) 18/07 : Colours of Ostrava - Ostrava (CZ) 20/07 : Les Francofolies de Spa - Spa (BE) 21/07 : Les Vieilles Charrues - Carhaix (29) 23/07 : Paléo Festival - Nyon (CH) 24/07 : Music'Ô Jardin - Sixt-fer-a-cheval (74) 27/07 : Claustre de Sant Bonaventura - Majorque (ES) 02/08 : Festival de Paimpol - Paimpol (22) 03/08 : Festival du bout du Monde - Crozon (29)

Thylacine

Gillen Azkarra — 2019-06-17T17:17:43Z

Thylacine, bonjour, merci de nous recevoir entre deux concerts. Peux-tu nous dire ce qui t'as amené à la musique électronique et à ton premier album Transsiberian ?

J'ai commencé la musique assez jeune. J'ai appris le solfège puis je me suis mis au saxophone à 5-6 ans. J'ai participé à des orchestres, j'ai joué au conservatoire et après j'ai intégré des groupes de musique actuelle. Je fais aussi de la basse. Mais j'ai eu une formation que je considère comme classique.

J'ai découvert la musique électro tardivement. Notamment dans la composition des morceaux. Ce que j'ai trouvé et apprécié dans la musique électronique, c'est s'enfermer plusieurs jours et en sortir avec un morceau, une émotion qui raconte quelque chose. Et sachant que je suis pas chanteur, guitariste ou autre, c'est vraiment intéressant. C'est un peu la composition qui m'a poussé au voyage. Je me rendais compte, en composition, parfois je bossais une semaine, et rien de très concret en sortait. En voyage, par contre, en une ou deux journées, ça devenait évident, efficace, créatif, surtout après un événement intense. Je me suis rendu compte que pour développer ma créativité, j'avais besoin de bouger, vivre des choses plus fortes pour avoir des choses à raconter dans le morceau. Si je vis rien, j'ai rien à raconter, c'est un peu fade. Enfin, ça, c'est mon fonctionnement.

Du coup, je me suis dit, c'est parti, allons-y, partons en voyage !

Du coup tu t'es dit, je vais aller faire ça dans le Transsibérien ?

A l'époque, je tournais en train entre tous les concerts. C'était l'occasion d'y faire de la musique. A la fois il y a la ville juste à côté avec un paysage qui défile, un rythme sans cesse, qui ne s'arrête pas. Alors je me suis dit : allons nous enfermer dans le train le plus long du monde et voyons voir ce qui s'y passe. Comme une sorte de test. Me mettre dans des conditions et voir ce qui en ressort. Au départ, je ne sais rien, je ne maîtrise absolument pas, il y a de l'excitation. Que vais-je ramener de l'expérience ? Deux morceaux, trois morceaux, un album ? Comment ça va se passer au niveau des rencontres ?

Et bien finalement beaucoup de rencontres ! Et beaucoup d'arrêts impromptus dans le parcours qui ont rythmé les chansons par la suite. Par exemple, j'ai rencontré un chaman, on a passé deux jours ensemble. Au bord du lac Baïkal, il a chanté, sa voix racontait une histoire. On y a aussi mangé du bouc, mais c'était pas très bon (rires). J'ai pu enregistré pas mal de voix. Et je me suis dit qu'il y avait beaucoup de choses à faire en composant de cette manière-là.

Une expérience réussie donc, en prélude à Roads, vol.1 ?

C'était le premier essai. Sur le papier, ça cochait toutes les cases puisque je suis revenu avec Transsiberian. Essai validé ! J'avais trouvé les éléments pour être créatif. Et le but c'était de pouvoir continuer comme ça. Là pour Roads, j'avais un vrai studio, je n'avais plus la contrainte de ne travailler qu'au casque et j'avais la possibilité de pouvoir enregistrer des instruments, de la guitare, mon saxo par exemple, du son, du chant. Elle était là, la limite de Transsiberian.

Avant de nous parler de Roads, peux-tu nous parler du projet War Dance et de son clip, qui est sorti juste avant ton dernier album ?

Un ami réalisateur, Cyprien Clément - Delmas, revenait d'Ukraine et il a vu qu'il y avait des militaires dans le Donbass, combattant la Russie. Et quand ils s'emmerdent, ils font des chorégraphies de chars. Du coup, je lui ai pondu un chanson en mois pour le clip. Et on a décidé de s'y lancer dans une optique d'esthétisation de la guerre et son parallèle plus plus violent. D'y poser un réel plus dur finalement.

“War Dance”, c'est un mix, à la fois documentaire et aussi avec le côté « clipesque ». On a mis du temps à trouver le financement. On a subi un refus du tournage une fois, mais on n'a pas lâché l'affaire. Le résultat est un clip à la fois réel, esthétisant et parfois dur, notamment les scènes à l'hôpital. J'aime bien ce genre de projets. Ça me fait vibrer, alors avec Cyprien, on s'est démerdé pour le faire et pour le présenter au public.

Venons-en à Roads, vol. 1. Quelle est son histoire ?

J'ai d'abord acheté une caravane que j'ai faite venir des Etats-Unis. Quatre mois à tout transformer, à refaire de l'intérieur : plomberie, électricité, aménagement d'un lieu de vie. Une sorte de petite maison avec un vrai studio. J'ai travaillé avec un acousticien. On a fait un énorme boulot pour avoir une acoustique parfaite à l'intérieur. J'ai couvert le toit de panneaux solaires avec un pote pour avoir un système électrique autonome qui permet de faire de la musique au milieu de nulle part. Ensuite, et bien, j'ai dû repasser mon code, passer un permis remorque, mettre la caravane dans un cargo jusqu'à Buenos Aires. Et puis voilà, c'était parti, trois mois là-bas, en Amérique du Sud.

Tu avais un programme ?

Ha non, liberté totale de mouvement de temporalité ! Vivre selon l'inspiration, rester dans un endroit en fonction des rencontres, changer d'itinéraire. D'ailleurs, je suis resté plus longtemps que prévu ! C'était le but, se perdre un petit peu, prendre le temps de créer.

Tu serais une sorte de Jack Kerouac musical, sur la route pour chercher l'inspiration.

(Rires) Alors là ! En tout cas, rien n'est prévu à la base. Je m'étais juste dit, par rapport à l'expérience précédente, que je ne rentrerais pas avant d'avoir matière à sortir un album. Le but c'était la surprise, partir à l'aventure, se mettre dans des conditions particulières. Je suis fasciné par l'impact géographique. Par exemple, si je suis à Tokyo en centre-ville ou sur une île déserte, l'environnement aura un impact différent. Et j'adore ça. Explorer tout ça. L'environnement et les rencontres influencent beaucoup ma musique.

Comment structures-tu tes morceaux ?

Il y a plein de possibilité. Sur le chaman, par exemple, c'est la voix. Je commence avec l'enregistrement, la voix, puis je construis autour, je développe. Et j'ajoute autour de l'élément primaire. J'essaie de ne pas avoir de code, de préconçus. Par contre, j'ai besoin de travailler, je ne suis pas comme un chanteur qui trouve une mélodie en se baladant dans la rue. J'ai besoin de tester des choses et quand il y a un truc qui se passe, et bien, c'est parti !

Et pour la création d'un live, comment procèdes-tu ?

Justement, je ne joue pas l'album tel qu'il est. Je veux vraiment retravailler la structure, retransformer tous les morceaux pour les faire vraiment vivre et leur donner une deuxième vie très différente en live. Ce n'est pas le même but. Quand je fais de la musique pour un album, c'est pour l'écouter au casque ou chez soi. Sur scène, c'est différent, il faut pouvoir trouver le nouvel angle pour retravailler un morceau et je me laisse beaucoup de marges d'improvisation. En fait, je fais un peu comme un chef d'orchestre. Je lance tous les trucs, je crée toute la structure du morceau moi-même. Le but c'est que ça soit vivant et rempli d'énergie !

Quelle est ta perception de la musique électronique ?

Je la vois comme un média. Avant, j'y connaissais pas grand chose. C'est une façon de faire qui est autonome, qui est mobile. Aujourd'hui, c'est la composition. Avec la musique électronique, on peut pratiquement tout faire, de la musique de film, des trucs plus instrumentaux, utiliser des instruments, comme sur Roads par exemple. Musique électronique ou pas, je m'en fiche un peu des étiquettes, mais tout passe par mon ordinateur car c'est là que j'enregistre tous les sons, c'est là où je construis vraiment un projet. C'est un média fou qui permet de multiplier les possibilités.

Parles-nous rapidement de tes influences musicales ?

Vaste sujet ! Et bien, un peu de tout ! Des choses qui me sont restées du jazz, plus sur le live, sur la façon de jouer différemment tous les soirs, de jouer quelque chose de vivant, l'improvisation.

Les plus grosses claques, c'était aux beaux-arts : Steve Reich, Philip Glass, qui ont un rapport à la musique électronique par la répétition. La dernière grosse claque, c'est Nils Frahm, des musiciens de ce genre qui mixent entre musique classique et électronique. Des compositions modernes en somme.

Mais je passe bizarrement plus de temps à faire de la musique qu'à en écouter. Par rapport à d'autres musiciens qui sont des puits de science en musique, je reste concentré sur la création.

As-tu des idées pour la suite ? Roads, vol.2 ?

Forcément !! Aller dans un endroit très différent c'est sûr. Mais comme je change d'idées assez souvent, j'attends d'être sûr pour en parler !

Et bien merci Thylacine pour ce bref interstice dans l'espace-temps !

Merci à vous aussi ! (Sourires)

(crédit photo : Fabien Tijou)

Elisapie

Gillen Azkarra — 2019-05-15T12:53:23Z

Elisapie a entamé sa tournée européenne. Elle vient nous chanter son dernier album, The Ballad of the Runaway Girl, dans lequel la chanteuse inuit effectue un retour à ses origines. En direct de Montréal, à l'heure du petit-déjeuner pour elle et du goûter pour nous, elle a bien voulu répondre à nos quelques questions.

Tout d'abord, bonjour Elisapie, et merci de prendre le temps de nous répondre.

Ha, merci à vous aussi, ça me fait toujours plaisir. C'est l'heure du « breakfast » ici !

Peux-tu nous brosser un petit parcours rapide de ce qui t'as amenée à la musique ?

Ha oui, bien sûr ! Ça fait maintenant 20 ans que je suis installé à Montréal. J'y suis arrivé en tant que jeune femme qui avait besoin de quitter son petit village inuit dans le Grand Nord québécois. Au départ, je voulais travailler dans la communication, c'était ma passion. Je faisais déjà de la radio, de la télé depuis que j'avais 14/15 ans dans mon village. On était écouté par toute la région de Nunavik (c'est là d'où je viens).

Ce qui m'a poussée vers la musique, je crois que c'est un mélange de plein de choses, l'envie de faire de la com' et, surtout, l'envie de secrètement écrire et chanter des chansons. Mais jusque là je n'avais pas assumé cette envie. C'était assez extrême pour moi, une décision vitale, comme choisir entre la vie ou la mort, où j'avais besoin de quitter mon village natal, partir de ma tribu. J'en ressentais vraiment le besoin.

Avant de partir à Montréal, j'étais conseillère aux élèves, je travaillais aussi aux service sociaux. C'était pas facile. Puis je suis parti dans la grande ville à l'âge de 21/22 ans. Finalement, après un an ou deux, naturellement, j'ai trouvé des gens avec qui faire de la musique. J'étais en duo avec Alain Auger, on a réalisé un album, Taima, très très très vite, en 2004. Et on est passé à radio canada. C'était un peu comme un succès instantané. Puis la collaboration s'est arrêtée et j'ai commencé ma carrière en solo. J'en suis aujourd'hui à mon quatrième album.

The Ballad od the Runaway Girl est ton quatrième album, mais ton troisième projet en solo. Cet album, c'est un gros retour aux sources ?

Pour moi, faire des albums, c'est toujours un retour aux sources, mais toujours une petite partie à la fois. Là, c'est différent. Cet album, c'est la base de mon bien-être, un retour aux racines, à tout ce qui est important pour moi, les métaphores de la vie, le bonheur, le territoire que j'ai quitté, atteindre une paix intérieure, arrêter d'être dure et accepter d'être un être humain. Et parfois, ce n'est pas facile. S'il faut aimer les autres, il faut d'abord s'aimer soi-même. C'est très cliché, mais c'est comme ça que ça a fonctionné chez moi (rires) ! Et c'est réellement arrivé car c'est la base de départ de The Ballad of the Runaway Girl.

On se bat, toujours, on se bat très longtemps, on est très orgueilleux, et parfois on ne réalise pas la stupidité de certaines choses, de certains comportements. Un moment, j'ai réalisé, j'ai dit : ho whouaa, ok, stop !

J'ai toujours essayé de survivre en disant que j'ai besoin de personne, ni du Nord, ni de ma famille, parce que j'ai passé beaucoup de temps seule, à quitter ma famille, vivre la disparition de mes parents. J'ai compris que si je veux aller au bout de mes rêves, il va falloir le faire avec aucun attachement à mon ancienne vie. C'est vraiment idiot, mais j'ai passé des années et des années à être un peu détachée je dirais. Et c'est venu me chercher, me rattraper et c'était la meilleure chose parce qu'on ne peut pas passer notre vie détachée des choses.

Tout a commencé avec le départ, le début de ma vie, par rapport à mon adoption, je pense c'était la bonne place pour trouver de l'inspiration et me mettre un peu en danger. Parfois il ne faut pas avoir peur de se sentir en danger, et c'est ça que j'ai réussi à faire, mais se poser ces questions là, c'est très douloureux. En me posant ces questions, mes origines, mon adoption (dans le Grand Nord, chez les Inuits, l'adoption est un phénomène courant. Elle est un régulateur démographique dans cet endroit du monde où les conditions de vie sont extrêmes et la survie au centre des préoccupations des familles et ce, depuis que ce peuple s'y est installé il y a 10,000 ans. Souvent, l'adoption est décidée par les aînés pour notamment équilibrer le nombre d'enfants dans chaque famille), je me suis rendu compte que j'avais besoin de comprendre certaines choses en rapport au passé et à mes racines.

Finalement d'où je viens ? Et avant toute chose, j'ai commencé avec ma mère biologique.

Justement, peux-tu nous parler de la chanson “Una”, mise en valeur dans un clip en trois parties, qui parle de ta mère biologique ?

En tant que parent aujourd'hui, je retrouve le grand amour inconditionnel. Mais tu te poses la question : moi, ai-je été aimé de cette manière ? Jamais, je n'ai pensé à me le dire parce que j'ai été adopté au début, dès la naissance. Je me suis dit, ma mère biologique n'a pas eu le temps de m'aimer, comme si elle avait un coeur de robot.

J'ai passé ma vie à penser qu'on pouvait manipuler l'amour, le contrôler, le conditionner. Et penser comme ça par rapport à ma mère biologique a influencé ma quête d'amour. Et c'est là aussi que j'ai réalisé que ça a influencé une bonne partie de ma vision. J'avais l'impression d'être fausse envers moi-même et ça m'a fait ressentir beaucoup de vertiges émotionnels. J'avais besoin d'être fâché avec quelqu'un, et j'ai décidé que ça allait être ma mère biologique. Au final, malgré beaucoup de tensions, ce fut une bonne chose. En bonne inuk, elle n'avait pas besoin de me dire beaucoup de mots pour que j'aille au fond des choses, pour me laisser m'exprimer, être moi. C'était bizarre. Au départ, c'était elle puis après c'était la quête identitaire que nous on vit, en ce moment, en 2019, en tant que jeunes autochtones, en tant que femme, en tant qu'être humain.

C'est quoi le bonheur ? Question qui s'applique, je pense, à tout le monde aujourd'hui. Essayer de voir qu'est-ce qu'on fait de pas bien, le fait d'être plus malheureux d'années en années, de moins en moins connectés avec les vraies choses qui devraient être étudiées.

Comme la paix, la sérénité. J'étais devant un lac l'autre jour, et on oublie tellement vite les sensations que ça procure.

L'adoption est toujours pratiquée aujourd'hui ?

Cette pratique d'adoption est toujours en usage. Mais beaucoup moins. Je connais des enfants qui vont se faire adopter. Je trouve ça beau. Et je ne regrette absolument pas d'avoir été adopté. Ma mère biologique me dit toujours, "si tu n'avais pas été adopté, tu ne serais jamais parti à Montréal." (Rires) Je crois vraiment que ça a fait de moi une personne très indépendante, avec le goût de l'aventure. On rit beaucoup, mais ce détachement là est permis grâce à la tradition, à la culture de notre peuple.

Malgré tout, j'avais envie d'explorer ce sujet-là qui n'est pas tabou chez nous. Mais le sentiment de vouloir savoir si on nous a aimé - question existentielle, universelle - j'avais besoin de la poser. Et je l'ai fait grâce à la musique, avec Una, qui se traduit par "tiens" en Inuktikut. J'avais un peu peur de la réaction, de me faire traiter d'une blanche qui veut savoir quelque chose, mais finalement ça a fait du bien à beaucoup de monde. Des gens ont été émus, touchés, et ça a ouvert de nombreuses portes à l'émotion. C'est aussi se donner le droit, en tant que femme, de se poser des questions face à la maternité.

Dans ton dernier album, tu débutes par la chanson “Arnaq” (prononciation arnar), terme inuit signifiant femme. Avec “Arnaq”, tu es « une fille, une mère, une grand-mère. »

“Arnaq”, ça s'est passé au moment où je traversais toutes sortes de sentiments, au sein de ce voyage émotionnel qu'a été l'album. J'étais assise dans le coin et c'était l'automne, et j'ai juste senti une sorte de rage, qu'on porte et qu'on prend pour acquis. Pour nous les femmes, ce n'est pas facile et j'ose dire aussi que ça doit pas être évident d'être un homme en 2019 parce que l'homme est en train de réaliser qu'il était un gros bébé gâté, il a eu tous les privilèges que les femmes n'avaient pas, et en même temps l'homme aussi vit des pressions, devoir être fort par exemple, ne pas montrer ses faiblesses.

Chez nous, ce n'est pas facile. Il y a des dualités entre l'homme et la femme, c'est très complexe. J'ai besoin de sentir parfois que l'homme, traditionnellement, est là pour nous défendre, mais je me dit aussi, la femme, elle a une force incroyable, et je pense qu'on en parle pas assez de notre pouvoir de faire naître des êtres humains, c'est un truc qui devrait être célébré alors je pense que l'on devrait arrêter de vouloir rabaisser la femme, parce qu'elle est parfois même beaucoup plus forte que l'homme, mais cette idée c'est un peu comme une sorte de tabou.

En ce moment, on cherche à rééquilibrer peut-être l'espace que doit prendre et la femme et l'homme. Je crois vraiment à l'équilibre, mais il y a toujours de la fluctuation, des hauts et des bas. C'est un combat de tous les jours. De plus en plus, la femme doit être reconnue comme un être qui n'est pas juste fragile, vulnérable et sensible, mais aussi qui est toute seule, forte et capable d'être enragé. On a beaucoup de mystère à admettre qu'on a une sorte de violence, parfois en tant que femme. On est capable d'aller par là autant que l'homme, je ne parle pas forcément de la violence, mais de quelque chose de brut.

Je trouve ça difficile, surtout dans des lieux où il y a encore des traditions, des hiérarchies. Ici, par exemple, au Québec, la femme drague, on dit chez nous qu'elle chasse, mais en Europe, les codes sont différents. Les traditions vont changer, mais c'est pas encore gagné. Petit à petit, l'on se sépare de ce que j'appelle les habitudes « old fashioned ». Et c'est génial de voir ça, même si ça prend du temps de faire bouger les choses. “Arnaq”, c'est vouloir crier haut et fort : je suis capable de me défendre, mais l'homme devrait nous respecter, respecter la femme, parce que, encore en ce moment, on a besoin de l'affirmer.

Y'a des femmes qui ont besoin de ressentir ça, et cette chanson, ça va aussi chercher les hommes et c'est ça qui est beau. Quand j'ai composé cette chanson, j'ai imaginé que les gars de chez nous l'écouteraient en allant faire la fête ! (rires).

Et le clip Arnaq ?

Le clip a été tourné dans mon petit village de Salluit. C'était nécessaire que ce soit tourné là-bas, dans l'environnement, sans artifices, même que je me souviens ma belle-mère elle a dit "pourquoi tu ne montres pas les traditions ? ". J'ai surtout essayé de montrer la réalité, la vérité, parce qu'on a encore cette image de l'igloo, des grands chasseurs, depuis 100 ans on a cette image. J'ai envie de montrer ce que je vois, moi. C'est cru, c'est vrai, j'avais envie de montrer le côté beaucoup plus « street living » de Salluit. On peut pas aller plus au nord dans la région de Québec.

Ton album est un peu entre tradition et modernité. Où en est d'ailleurs la société inuit aujourd'hui ?

On a évoqué la tradition dans l'album, sans nécessairement mettre tous les éléments traditionnels, mais on avait besoin de cette base. En ce moment, on est en pleine modernité, et surtout, on réclame la modernité dans le sens où on nous a imposé la sédentarité, cette manière de vivre occidentale, sans vraiment notre concertation et notre avis, sur la culture, la tradition, le mode de vie, le territoire, l'environnement. L'éducation, les services santé, tout a été fait d'une manière brutale, sans aucunement considérer la partie du Nord. Et c'est de l'argent perdu, des problèmes non résolus, c'est fait de manière aucunement adapté à un peuple qui a une vision différente de la vie depuis des millénaires.

Alors on veut la modernité, mais on la veut à notre manière, dans l'art, parmi les communauté, tout le monde travaille pour essayer de se réapproprier les choses. Il faut commencer du début parce beaucoup de problèmes sociaux sont liés à ça (chanson “call of the moose” sur l'oppression du colonisateur).

Il y a beaucoup de stress post-traumatique des générations qui ont vécu ces souffrances. La façon dont notre peuple est traité quand on est malades. C'est dur, mais il y a des familles qui avait des maladies comme la tuberculose, qui ne sont jamais revenues au village. Et personne ne disait rien. Personne ne savait qu'ils étaient morts et même sans savoir où ils étaient enterrés. Il y a aussi les pensionnats qui ont détruit des générations, enlevé toute fierté d'être autochtones parce qu'ils supprimaient la langue, forçaient les enfants à se séparer de leur famille, ça veut dire qu'il y avait plus d'enfants et de nombreux orphelins du jour au lendemain.

C'est une partie de l'histoire canadienne qui est horrible. On a ouvert ces dossiers là tout récemment, et on a compris pourquoi nos parents ne parlent pas, ne sachant pas comment gérer leurs émotions. Les jeunes réalisent actuellement que le problème est le manque de communication, mais on ressort tout ce qui a été enterré. La société inuit est dans une sorte de bouillonnement, un moment crucial où les jeunes s'expriment musicalement, par l'art, dans les communautés, on a l'impression que tout est possible, car, enfin, on nous permet de parler et de nous écouter. Le chemin est long, mais on aperçoit un peu plus de lumière. Aujourd'hui, on est fier d'être autochtones, on a des ressources et de l'inspiration, ça va aller que positivement.

Musicalement, il va y avoir une évolution ?

Ho my god, comme c'est une période cruciale ! Je pense que c'est le début, mais c'est vraiment en gestation, là, maintenant. Dans le futur, il va y en avoir de bonnes choses qui vont ressortir de toute cette « poussière/merde », j'aime le dire de cette façon, à la manière d'un bon gros ménage (rires) ! Ça va faire du bien à la tête et à la créativité. De jeunes artistes vont émerger, c'est sûr !

Pour ma part, je ne pense pas m'arrêter là, il va y avoir une suite. J'ai ouvert quelque chose qui ne peut pas être juste un projet que l'on referme. J'ai senti que cet album-là allait être le début d'un cycle. Il y aura une continuité dans les thèmes, le son, l'exploration, parce que le son ça permet d'aller dans d'autres univers, c'est important de voyager et de crier des belles rencontres.

Et bien merci Elisapie pour ces quelques mots très touchants et très personnels. On te souhaite une belle tournée estivale !

Oui, oui, merci, c'est cool. On arrive ! On va chanter en France et rencontrer la vie sur les terrasses en été. J'ai hâte !

Le clip “Una” en trois parties : https://www.lecargo.org/spip/elisap...

La chronique du disque https://www.lecargo.org/spip/elisap...

En tournée cet été :

11/07 : festival Les Suds à Arles (13) 21/07 : festival Les Vieilles Charrues, Carhaix (29) 23/07 : Paleo Festival, Nyon (Suisse) 02/08 : Festival du chant de marin, Paimpol (22) 03/08 : Festival du Bout du Monde, Crozon (29)

Elisapie

Gillen Azkarra — 2019-05-06T11:16:08Z

The Ballad of the Runaway Girl est le dernier album en date d'Elisapie Isaac et le premier disponible en France. Cet album, on l'écoute tel un songe. C'est un rêve éveillé dans lequel on suit les pas de la chanteuse inuk sur une neige légère, le vent effaçant l'empreinte avant le prochain mouvement de jambe. Une trajectoire aléatoire, qui bifurque, pleine d'espoir, de questionnements sur son passé, son enfance à Salluit - dans le grand nord québécois -, sa vie et son peuple. Elisapie, par une voix parfaitement posée, parfois revendicative, fait passer des messages importants en nous racontant sa propre histoire.

Comme sur “Arnaq” qui débute l'album. “Arnaq”, en langue inuit, se traduit par femme. Elisapie est « une enfant, une mère, une grand-mère ». C'est un titre rythmé, à la fois mélodieux et dissonant, où elle chante en inuit et pointe le doigt sur les violences faites aux femmes. Elle n'hésite pas à écrire des textes engagés, notamment avec le poignant et imposant “Wolves Don't Live by the Rules”, où la chanteuse dénonce l'oppression du colonisateur. L'album se poursuit avec deux ballades folks, fortement solaires et envoûtantes. “Rodeo (Yadi Yada)” parle de l'envie de partir, d'aller voir ailleurs. Et “Don't Make me Blue” est une chanson d'amour plutôt bouleversante qui donne de nombreux frissons.

Le point fort de cet opus, c'est une instrumentation maîtrisée de bout en bout. “Una” et “Ikajunga”, au style épuré et chanté en inuit, en sont la preuve. Ces deux compositions séduisent par leur aspect parfaitement calibré. “Una”, adressée à sa mère biologique, démarre de manière douce et nous tient en haleine jusqu'aux dernières notes. “Ikajunga”, presque acoustique, est magnifique. À condition de mettre de côté la folie du quotidien et de se laisser bercer par la voix aigüe d'Elisapie et les cordes de la guitare.

Puis le réveil vient avec “Call of the Moose”, très expressif et tout en rage contenue. Plus on avance dans l'écoute, plus la richesse de l'album se dévoile à nos oreilles. Sur “Quanniuguma”, on y découvre un surprenant chant de gorge. Quant à “The Ballad of the Runaway Girl”, c'est une chanson émouvante, résumant les errances de la chanteuse et son long parcours pour arriver là où elle est aujourd'hui. Le lumineux et onirique “Darkness brings the light”, tout en profondeur, vient donner une touche finale presque chamanique à ce voyage passionnant.

The Ballad of the Runaway Girl, dense par ses thèmes abordés, ses compositions et sa musicalité, est donc une totale réussite. Sur toutes les chansons plane une puissante beauté sauvage. Et par cet album, Elisapie montre aussi qu'il est important et vital de ne pas oublier ses racines.

A voir aussi : les trois parties qui forment le clip “Una”.

Altin Gün

Gillen Azkarra — 2019-04-30T11:42:59Z

Après On, le groupe hollandais Altin Gün (âge d'or en turc) continue l'exploration du psyché rock anatolien des années 60-70. Leur deuxième opus, Gece, se révèle explosif et assez funky.

Pour la petite histoire, Jasper Verhulst, le bassiste de Jacco Gardner, est tombé amoureux du rock turc lors d'un concert donné à Istanbul. Ainsi est né Altin Gün, revisitant les standards de l'époque, et ce, de très bonne manière, alliant des instruments traditionnels et des rythmes contemporains.

Le groupe, en plus de Jasper à la basse, c'est Merve Desdemir au chant, Erdinç Ecevit Yildiz au clavier et au saz - luth turc à manche longue -, Ben Rider à la guitare, Daniel Smienk à la batterie et Gino Groeneveld aux percussions. Il y a aussi la participation de Nic Mauskovic, connu pour son autre projet, The Mauskovic Dance Band - que l'on peut décrire comme de l'électro-disco tropicale aux accents afro-caribéens. Sans oublier une petite dose de psyché bien sûr. À quand la néo-cumbia post punk ?

Revenons-en à Gece.“Yolcu”, bien psychédélique, pose les bases de l'album. “Vay Dünya”, au tempo rapide, avec la voix de Erdinç Ecevit Yildiz et la batterie de Nic Mauskovic, donne envie de se déhancher au son d'un synthé bien funky. “Leyla”, avec Merve Desdemir au chant, revient sur un psyché subtil, les percussions en arrière-plan faisant toujours leur petit effet sympathique. Mais point besoin ici de vous faire le tour complet l'album, on vous laisse découvrir redécouvrir l'âge d'or du rock anatolien avec cette pépite qui réussit en plus à nous surprendre une deuxième fois. Cette fois-ci, le synthé est moins timide que sur l'album précédent et amène un aspect cosmique, notamment sur le groovy “Kolbasti” ainsi que sur le génial “Süpürgesi Yoncadan”, concluant Gece avec perfection.

La musique d'Altin Gün, c'est un bar enfumé, coloré, où l'on écoute du psyché turc en refaisant le monde jusqu'au bout de la nuit et où tout le monde danse et tourne sur la voix chaude et sensuelle de Merve Desdemir. Et ça tombe bien, Gece, en turc, ça veut dire nuit. Son écoute est une expérience intersidérale, rafraîchissante, qui vaut d'y pencher ses deux oreilles. Le groupe nous emmène sur les rives du Bosphore et ont, de par leur style et leur manière, transcendé le rock anatolien.