Le Cargo !

Exilophone cultive l'harmonie humaine

Julien Ribrault — 2019-04-08T11:31:59Z

Créée en avril 2018, la jeune association Exilophone s'est donnée pour mission de rapprocher populations en exil et habitants locaux autour d'évènements artistiques, en France et à l'étranger. Un projet prometteur qui porte déjà ses fruits humains et culturels.

Rassembler populations exilées et locales autour de l'art, tout en les mettant sur un pied d'égalité : voilà quelle était l'ambition d'Emmanuelle Stein lorsque, après cinq années de travail sur le terrain auprès de réfugiés, elle créait l'association Exilophone en avril 2018. Son ambition a désormais pris forme, car l'équipe d'Exilophone, composée d'une dizaine de bénévoles, organise depuis près d'un an des ateliers de pratique artistique, des concerts, ou encore des sorties et médiations culturelles. En France et à l'étranger, ces évènements sont organisés main dans la main par des personnes en exil et des habitants locaux.

Passionnée de musique, la présidente de l'association met l'accent sur l'aspect mutuel des échanges : "ce n'est pas seulement une aide matérielle où nous occidentaux aidons les réfugiés, explique Emmanuelle Stein au Cargo. Ce sont eux aussi qui vont apporter des choses aux personnes locales." Les évènements organisés prennent ainsi une dimension de voyage artistique à travers le monde. Comme lors du World Jam Exilophone, un concert sur la Péniche Anako à Paris en octobre 2018, où se sont succédé tour à tour des musiciens d'Afrique, d'Amérique Latine, d'Europe ou encore du Moyen-Orient. "Cela a permis au public de faire un petit tour du monde en l'espace de deux heures," nous décrit-elle.

Premiers pas

C'est en République Démocratique du Congo, le 29 avril 2018, qu'a eu lieu le premier évènement porté par Exilophone. Il s'agissait alors d'ateliers de danses latines destinés à une soixantaine d'enfants "exilés de leurs foyers" ; les enfants des rues de Kinshasa. S'en sont ensuite suivis, en France, des ateliers participatifs de théâtre, de danse et de percussions en collaboration avec l'agence des Nations Unies pour les Réfugiés, un atelier de musique et de chant avec la Philharmonie de Paris, ou encore des sorties culturelles au Palais de Chaillot, à l'Opéra-Comique et au Centre National de la Danse. Exilophone a également participé à l'organisation d'un concert au Palais de l'Immigration avec le We Free Project, une improvisation entre plusieurs musiciens exilés.

Par ailleurs, l'association a proposé en décembre une soirée thématique avec des doctorantes et des femmes exilées sur le sujet des travailleuses migrantes domestiques. Une soirée plus académique correspondant à un volet que les membres d'Exilophone souhaitent développer. Léa Da Lage, qui travaille en tant que coordinatrice de projets, nous explique : "L'association a voulu créer un volet opérationnel pour mettre en place des activités, et un volet recherche pour mettre en avant des travaux scientifiques sur des problématiques qui touchent Exilophone". L'activité recherche n'en est pour l'instant qu'à ses prémices, mais elle a déjà une influence sur le choix des activités opérationnelles, notamment sur les problématiques qu'elles soulèvent.

Genèse

L'idée de monter une association comme Exilophone a germé en 2017, alors qu'Emmanuelle Stein donnait des cours de musique à la Maison Orange à Athènes, un centre d'hébergement pour réfugiés (elle a partagé son expérience dans un article au HuffPost). Là, elle remarquait que les personnes issues de différentes communautés – congolaises, iraniennes, grecques, etc. – avaient parfois des préjugés envers ceux des autres communautés. Mais, raconte-t-elle, "au moment où on faisait de la musique, tous ces gens-là se rassemblaient, devenaient presque amis, et c'était fort". Ce fut comme un "déclic" et, quelques mois plus tard, elle s'est associée à Marina Liakis et Tinou-paï Blanc, deux anciennes collèges dans son travail auprès des réfugiés, pour donner naissance à Exilophone.

La musique a ainsi occupé une place centrale dès la genèse de l'association, ce qui transparaît dans son nom. "C'était très important de mettre la musique au premier plan, parce qu'avec la musique, il n'y a pas de problème de barrière de la langue," avance Léa Da Lage. Mais rapidement, l'incorporation d'autres formes d'art dans les activités d'Exilophone est apparu comme une évidence. "On a étendu parce que les arts en général sont assez imbriqués, abonde Emmanuelle Stein. On se rend vite compte que quand on fait du théâtre on fait aussi de la musique, on fait de la danse."

L'association étant encore jeune, il est pour l'instant difficile d'obtenir certains financements — souvent, un minimum d'un an d'activité est exigé par les financeurs. Mais "à terme, c'est très important pour nous de pouvoir rémunérer les musiciens qu'on fait jouer pour les concerts qu'on organise," insiste la coordinatrice de projets. Cela va aussi devenir important de "rémunérer certains membres de l'équipe" pour la pérennité de l'association, précise la présidente. Pour atteindre ces objectifs, elles envisagent aussi de passer par des campagnes de financement participatif.

Direction Tel Aviv

L'un des grands évènements à venir pour Exilophone cette année est un festival de trois jours au sud de Tel Aviv, du 14 au 16 juin 2019. Il aura pour but de rassembler les réfugiés et la population locale qui se trouvent dans la région. Des populations exilées principalement composées de "personnes soudanaises, érythréenes, et congolaises, mais aussi philippines et thaïlandaises, qui sont des personnes travailleuses migrantes, et également israéliennes, donc à la fois juives et arabes" détaille la présidente. Avec la collaboration de Institut français de Tel-Aviv, de la Batsheva Dance Company, une compagnie de danse israélienne, et des leaders de communautés, le festival proposera notamment des concerts, des ateliers de danse, de théâtre, de musique, de la peinture, et des projections de films africains.

Dans un futur proche, le but pour Exilophone est de "promouvoir les artistes de l'association, de pouvoir créer des interactions entre les musiciens et que de ces rencontres émanent d'autres initiatives, mais aussi tout simplement d'apporter un peu de joie et de bien-être aux réfugiés," explique sa présidente. Puis dans un futur un peu plus lointain, dans quelques années, elle vise deux objectifs : "qu'Exilophone devienne un festival itinérant, et, avec l'argent récolté, de pouvoir envoyer des instruments de musique dans les camps de réfugiés, et y organiser des ateliers de musique, des spectacles." Ainsi, l'association n'en est encore qu'à ses premiers pas. Mais en attendant la suite, on ne peut qu'être conquis par le concept, et acquis à la cause.

Photo n°1 : À gauche, Emmanuelle Stein, fondatrice et présidente d'Exilophone, et à droite, Léa Da Lage, coordinatrice de projets. Photo n°2 : Lors d'une sortie culturelle au Centre National de la Danse. Photo n°3 : Les membres de l'équipe d'Exilophone.

J.S. Ondara

Julien Ribrault — 2019-03-06T13:46:25Z

En février 2013, à l'aéroport de Nairobi, un jeune chanteur kenyan regardait sur les panneaux d'affichage les trois lettres de son aéoroport d'arrivée : MSP. L'aéroport de Minneaopolis, dans l'état du Minnesota, aux États-Unis. Ce jeune chanteur, c'est J.S. Ondara. Alors, pourquoi un musicien plein de chansons et d'ambition avait-il choisi de partir s'installer dans cette ville au climat peu clément, avec ses hivers glacials ? Pour suivre les traces d'un guide, d'une inspiration : Bob Dylan, originaire de cet état du nord du pays. Six ans plus tard, le vendredi 15 février 2019 pour être plus précis, J.S. Ondara a cristallisé son voyage personnel et musical dans un précieux album : Tales of America (traduction : "Contes d'Amérique"). Avec succès, il a capturé l'essence de la folk américaine et y a ajouté une voix puissante et tendre.

L'album s'ouvre sur "American Dream", un titre en clin d'œil à son voyage de l'Afrique à l'Amérique. La chanson accroche immédiatement, par sa touchante simplicité. Puis, lorsqu'on s'approche un peu plus près des paroles, on constate qu'elles sont particulièrement élusives. Leur sens est indistinct. Mais on est séduit malgré tout. Et finalement, ces deux caractéristiques se retrouvent dans les autres chansons. "Lebanon", par exemple, captive l'oreille. Pourtant dans une interview à la radio NPR Music (en anglais), le chanteur admet ne pas connaître le sens de la chanson, qu'il s'agit plutôt d'un flot de mots. Alors on se laisse bercer par les flots.

Retour en arrière. Pour J.S. Ondara, le conte commence à Nairobi. Dans son enfance, comme il l'explique lui-même (en anglais), il ne se séparait jamais de sa petite radio à pile. Il adorait le rock, le son des guitares fortes. Parmi ses groupes préférés, il cite Nirvana, Radiohead, ou encore Oasis. Et il chantait… tout le temps : "en allant à l'école, en allant faire des courses, avant de se coucher, au petit matin…" explique-t-il. Mais pourtant, sa famille ayant peu d'argent, il ne pouvait pas apprendre à jouer de la guitare. "Jouer d'un instrument était toujours associé à l'abondance. Seulement les gamins riches pouvaient s'offrir un tel luxe."

Mais il écrivait des chansons. Beaucoup. Il y trouvait un plaisir presque frénétique. Et il adorait la sensation que ces créations lui procuraient, car c'étaient les siennes. "Je me disais 'J'ai presque rien dans ce monde qui m'appartient, mais j'ai ces chansons'". Puis à 17 ans, il découvre Bob Dylan, et se prend immédiatement de passion pour sa musique. "Je n'avais jamais entendu de musique écrite et chantée de cette manière auparavant". Une découverte qu'il l'emmènera par la suite vers d'autres chanteurs comme Ray Lamontagne, Neil Young, ou encore Damien Rice. Alors à 20 ans, le chanteur décide de s'envoler vers les États-Unis pour faire carrière. Un pari osé, mais un pari gagné. Il apprendra à jouer de la guitare, et avec travail et persévérance, atteindra son but, avec la sortie de son album Tales of America.

J.S. Ondara a une voix envoutante, sans exagérer... On est peut-être juste un peu déçu par les paroles. Car les images sont belles, les mots sonnent, mais le sens global est trop abscons. C'est dommage dans la mesure où des paroles poétiques donnent de la profondeur à un album. Elles permettent au charme des chansons de ne pas s'estomper avec le temps. Mais si on passe à côté ce petit défaut de Tales of America, il suffit d'écouter un titre comme "Turkish Bandana", chanté a cappella, pour apprécier pleinement le talent du chanteur. Ou "Good Question", un titre calme avec une pointe de mélancolie. Et c'est difficile de ne pas être (au moins un peu) impressionné, surtout quand on se rappelle qu'il ne s'agit que d'un premier album.

Anne Paceo

Julien Ribrault — 2019-02-12T12:27:59Z

En ce début d'année 2019, la batteuse, chanteuse et compositrice Anne Paceo sortait son sixième album, intitulé Bright Shadows. Dans ce nouveau chapitre, accompagnée de trois musiciens et deux chanteurs, elle nous offre un jazz moderne, enthousiasmant, émouvant (voir notre Chronique sur Le Cargo !). Quelques jours après la sortie de l'album, elle nous a ouvert les portes de son studio de répétition parisien pour une interview.

Le titre de l'album est Bright Shadows (« les ombres lumineuses »). Dans cet album, qu'est ce qui est bright (lumineux), et qu'est ce qui est shadows (ombres) ?

Je pense que ma musique de manière générale est assez bright. Aussi il y a toujours, c'est ce que me disent les gens, une part de nostalgie. Je pense que ça doit être les mélodies, les harmonies… Ça doit être la couleur de ma musique… Et après ce qu'est shadows je pense que c'est les thématiques. Il y a des morceaux qui parlent de trucs un peu plus sombres, obscures. Je pense par exemple au morceau "Stranger", qui se met dans la peau d'un migrant. Il y a aussi "The Shell" qui est sur le fait de changer de peau, d'évoluer. Puis, j'ai fait des voyages qui m'ont beaucoup marqué, qui m'ont fait voir des choses que je voyais pas avant. C'est là qu'arrive le shadow aussi.

Entre Yokaï, ton troisième album, et Circles, ton quatrième, il y a eu une évolution assez nette, notamment avec l'arrivée de la voix… Pour toi, quelle évolution y a-t-il eu ensuite entre Circles et Bright Shadows ?

Alors entre Yokaï et Circles, j'ai fait appel au saxophoniste Emile Parisien et à la chanteuse Leïla Martial. Ma musique avait ce truc hyper solaire, et j'avais envie qu'ils apportent quelque chose de plus rugueux, de peu plus arraché. J'ai aussi fait appel à Tony [Paeleman, claviers] avec toutes ses couleurs hyper nocturnes. Et entre Circles et Bright Shadows, je dirais que j'ai poussé plus loin l'idée de "produire" – parce que sur Circles j'avais déjà commencé à réfléchir à toutes les textures, à quel synthé mettre, comment mettre les voix ici, quel son on va faire avec la batterie, quel type de micro. Et puis il y a la chanson aussi… Moi j'adore les chansons, j'adore les belles mélodies, j'adore les chanteurs. Ces dernières années, j'ai écouté beaucoup de pop et de folk. Les deux disques que j'ai écoutés en boucle c'étaient Bon Iver (Bon Iver) et James Blake (Overgrown). Donc j'ai eu envie d'aller dans cette direction tout en gardant la liberté inhérente au jazz.

Est-ce que la voix a toujours été un élément important de ta musique ?

J'ai toujours chanté un petit peu dans mes disques. Alors après ma voix elle était mixée super pas fort, ça amènait juste une espère de texture, et à chaque disque j'ai mis un peu plus de voix. Mais ça a toujours été là, parce que j'ai toujours adoré chanter. Et puis là, j'étais avec deux supers chanteurs, en studio, et ils m'encourageaient beaucoup. Aussi, quand j'étais plus jeune, il y a des trucs que je n'osais pas faire parce que je pensais au regard des autres. Et en vieillissant, j'ai pris du recul par rapport à ça. J'ai envie de kiffer, et si ça ça me fait plaisir et ça me rend heureuse, tant pis s'il y en a qui aiment pas. Et la musique c'est ce qui me rend super heureuse.

Tu as parlé de Bon Iver et de James Blake, est-ce qu'il y a d'autres voix qui t'inspirent ?

Il y a ces deux-là déjà. Après il y a une grande grande chanteuse malienne que j'adore, c'est Oumou Sangaré. A chaque fois qu'elle ouvre la bouche, j'ai des frissons. Il y a Camille qui m'a énormément émue aussi récemment, je trouve que c'est une grande chanteuse. Il y a Jeanne Added. Dans les gens avec qui j'ai bossé aussi il y a Mélissa Laveaux, que j'adore. Sandra Nkake, pareil, je la mets dans mon top 3 des plus grandes chanteuses françaises. Après j'aime beaucoup Hugh Coltman aussi. Évidemment il y a les deux chanteurs du disque que je trouve incroyables, très différents, mais ils amènent chacun un truc particulier.

Comment s'est fait la rencontre avec ces deux chanteurs ?

En fait Ann Shirley, je l'ai découverte sur Instagram. Sur le compte de la Favela Chic, il y avait une jam session soul, funk, gospel, et il y avait une vidéo avec plusieurs chanteurs. Et au milieu de ces chanteurs il y avait Ann Shirley. Et là je me dis : « mon dieu, qu'est-ce qu'elle chante bien ! ». Donc j'ai écrit à la Favela Chic pour leur demander son contact, et on s'est rencontrées. Et pour Florent Mateo, je cherchais une voix d'homme. J'ai demandé à des amis de me citer des noms de chanteurs, et c'est Leila Martial qui m'a parlé de lui. Je suis allée écouter, et j'ai trouvé ça super beau. Et donc on s'est rencontrés, pareil, super vibe, et puis voilà c'était parti. Après Tony Paeleman (claviers), Christophe Panzani (sax), Pierre Perchaud (guitare), c'est des musiciens de jazz mais ils sont très ouverts. Christophe a joué avec C2C, et Pierre a joué un moment avec Gaël Faye. Puis à côté de ça tu as une Ann Shirley qui vient de la soul, et un Florent Mateo qu'a fait du baroque et qui maintenant a un projet super électro. Il y a vraiment un mélange d'univers mais qui marche.

Le fait d'être à la fois batteuse et chanteuse, ce sont deux rôles a priori assez éloignés, qu'est-ce que ça t'apporte au niveau de la composition ?

Alors en fait quand je compose, je chante. Je chante tout. Même mes disques où c'est seulement instrumental, c'est du chant. Quand je joue de la batterie je chante. Je donne des master class de temps en temps, et je dis aux étudiants, si tu peux pas chanter, ta musique elle aura pas de sens. Quand tu chantes, t'es sûr que ce que tu joues ça a un sens.

Est-ce qu'il y a d'autres batteuses ou batteurs qui t'inspirent en particulier ?

Souvent on me demande qui est mon batteur préféré, et je dis que j'en ai pas, que j'aime un tel ou tel pour ça ou pour ça… Mais il y en a un qui est quand même mon idole c'est Brian Blade. Tu peux le retrouver dans le quartet de Wayne Shorter, ou avec Joni Mitchell, ou avec Daniel Lanois. C'est entre guillemets un batteur de jazz, mais en fait non parce que tu le retrouves aussi dans des projets pop. C'est aussi d'ailleurs un batteur chanteur, il a un disque signé qui s'appelle Mama Rosa, c'est hyper beau. En fait, c'est un chat. Il va jouer tout doucement et là il sort, il fait une sortie de ouf et il se remet, il suit, il accompagne…

La musique t'a déjà permis de beaucoup voyager. De quelle manière cela nourrit-il ta musique ?

C'est une grande influence. Déjà, il y a le vécu. Parfois quand je pars jouer, je fais des rencontres incroyables, je vais dans un lieu qui me donne la chair de poule tellement c'est beau, et donc ça me nourrit parce que c'est des émotions fortes. Et après je suis hyper curieuse des musiques qui se font partout. À chaque fois que je pars jouer à l'étranger, il y a toujours un moment où je demande où est le disquaire du coin, et je vais acheter 5 ou 6 disques de musiques qui se font sur place. Donc ça aussi c'est de l'inspiration.

Tu viens de sortir Bright Shadows à la fin du mois de janvier… maintenant c'est les vacances [blague] ? Qu'elle est ton actu en ce moment ?

Je suis loin d'être en vacances [rires à la super blague]. Je fais pas mal de concerts… On était en résidence avec Bright Shadows pour faire de la création live, puis en ce moment il y a beaucoup de promo, donc je passe pas mal de temps à faire des interviews et à gérer les réseaux sociaux. Aussi, demain j'enregistre un projet, je fais juste une journée.

Tu peux nous parler un peu de ce projet ?

Je suis artiste résidente du festival Jazz sous les pommiers, à Coutances, et chaque année je présente des créations. L'année dernière, j'ai présenté Bright Shadows. L'année d'avant j'avais présenté Fables of Shwedagon, mon projet avec les musiciens birmans. Et cette année j'en présente deux. Un premier projet, intitulé Alegria avec un guitariste et un bassiste brésiliens, et aussi avec Leo Montana, un pianiste avec qui j'ai fait mes deux premiers disques. Puis un second projet, Rewind, avec 3 MC, une guitare et une basse. Jazz sous les pommiers fait une compil tous les ans pour présenter les concerts qui viennent, et comme pour moi ce sont des projets qui n'existent pas encore, demain on va enregistrer.

Concerts à venir : lieux et dates sur le site officiel d'Anne Paceo

Lire la chronique de Bright Shadows sur le Cargo !

Bright Shadows : Ann Shirley (voix), Florent Mateo (voix), Christophe Panzani (saxophone), Pierre Perchaud (Guitare), Tony Paeleman (claviers), Anne Paceo (batterie, voix)

Anne Paceo

Julien Ribrault — 2019-02-12T12:11:37Z

Ce sont deux termes contraires, mais ce sont ceux que la batteuse Anne Paceo a choisis pour le titre de son nouvel album : Bright Shadows. Traduit en français, les "ombres lumineuses"… Et traduit en musique, cela donne un mélange enthousiasmant de batterie, de claviers, de saxophone, de guitare et de voix (au pluriel) où viennent se frotter deux genres a priori eux aussi contraires : le jazz et la pop. Mais pas que… Car certains rythmes évoquent l'afrobeat. Car certains parties vocales nous emmènent vers la soul. Et comme la batteuse l'évoque dans une interview donnée au Cargo !, le tout est enveloppé dans une ambiance à la fois solaire et nocturne.

Pour celle qui a été couronnée en tant que meilleure artiste aux Victoires du Jazz en 2016, c'est le sixième album signé de sa main. Alors que les premiers étaient fortement colorés de jazz, avec une formation de trio piano-contrebasse-batterie, les suivants ont témoigné de la mue artistique de la compositrice. Au fil des années, au fil des collaborations, sa musique est devenue plus libre et exaltante. Sur Circles, sorti en 2016, elle affichait déjà une nouvelle identité, où la voix prenait le devant de la scène. Avec Bright Shadows, entourée du claviériste Tony Paelman, du guitariste Pierre Perchaud et du saxophoniste Christophe Panzani, elle confirme cette importance accordée à la voix. A commencer par la sienne, puis par celles de deux autres chanteurs : Ann Shirley et Florent Mateo.

A la fois batteuse et chanteuse, Anne Paeco a une position privilégiée pour composer. Elle peut se projeter sur le lead comme sur la base rythmique avec d'autant plus de précision qu'elle les incarne littéralement. Puis, au centre, viennent des musiciens familiers de son univers pour avoir déjà joué avec elle par le passé. Tony Paelman utilise l'éventail des sonorités de ses claviers pour souffler un vent tantôt jazz ("Calle Silencio"), tantôt pop ("Tomorrow"), tantôt électro ("The Shell"). La guitare de Pierre Perchaud, elle, apporte ce grain de folie qui réside dans l'âme métallique de ses cordes. Puis, le saxophone de Christophe Panzani a deux personalités. Parfois il accompagne la voix avec toute sa volupté, comme sur "Jasmine Flower". Parfois, il va partir dans des solos surprenants et seyants comme sur le frénétique "Nehanda".

La conciliation des contraires que sont l'ombre et la lumière se traduit non seulement en musique mais aussi en texte. Signés par des artistes divers, dont Anne Paceo elle-même, certaines des paroles sont teintées de mélancolie et de nostalgie quand d'autres philosophent sur le changement. C'est le cas notamment de "The Shell", écrit par Florent Mateo, qui évoque la découverte de notre personnalité et la prise de conscience de son évolution. "Stranger", écrit par la chanteuse Sandra Nkaké, se met dans la peau d'un réfugié, de celui qui se voit comme "étranger". Le morceau "Nehanda" quant à lui, par son titre, honore l'héroïne zimbabwéenne de la lutte anticolonialiste Nehanda Nyakasikana. Sur une rhythmique afrobeat, qui n'est pas sans rappeler les chansons de la diva malienne Oumou Sangaré, les paroles de "Nehanda" sont construites à partir d'une langue imaginaire inventée par Anne Paceo, et que s'est appropriée la chanteuse Ann Shirley.

On aura beau l'écouter sous tous les angles, c'est bien la voix, ou les voix plutôt, qui illuminent Bright Shadows. En effet, Anne Paceo a toujours eu un intérêt particulier pour les chanteurs et chanteuses et ça se voit. Influencée par des artistes comme James Blake, Bon Iver, ou Camille et Sandra Nkaké du coté de la France, cette passion transparaît dans tous les morceaux de l'album. Et on comprend à l'écoute qu'elle se fait plaisir en composant pour la voix, et que le plaisir est partagé par ses cinq comparses. Et c'est d'ailleurs ça, aussi, qui semble porter cet album. Une bonne entente personnelle et musicale, une générosité dans le jeu et une complicité dans les compositions. Une harmonie humaine qui s'est transformée en chansons.

Me and My Friends

Julien Ribrault — 2018-12-17T08:30:00Z

A priori, la musique ne se pèse pas, comme on peut peser un sac de café. Mais si c'était le cas, celle du groupe Me and My Friends serait légère comme la mousse d'un cappuccino. Dans leur dernier album Look Up, sorti le 7 décembre, les cinq musiciens basés à Bristol nous offrent une folk fragile teintée de highlife ghanéen ou encore de roots jamaïcain. Un agile mélange porté par la voix de Nick Rasle, autour duquel on retrouve ses quatre "friends" au violoncelle, à la clarinette, à la basse et à la batterie.

Look Up est le troisième album pour le groupe, et fait suite à Hide Your Way, sorti en 2016. C'est avec ce second album qu'ils avaient affirmé leur style musical original, à la fois doux et stimulant. Et cette légèreté… Avec cinq musiciens, le risque est que l'espace sonore soit trop rempli, mais ce n'est pas le cas. Chaque partition est mesurée, précise, percutante. Une qualité perçue dès la première chanson de Look Up, intitulée "Another Lifetime", qui, grâce à la guitare finger-style de Nick Rasle, nous plonge dans le microcosme musical du groupe d'amis bristoliens.

Et au fond, on n'est pas surpris d'apprendre que cet album soit né à Bristol. Car la tranquillité des chansons fait écho à l'atmosphère paisible qui émane de cette ville de l'ouest de l'Angleterre. En parcourant les titres, on s'imagine flâner sur Gloucester Road, l'une des artères principales, avec son florilège de pubs, de restaurants, de coffee shops et de graffitis recouvrant les murs. Avec une chanson comme "Sometime", et son rythme ternaire captivant, on peut aussi se projeter sur le Waterfront, cet ancien port marchand où flottent les bateaux de plaisance, et où l'on laisse flotter ses pensées.

Côté paroles, les chansons abordent des thèmes finalement classiques. Dans "Another Lifetime", c'est celui de l'amitié. Dans "Promise Me This Much", une balade de près de 7 minutes, c'est l'engagement. "High as the Sun" quant à elle, plus tonique, presque dansante, nous parle de nostalgie… Tous ces textes s'élèvent grâce à la voix aérienne de Nick Rasle, et sont appuyés ça et là par les chœurs des autres musiciens. À l'image de la musique, les mots sont simples, mais efficaces. Ils viennent contribuer à la pureté, à cette quiétude chaleureuse, qui caractérisent le style musical singulier de Me and My Friends dans ce nouvel album.

Look Up by Me and My Friends

Gaye Su Akyol

Julien Ribrault — 2018-12-05T10:58:38Z

"Les rêves nous maintiennent en éveil et il est temps de se réveiller !" Sur ces mots, Gaye Su Akyol clôt la "déclaration de l'artiste" accompagnant la sortie de son nouvel album İstikrarlı Hayal Hakikattir, le 26 octobre 2018. Traduction : "L'imagination constante est la réalité". C'est donc avec une certaine dose de philosophie que la chanteuse turque nous présente cet album au confluent de la musique traditionnelle turque et du rock anglo-saxon. Une musique galvanisante faite pour le live, ce qui y est peu étonnant quand on apprend qu'elle sort d'une tournée internationale de 18 mois.

Du oud, du baglama, du cümbüş, mais aussi de la guitare électrique, des sons électro, des cuivres et des lignes de basses plutôt grasses : les musiciens de l'album jouent sur des instruments aussi divers que complémentaires pour porter la voix de la chanteuse, qui navigue sur les gammes de la musique turque classique. Co-produit par Gaye Su Akyol elle-même et le guitariste Ali Güçlü Şimşek, İstikrarlı Hayal Hakikattir entrelace la pop anatolienne avec le rock et le trip hop occidentaux. Une identité singulière que l'on distingue dès le premier titre, homonyme de l'album.

İstikrarlı Hayal Hakikattir by Gaye Su Akyol

La cohabitation entre les genres est particulièrement visible dans "Laziko". Le titre débute sur un rythme et des notes de surf rock, avant que la voix ne vienne apporter ses sonorités résolument orientales. Puis dans "Meftunum Sana", c'est la trompette qui ouvre le bal. Quelques notes de guitare électrique s'envolent, puis s'installe une ambiance trip hop rappelant l'univers de Portishead. Plus calme, plus acoustique, "Boşluk Ve Sonsuzluk" nous permet d'apprécier la palette d'émotions émanant de la voix de Gaye Su Akyol, qui n'est pas sans rappeler celle de la chanteuse libanaise Yasmine Hamdan. Bien que les titres de l'album présentent des styles variés, ils sont unis par cette intensité, cette impression que la chanteuse fait corps avec sa musique.

İstikrarlı Hayal Hakikattir by Gaye Su Akyol

C'est avec Hologram Ĭmparatorluğu, son deuxième album sorti en 2016, que Gaye Su Akyol a véritablement pris une dimension internationale. Une renommée qui lui permet désormais de porter ses messages philosophiques à un public toujours plus large. Ainsi, pour la sortie d'İstikrarlı Hayal Hakikattir, elle exprime dans sa "déclaration de l'artiste" l'idée que dans un monde de plus en plus chaotique, il est nécessaire de "créer une contre-réalité", et que pour cela la meilleure solution est la "rêverie constante". Critiquant la tendance de notre monde à valoriser ce qui est matériel, elle fait l'éloge de l'énorme pouvoir du rêve, avant d'ajouter : "il n'y a rien d'aussi spectaculaire et beau qu'un esprit libre". Une liberté spirituelle qui transpire dans chacun des titres de l'album.

Cold War

Julien Ribrault — 2018-11-21T19:14:58Z

Ce n'est pas exposition de photos, mais on pourrait le croire. Car le film Cold War semble moins être une succession de scènes qu'une succession de clichés qui prennent vie. Et sur ce tapis d'images ciselées s'élève une bande originale qui, entre chants traditionnels polonais et jazz du Paris des années 50, raconte une histoire d'amour dans le contexte de la Guerre Froide. Réalisé en noir et blanc au format 4:3, ce poème de cinéma a valu au réalisateur polonais Pawel Pawlikowski, oscarisé en 2013 pour Ida, de remporter le prix de la meilleure mise en scène lors de l'édition 2018 du Festival de Cannes.

Zula, une jeune femme interprétée par la prodigieuse Joanna Kulig, est originaire de la Pologne rurale. Lors d'une audition pour rejoindre l'ensemble Mazurek, une troupe de chanteurs de musique traditionnelle, elle rencontre Wiktor (Tomasz Kot), membre du jury. Les personnages, inspirés par les propres parents du réalisateur, mais pourtant fictifs, vont alors se perdre dans un amour intense. Une passion qui débute sur fond de chants polonais, dont « Dwa Serduszka » (« Deux Cœurs »), ci-dessous dans un enregistrement de la troupe Mazowsze, qui a servi de modèle pour l'ensemble Mazurek.

Cold War est en fait un film binaire. A commencer par les deux couleurs sur la palette du réalisateur : le noir et le blanc. Puis, le musicien brun et la chanteuse blonde. Les touches blanches et les touches noires du piano. Varsovie et Paris. Le bloc de l'Ouest contre le bloc soviétique. La dualité de la liberté et de l'emprisonnement. Et quand on y regarde de près, le titre lui-même, Cold War (« Guerre Froide »), est en mode binaire. Il nous rappelle que le nom de cette guerre est un oxymore. Ici, c'est aussi une métaphore pour une relation passionnelle.

Ces oppositions sont peut-être encore le plus visibles dans la musique. Car au début, les chants traditionnels polonais sont d'une morosité magnifique, et d'une fabuleuse simplicité. Le réalisateur s'amuse aussi à montrer la disposition des spectateurs pendant les concerts sous des formes géométriques, tout en lignes droites. Mais, une fois à Paris, le public des cabarets devient désorganisé, et la lascivité du jazz joue en contrepoint de la musique polonaise. Un contraste qui éclate au moment où Joanna Kulig reprend « Dwa Serduszka » dans une version jazz. La chanson a par ailleurs été choisie pour la bande annonce du film.

Que ce soit dans la froide campagne de la Pologne ou dans la chaleureuse ambiance des cabarets parisiens, la musique de Cold War est chargée d'émotion et de sens. Pawel Pawlikowski laisse les images et la musique prendre le contrôle du film. La réalité de l'opposition des deux blocs pendant la Guerre Froide est ressentie plus que comprise. Quant aux dialogues du film, principalement en polonais, ils complètent la partition avec les délicats accents de cette langue slave. Alors oui, Cold War est une histoire d'amour entre Zula Et Wiktor. Mais au fond, cela ressemble bien à une histoire d'amour entre Pawel Pawlikowski et la musique.

Camélia Jordana

Julien Ribrault — 2018-11-16T14:20:49Z

LOST, ou en français : perdu. Voilà le nom que la chanteuse Camélia Jordana a choisi pour son troisième album, sorti le 9 novembre dernier. La vraie question reste donc : se sent-on perdu à l'écoute de LOST ? Eh bien oui, bien joué Madame Jordana. Mais perdu dans le bon sens. Comme quand on se perd lors d'une balade dans une capitale qu'on ne connaît pas. Ici, on se perd dans un doux dédale de trip hop et de pop, de rock et de chanson, d'électro et de musique expérimentale. Les paroles, elles, nous emmènent de l'arabe à l'anglais en passant par le français.

Lui aussi baptisé LOST, son EP sorti en 2017 avec la collaboration de Laurent Bardaine, membre de Poni Hoax, annonçait la couleur. Après l'album Dans la peau de 2014, et les subtiles compositions de Babx, la chanteuse prenait avec cet EP un tournant plus électro, plus expérimental, plus excitant. Et elle confirme ce choix avec ce nouveau chapitre musical écrit lui aussi avec Laurent Bardaine, un album audacieux et indocile. Comme une envie de dire fuck. Ce qu'elle fait d'ailleurs littéralement à la fin du clip de « Gangster », l'un des titres phares de l'album où cohabitent passages rocks et séquences pop.

À côté de « Gangster », un titre comme « Freestyle » nous remplit de sa mélancolie hypnotisante. On ferme les yeux et on plonge dans une ambiance de fin de soirée, un peu ivre, un peu lost… « Empire » quant à elle, sur une instru non moins mélancolique, explore tour à tour les sonorités des trois langues présentes dans l'album. Et si la chanson interpelle, c'est sans doute parce que Camélia Jordana arrive à libérer pleinement la musicalité inhérente à l'arabe. Les dernières notes viennent se fondre dans le titre suivant, « Inch Allah », une polyphonie de voix, toujours en arabe, tout en délicatesse.

Petit regret. Certes Dans la peau était un album plus sage. Mais l'avantage qu'il offrait, c'est que la voix langoureuse et subtile de la chanteuse était pleinement mise en lumière. Ici, c'est la multitude de pistes vocales et les filtres qui prennent le pas. Cela a tendance non seulement à obstruer l'essence sonore de la voix, mais aussi le sens des paroles. Des textes qui, pourtant, abordent des thèmes aussi sérieux que le féminisme, le colonialisme, ou encore les violences policières envers les noirs, avec son titre « Freddie Gray ».

Le côté expérimental de l'album est en tous cas une bonne surprise. Non seulement il contribue à la sensation d'être perdu, mais il semble aussi vouloir nous emmener au bout des possibilités musicales. Comme pour libérer les chansons des frontières de la musique formatée. « Animal », par exemple, est un titre incompréhensible, mais c'est pas grave. Il s'insère très bien dans la logique de cet album illogique. Au fond, quand on se perd, on a le choix : soit on panique et on essaye de retrouver son chemin, soit on profite de cette sensation euphorisante et libératrice. Camélia Jordana a choisi de profiter.