Le Cargo !

Rocío Marquez

Juanlu Fajardo, Natalia Algaba — 2020-02-21T12:14:46Z

Rocío Marquez, née à Huelva (Andalousie) en 1985, est la chanteuse de flamenco dont tout le monde parle. Elle incarne un flamenco contemporain, innovant, ancré dans le passé mais regardant vers le futur. Elle séduit à chaque nouvel album par sa recherche artistique et sa vision révolutionnaire du flamenco.

Elle nous présente ce soir sur la scène parisienne du Pan Piper, qui affiche complet, son cinquième album Visto en el Jueves, accompagnée de Juan Antonio Suarez « Canito » à la guitare et de Agustín Diasseras aux percussions, avec lesquels elle a enregistré cet album. Visto en el jueves ( qu'on pourrait traduire par « vu au marché aux puces de Séville « El jueves ») est un album de chants flamencos (cantes) et des chansons (canciones) qui ont été interprétés par d'autres chanteurs dans le passé et que Rocío, avec l'aide de « Canito » et d' Agustín, interprète à sa façon. Ces reprises des grands de l'histoire du folklore andalou tel que Pepe Marchena, El Cabrero, Rocío Jurado, Concha Piquer… sont un magnifique voyage dans le temps, une revendication de la mémoire historique de l'Andalousie.

Mais n'imaginez pas, une chanteuse folklorique habillée d'une robe traditionnelle, Rocío, la belle blonde, est apparue sur scène toute en noire, simple comme elle est, pantalon noir et veste en cuir, et a commencé son set toute seule, a capella, en récitant et en chantant le poème de Antonio Orihuela « Llegar a la meta », huitième titre de son album. Sa voix nous fait fondre en live encore plus que dans l'album. Rocío transmet son émotion à chaque note et tout notre corps se met à frémir, nos poils s'hérissent. Ses musiciens viennent la rejoindre et tous les trois font résonner la salle tel un orchestre. Les chants flamencos et les chansons s'enchaînent. Chez Rocío, il n'y a pas de limites, il n'y a pas de frontière, le flamenco se mélange à d'autres genres de façon subtile et intelligente, et l'ensemble reste très cohérent et d'une beauté extraordinaire.

Tout au long du set, elle se montre très proche de son public et explique, en espagnol, l'histoire de ces chansons, comment elle les a découvertes, et le travail de production fait avec « Canito » et Agustín afin de trouver leur forme actuelle, une forme qui s'éloigne des fois de la racine flamenca pour s'approcher d'un son caribéen et revenir ensuite au chant « jondo ».

La mise en scène est sobre mais le trio n'a pas besoin d'artifices et nous sommes tous conquis. Le set est profond, intime et beau. Le trio parvient à donner une nouvelle dimension aux chansons et à transmettre des émotions insoupçonnées. Ainsi, les vieilles chansons, sont habillées par des arrangements de guitare riches comme la belle « El último organito » qu'elle chante avec passion au milieu de la scène derrière « Canito » ou la magnifique interprétation de « Empezaron los cuarenta », qu'elle chante presque a capella derrière les percussions d'Agustin, qui donnent de la profondeur et du mystère. On redécouvre ainsi ces airs classiques comme si c'étaient de nouvelles chansons aux sonorités contemporaines.

Et clore le set, le fandango de El Carbonerillo « Yo soy águila imperial », avec ces belles paroles « Yo quiero enseñar a mis niños a querer y a perdonar y a que luchen por un mundo de tolerancia y de paz » (je veux apprendre à mes enfants à aimer et à pardonner et à lutter pour un monde de tolérance et de paix »), fait surgir des « olés » dans le public.

Après le concert, elle reviendra dans la salle remercier son public et saluer ses amis. Son émotion est sincère et la nôtre aussi. Quelle chance de l'avoir eue à Paris, avant qu'elle ne s'envole vers les Etats Unis. Le flamenco de Rocío Marquez ne s'arrête pas aux frontières espagnoles et c'est tant mieux.

Texte : Natalia Algaba (@nat_paris)
Photos : Juan Luis Fajardo (@juanlufr/ @photo.concert)

2019 vu du Cargo !

2020-01-16T10:17:35Z

Avec le début d'année vient le temps des traditionnels bilans. Plus qu'une volonté de classement parfois artificielle, c'est surtout l'occasion de se repencher sur les bons souvenirs musicaux de l'année, les albums qui ont tourné en boucle, les morceaux qui nous ont emballés, les concerts qui nous ont éblouis, et de les partager avec vous.

(Illustration : rare document de Savannah Fazi, assistante matelote, en train de valider les choix de la rédaction.)

La playlist de nos titres préférés de 2019

La Playlist version Deezer : https://www.deezer.com/fr/playlist/...

Et maintenant la tambouille personnelle de chaque matelot : tops ou presque tops, organisés ou pas, albums, live, spectacles, sous-vêtements, on vous dévoile tout !

Renaud de Foville

Les tops de l'année 2019, évidemment il y a plein d'oublis mais voilà en tout cas quelques uns des albums, concerts, spectacles ou sessions du Cargo ! qui m'ont marqué cette année. Et cette année est l'année de Emilie Zoé, et comme Gab avec l'album de Tamino, même si son second album, The Very Start, est sorti en fin d'année 2018 c'est sur toute l'année 2019 qu'il nous aura accompagné. Et ce coup de cœur s'est totalement confirmé sur scène, en session et aussi humainement. Il est peu dire que la suite est attendue avec plus que de l'impatience.

Par classement alphabétique.

Albums

Jean Louis Bergère - Ce qui demeure
L'Envoûtante - L'Envoûtante
Idles - A Beautiful Thing : Idles Live at le Bataclan
The Psychotic Monks – Private Meaning First
Kate Tempest – The Book Of Traps And Lessons
The Young Gods – Data Mirage Tangram
Emilie Zoé - The Very Start

Concerts

Autisti au Cirque Electrique, Paris - 12/02
La Colonie de Vacances - Les Rockomotives, Vendôme – 26/10
Dalek - Petit Bain, Paris - 25/09
H-Burns - La Maroquinerie, Paris – 14/05
Idles - Route du Rock, Fort de St Père- 15/08
Ifriqiyya Électrique - Les Rockomotives, Vendôme – 26/10
Xavier Plumas - La Manufacture Chanson, Paris - 11/04
The Psychotic Monks - Le Trabendo, Paris - 28/11
Young Gods - Maroquinerie, Paris 22/03
Emilie Zoé - Le Trianon, Paris - 14/10

Sessions

Blaubird - Session #1043
Borja Flames - Session #988
Djazia Satour - Session Acoustique #999
Delaney Blue - Session Acoustique #990
Emilie Zoé - Session Acoustique #1044
Louis Jucker - Session Acoustique #1001
Red - Session Acoustique #1023
Xavier Plumas - Session Acoustique #992

Spectacles

Olivier Dubois "Pour sortir au jour" à la Scala
Master Class James Gray
"La Dernière Bande" avec Denis Lavant
James Thierré "Raoul" à la Scala
Master Class Christopher Walken

Mickaël Adamadorassy

Parmi les disques de cette année, beaucoup de bonnes choses mais pas de fulgurance, je n'ai pas trouvé un disque qui s'élèverait au dessus des autres. La liste ci-dessous n'est donc pas ordonnée... mais un peu quand même. Baden Baden a sorti un très bon disque mais il arrive après Mille Éclairs qui était pour moi un chef d'œuvre, top 10 de tous les temps. The National... je précise "court-métrage+album" car le disque seul ne fait pas sens, c'est seulement en voyant le court-métrage que j'ai vraiment commencé à apprécier l'album comme oeuvre et non comme une série de chansons avec des guests de luxe. I am Easy to Find a donc gagné sa place sur le tard, il est loin d'être parfait mais il a le talent de nombreux voix féminines magnifiques : Lisa Hannigan, Mina Tindle, Eve Owens, Gail Ann Dorsey, Diane Sorel, Kates Stables. La beauté des arrangements de Aaron Dessner. La batterie toujours inventive. Better Oblivion Community Center c'est Conor Oberst et Phoebe Bridgers en duo qui se font plaisir, une petite pépite pop sans prétention qui finalement est là pour durer.

Albums/EPs

The National - I Am Easy to Find (court-métrage + album)
Baden Baden - La Nuit Devant
Better Oblivion Community Center - Better Oblivion Community Center
Marie-Flore - Braquage
Alma Forrer - L'année du Loup
Jesca Hoop - Stonechild
Big Thief - U.F.O.F et Two Hands
Alice Merton - Mint
Sharon Van Etten - Remind me Tomorrow
Manu - L'Horizon
The Murder Capital - When I Have Fears
The Psychotic Monks - Private Meaning First

La Maison Tellier - Primitifs Modernes
Pomme - Les failles
Bat For Lashes - Lost Girls
Lysistrata - Breathe In/Out
Freya Ridings - Freya Ridings
Cherry Glazzer - Stuffed & Ready
Bandit Bandit - Bandit Bandit

Chansons

Sharon Van Etten - 17
Silversun pickups - It doesn't matter why
Pomme - Anxiété
Robi - La Bienvenue
The National, Eve Owens - Where is her head
U.F.O.F - Contact
Philippine - C'est beau, c'est toi
Freya Ridings - Lost Without you
Alma Forrer - Conquistadors
Baden Baden - Beach

Concerts

The Psychotic Monks - Le Trabendo, Paris - 28/11/2019
The Cure - Rock en Seine 2019 - 23/08/2019
Ex:Re - Le Café de la Danse - 08/04/2019
Eiffel - La Cigale -14/11/2019
Tamino - La Cigale - 06/06/2019
La Maison Tellier - Le Trianon - 15/05/2019
Radio Elvis - Le Trianon - 04/04/2019
Emma Ruth Rundle - Petit Bain - 01/10/2019
GiedRé - L'Européen - 09/10/2019
Glen Hansard - Le Casino de Paris - 27/04/2019
Catastrophe - Rock en Seine 2019 - 24/09/2019

Philippe Ache

Pas de strict classement cette année. juste une liste d'albums particulièrement écoutés, avec une légère préférence pour Divine de Maud Lübeck et Vie Future de La Féline, mais ne leur répétez pas. Et quelques belles découvertes et/ou confirmations dont Angèle Osinski, Rovski, sarah amsellem et Francoeur.

Albums

Maud Lübeck :Divine
La Féline : Vie Future
Bertrand Belin : Persona
Angèle Osinski : A l'évidence
Bastien Lallemant : Danser les Filles
Arlt : Soleil Enculé
Robi : Traverse
sarah amsellem : Miracles
Marie Flore : Braquage

Rovski : Mangroves
Lidwine de Royer Dupré : Nocturne
Francœur : D'ou vient le Nord
Pur Sang : Pur Sang

Concerts :

Catastrophe à la Maroquinerie
La Féline au Café de la Danse
Les chroniques amoureuses de Maud Lübeck
Release Party de Francoeur aux Trois Baudets.

Espoirs

Natalia Algaba

Les femmes, les femmes et toujours les femmes. En 2019 j'ai encore écouté beaucoup de musique faite par des femmes, des femmes fortes qui ne se limitent à poser leur voix sur une chanson écrite par quelqu'un d'autre mais qui composent, font la production et portent leur projet. Les nouvelles générations me laissent sans voix, comme Billie Eilish, qui à seulement 18 ans, est capable de transmettre autant de mélancolie mais aussi de force. Billie casse plein des codes et cela me donne de l'espoir sur le monde qui vient.

Albums

Cette année encore, il y a eu des albums que j'ai dévorés, écoutés sans cesse jour après jour. D'autres qui, au contraire, ne m'ont pas touchée à la première écoute (état d'esprit, stress, va savoir) et qui, des mois plus tard, m'ont fait frissonner et m'ont accompagnée par la suite, bercée, aidée. Les œuvres d'art, on le sait, ne sont pas reçues de la même manière selon notre « je » de la journée.

Voici donc, les albums que j'ai le plus écoutés et appréciés en 2019, (attention des hommes s'y cachent ;) :

Billie Eilish- When we all fall asleep, Where do we go ?
Sharon Van Etten- Remind me tomorrow
Angel Olsen, All mirrors
FKA twigs- Magdalene
Bon iver, i, i
Hugo Barriol- Yellow
Jade Bird- Jade Bird
Lana del Rey- Norman Fucking Rockwell
Shannon Wright- Providence
Kate Tempest, The book of Traps and Lessons.

Concerts

Le merveilleux album de Rosalia, El mar querer, sorti en novembre 2018, était mon top de l'année dernière. J'ai eu la chance de la voir deux fois en concert (au mois de juin au We love Green et en décembre à la salle Pleyel) et son set reste sans aucun doute le meilleur concert de 2019. Rosalía, à la salle Pleyel, est venue avec un spectacle bien rodé. La tournée « El mal querer » l'a menée un peu partout dans le monde, de Coachealla au Maroc. En un an , elle est devenue une star internationale et sur scène elle a été capable de faire taire toute la salle pour chanter a cappella le titre flamenco « Catalina », apparu sur son précédent album, au même temps qu'elle nous a fait tous danser sous des airs du reggeton ou du hip hop.

Rosalia, Salle Pleyel, 02/12/2019
The Psychotic Monks, La Maroquinerie, 11/04/2019
Royal Blood, Rock en Seine, 24/08/2019
Anna Calvi, Les femmes s'en mêlent, Le Trabendo, 06/04/2019
La Chica, FGO Barbara, 9/05/2019
Courtney Barnett, We love green, 02/06/2019
Pongo, Les femmes s'en mêlent, le Trabendo, 06/04/2019
The good, the bad and the queen, Le Bataclan, 27/05/2019
Dope Saint Jude, Les femmes s'en mêlent, le Trabendo
Odetta Hartman, le pop-up du label, 11/02/ 2019

Clips :

Billie Eillish, All the good girls go to hell
Rosalía, Aute Cuture
Louis and the Yakuza, Tout est gore
Rosalía, A Palé
Angèle, Balance ton quoi
La Chica, the sea

Gab

Techniquement l'album de Tamino est de 2018 mais il s'est imposé sur la longueur toute cette année pour détrôner haut la main tous ses concurrents directs. Même le dernier Ride aura fait les frais des tonalités orientales et de la voix troublante de ce jeune belge qui ira loin.

Albums / EPs

Tamino - Amir
J.S Ondara - Tales of America
Ride - This is not a safe place
Shannon Wright - Providence
Starving Woodchucks - White fang
Alice Merton - Mint
Cigarettes after sex - Cry
Anna Tivel - The Question

Lectures marquantes

Marie Darrieussecq - La mer à l'envers
Marc Dugain - Transparence
Chanouga - Narcisse (BD)
Laurent Binet - Civilizations
Anne-James Chaton - L'affaire La Pérouse

Hors catégorie (rattrapage) : la trilogie d'Antoine Bello Les Falsificateurs (2007) / Les éclaireurs (2009) / Les producteurs (2015)

Ben Gaston

Albums

O - Olivier Marguerit - À Terre !
Shannon Wright - Providence
Aldous Harding - Designer
Emily Jane White - Immanent Fire
La Féline - Vie Future
Michael Kiwanuka - Kiwanuka
Big Thief - UFOF
Oiseaux-Tempête - From Somewhere Invisible
Jérôme Minière - Une clairière

Concerts :

La Chica - FGO Barbara - 09/05/2019
Pongo - Les Femmes S'en Mêlent 2019 - 06/04/2019
Thomas Ospital x Baptiste Lagrave - 36h Saint Eustache - 21/06/2019
Shannon Wright - Les Femmes S'en Mêlent 2019 - 04/04/2019
O - Olivier Marguerit - FGO Barbara, Paris - 28/03/2019
Anna Calvi - Les Femmes S'en Mêlent 2019 - 04/04/2019
Lucie Antunes - Théâtre de Vanves - 22/02/2019
It It Anita - La Boule Noire, Paris - 16/10/2019
Blaubird - Le Café de la Danse, Paris - 08/05/2019
Delgrès - Fête de l'Humanité - 16/09/2019

Mathilde Vohy

2019 aura été, pour ma part, l'année des Français et quelque soit d'ailleurs la langue de leur travail. Pomme et ses failles m'ont particulièrement touchée et parlé, elle est pour moi la révélation de cette année passée. Hormis cette prédominance de chanson française et de folk, un album posthume, celui du grand Rachid Taha, fait, pour la première fois, partie de mes coups de coeur artistiques.

Albums

Pomme - Les Failles
Les Cowboys Fringants - Les Antipodes
Marie-Flore - Braquage
Isaac Delusion - Uplifters
Big Thief - UFOF
Rachid Taha - Je suis Africain
Loyle Carner - Not Waving, But Drowing
Billie Eilish - When We All Fall Asleep, Where Do We Go ?
Balthazar - Fever
VALD - Ce Monde est Cruel

Alice et Moi - Frénésie
Safia Nolin - xX3m0 $0ng$ 2 $ !ng @l0ng 2Xx
Aloïse Sauvage - Jimy
Bandit bandit - Bandit bandit
Mauvais Oeil - Nuit de Velours

Concerts

Pomme - Le Trianon - 16/01/2019
Georgio - Zénith de Paris - 15/03/2019
Gaël Faure - Paris Music Festival - 16/03/2019
Anna Calvi - Les Femmes S'en Mêlent 2019 - 04/04/2019
La Chica -FGO Barbara - 09/05/2019
GiedRé - L'Européen - 09/10/2019
Archimède - La Maroquinerie - 31/10/2019

Spectacles

Marine Baousson - Fearless
Pierre-Emmanuel Barré - Nouveau Spectacle
Océan - Chatons Violents
Aymeric Lompret - Tant Pis
Marina Rollman - Un Spectacle Drôle
Roman Frayssinet - Alors
Le Gala de Monsieur Poulpe au FUP Paris

Mélanie Fazi

Albums

Je n'ai pas assez écouté d'albums en 2019 pour établir un classement significatif. Mes écoutes ont moins été consacrées à des découvertes qu'à des artistes que j'admire et suis de longue date. Je me contenterai de mentionner, sans ordre particulier, trois albums qui m'ont beaucoup accompagnée au cours de l'année, et qui forment à eux trois une grande partie de ma bande-son de 2019. Celui de Robi, pour la justesse des émotions ; celui de La Féline, pour l'ambition du projet ; celui d'Emilie Marsh, pour le pur plaisir d'écoute.

Robi - Traverse
La Féline - Vie Future
Emilie Marsh - Emilie Marsh

Chansons

Et quelques morceaux à retenir de l'année, toujours sans ordre particulier :

La Féline - Tant que tu respires
Robi - La bienvenue
Emilie Marsh - Goodbye comédie
Clara Ysé - Le monde s'est dédoublé
Lidwine de Royer Dupré - Fées
Amanda Palmer - The Ride
SuperBravo - Nos heures
Lana Del Rey - Venice Bitch
Bertrand Belin - En rang (Euclide)
Angèle Osinski - D'ici
Maud Lübeck - L'absente
Philippe Katerine - 88%

Hugo Barriol

Mickaël Adamadorassy, Natalia Algaba — 2019-12-13T10:57:34Z

Sur le Cargo !, vous le savez, on adore Hugo Barriol et on ne se lasse pas de l'écouter. Après son concert fin janvier à La Maroquinerie on avait hâte de le revoir au Café de la Danse. A ses côtés, comme à La Maroquinerie, Diego Lipnizky à la guitare, Antoine Kerninon à la batterie et Lilian Mille au clavier et aux cuivres.

Hugo est tout sourire, ému de voir cette salle remplie de fans, amis, famille, inconditionnels qui attendaient ce concert avec impatience. Et c'est beau, touchant, émouvant. Un set bien équilibré entre moments intimes et titres plus joyeux. Un concert où le public est souvent appelé à participer, chanter, suivre le rythme… et avec des moments forts comme le début de « Waiting » chanté a capella, le solo de trompette de Lillian, où le titre « Always » chanté sans micro au milieu du public dans la fosse. En rappel Hugo nous fait une très belle reprise de « When the party's over » de Billie Eilish, toute en retenue, et le concert se termine avec le titre « On the road », qu'on avait découvert il y a quelques années dans le métro et qui l'a mené aussi loin, nous dit-il.

Quelle belle voix et quelle émotion dans l'interprétation de ses chansons. Comme ce jour où je l'ai entendu de loin dans les couloirs de la station Pigalle, j'ai eu des frissons. Merci encore pour ce beau concert !

Calexico + Iron & Wine

Natalia Algaba — 2019-11-26T13:44:36Z

Quatorze ans après leur première collaboration, le sublime EP In the Reins, Calexico et Sam Beam, le barbu qui se cache derrière Iron & Wine, remettaient le couvert avec Years To Burn, un disque de folk métisse si nécessaire à cette époque où l'on entend tant de discours de haine, de divisions et de murs à construire. Pendant des mois nous avons longuement écouté cet disque d'à peine trente-deux minutes et on avait hâte de le découvrir sur la scène de La Cigale ce 16 Novembre.

Le set a commencé très tôt pour un samedi soir : ouverture des portes à 18h30 et une première partie assurée par l'excellente Adia Victoria à 19h20, avec une salle bien remplie déjà. Tous les sièges étaient pris d'assaut aux balcons et le public, de tout âge, était bien présent aussi dans la fosse pour suivre le concert de cette jeune chanteuse et compositrice américaine, basée à Nashville et ayant un peu vécu à Paris, qui s'est adressée au public en français à plusieurs reprises, et qui nous a régalé avec son « gothic blues ».

Une fois la première partie terminée, nous assistons à la transformation de la scène en véritable set orchestral. Les instruments se multiplient : des dizaines de guitares, électriques et acoustiques, des bases électriques, une contrebasse, des claviers, un accordéon, plusieurs jouets de percussions, une batterie, des cuivres… Et enfin ils arrivent ! Joey Burns et John Convertino, alias Calexico, accompagnés de l'inimitable Sam Beam.

Sans aucun leader apparent, Joey et Sam s'installent sur le devant de la scène et vous nous offrir un duo vocal sublime, auquel viendra s'ajouter sur deux titres Jacob Valenzuela, voix hispanique qui a bien fait bouger La Cigale avec sa cumbia « Flores y Tamales » et qui nous a régalé tout au long du set grâce au son de sa trompette. Mention spéciale aussi pour Rob Burger, qui nous a délivré un magnifique solo d'accordéon. La fièvre de la cumbia enflamme la salle à ce moment-là, le public donne tout et n'hésite pas à entamer des conversations avec Joey et Sam, à suivre le rythme avec ses mains, même une fois les chansons finies, et à faire des compliments à Sam, qui ont rendu « jaloux » Joey Burns lui-même, qui blaguait « les compliments sont toujours pour toi ».

Après la cumbia, Sam et Joey sont restés seuls pour trois chansons, en mode acoustique, avec un jeu délicat de guitare. Un joli moment d'une grande finesse, auquel Adia Victoria a été invitée à ajouter sa voix. Adia et son groupe ont aussi été invités à la fin du concert pour le titre « What heaven's left », précédé de "The Crystal Frontier", classique absolu des setlists de Calexico depuis des années et ce à raison car c'est toujours un moment de fête et de partage avec le public.

Nous ressortons de la Cigale heureux d'avoir assisté à ce moment magique de connexion entre ces musiciens venus d'horizons différents, heureux d'avoir eu la chance de voir l'alchimie se faire entre deux artistes qu'on adore, pour créer quelque chose d'encore plus beau. A tel point qu'on en regrette que cette collaboration ne soit qu'exceptionnelle et que chacun s'en retournera ensuite de son côté. Avec une complicité et une complémentarité aussi évidente, espérons donc que la prochaine ne se fera pas attendre encore 14 ans.

(Texte de Natalia, photo de Cathi Mini/Abus Dangereux )

Shannon Wright

Ben Gaston, Natalia Algaba — 2019-10-25T11:35:35Z

Shannon nous a mis deux claques en 2019 : une très noise aux Femmes S'en Mêlent au printemps et une autre plus intimiste mais tout aussi intense ce lundi d'octobre.

Permettez-moi de commencer cette chronique par une confession : cette rentrée, remplie de longues et intenses journées de travail, m'a épuisée. Autant vous dire que le sublime concert de Shannon Wright au Trianon a été la pause parfaite dont j'avais besoin, une belle échappée loin de la vie frénétique parisienne. Mais je vous dévoile la fin, revenons donc au début.

D'abord le cadre : le concert, en configuration piano solo, a lieu au Trianon, un beau théâtre parisien, au pied de la butte Montmartre, du début du XXème siècle qui rend l'atmosphère d'un caractère solennel, majestueux. Dès qu'on rentre, nous croisons des amis, des têtes connues et cherchons notre siège ; on sent qu'on va assister à un spectacle bien différent de notre dernier concert de Shannon Wright lors du festival LFSM. Nous ne nous attendons donc pas à voir la torride et sauvage Shannon Wright, par terre les jambes en l'air avec sa guitare, même si, on le souhaite un peu au fond et qu'on est super contents de voir sa Jazzmaster à droite de la scène. Cependant, être assis est sans doute la meilleure façon de découvrir en live le nouvel album de l'américaine, Providence, sorti en septembre dernier et chroniqué par gab.

Après une première partie assurée par Emilie Zoe, Shannon Wright s'avance sur une scène plongée dans le noir en dehors d'une faible lumière au plafond qui découpe les contours de l'imposant piano à queue « Steinway and sons ». Habillée d'un jean bleu clair et un chemisier blanc, elle salue discrètement le public en hochant la tête et s'assoit face à son instrument tandis qu'une lumièreà contre-jour l'illumine peu à peu, créant un aura autour d'elle. L'éclairage est très beau ce soir, trois lampadaires l'entourent, recréant une ambiance intimiste idéalement conçue pour cette performance. Shannon, comme à son habitude, enchaîne les titres, habitée par sa musique, sans parler à l'audience qui reste dévouée et applaudit, alors que l'américaine, regarde timidement, sourit et on entend à peine les « thank you » sortir de sa bouche. Elle a l'air presque surprise d'entendre les applaudissements, comme si on la sortait de sa bulle et qu'elle remarquait tout d'un coup qu'elle n'est pas toute seule dans sa chambre.

Shannon, on la sent timide, cachée derrière se cheveux, mais dès qu'elle chante, elle donne tout, sa voix est tantôt douce, tantôt sauvage, tantôt tendre, tantôt enragée et elle nous emmène non seulement à travers les titres récemment composés ("Fragments" , "Somedays", "Close the door, Providence, These Present Arms") mais aussi à travers d'autres titres plus anciens écrits au piano ("Soft noise" et "Wayward" de son album précédent Division de 2017, "Bleed" de l'album In Film Sound (2013), "Defy this love" tiré de Let in the light(2007), "Avalanche" de Over the sun (2004) ou encore 'Vessel for a Minor Malady' de 2001). Qu'elle soit à la guitare ou au piano, on l'adore. Et pour les rappels on était ravis de la voir se lever et prendre sa guitare pour le titre "In the morning" (Let in the light, 2007), chanté doucement, un peu dans la retenue, s'éloignant du micro parfois et criant, et Birds ("Over the sun", 2004), chanté également sans micro, l'occasion de s'émerveiller de la puissance vocale hors pair de la chanteuse.

Le set fut un beau parcours à travers sa carrière musicale de plus de 20 ans déjà et une belle pause pour cette vie frénétique que nous menons. Shannon nous a emportés avec elle. Les yeux fermés, nous avons voyagé, frémis, frissonné. Elle nous a fait vibrer et ressentir un tas d'émotions et c'est pourquoi nous aimons la musique, et sa musique. A la fin, discrètement encore, elle a remercié le public, d'une voix presque inaudible en contraste avec la puissance de son chant. On la sent émue également lorsque le public se met debout et applaudit.

A très bientôt miss Shannon Wright.

Sea Girls

Mickaël Adamadorassy, Natalia Algaba — 2019-09-28T17:43:32Z

Après avoir enchainé les festivals, dont Reading et Leeds cet été, Sea Girls, prometteuse formation britannique se produisait pour la première fois à Paris au Pop-up du Label ce jeudi et nous ne voulions pas rater cette occasion de les voir en live. En effet, ces quatuor anglais formé en 2015 pratique n'a sorti que trois EP au compteur mais leur pop efficace et remuante semble faire mouche : tous leurs concerts de cet automne au Royaume Uni sont « sold out », de quoi attiser encore plus notre curiosité.

De nombreux fans britanniques sont réunis ce soir au pop-up du label et n'hésitent pas à le faire savoir à Henri Camamile, le leader du groupe. A plusieurs reprises, ils lui crient qu'ils sont venus d'Angleterre juste pour les voir, « vraiment ? » répond Henri. La petite salle du douzième arrondissement se prête bien aux échanges entre le groupe et le public. Henri prend le temps d'expliquer les chansons et cherche à faire réagir l'audience, fidèle, qui connaît tous les singles et chante les tubes comme "Violet", "Damage Done" ou « Call me out » qui clôt le set. Mais ce concert est aussi l'occasion d'écouter en live pour la première fois « Closer », un des derniers singles, ou encore de nous présenter de nouvelles chansons qui figureront sur leur premier album, à paraître bientôt, comme "Forever" ou "Shake".

Vers la fin du concert, Henry se lance dans la fosse et se met à chanter parmi le public qui l'embrasse, prend des selfies, chante avec lui, alors que sur scène, Rori Young, à la guitare, continue de bouger dans tous les sens, brandit sa six-cordes, la balance vers le haut vers le bas, et le duo Andrew Noswad, à la basse, et Oli Khan à la batterie, s'emballent. Et l'ensemble fonctionne parfaitement !

"Epic" crie quelqu'un dans le public à la fin. Et en effet nous avons passé un très bon moment. Un concert très "péchu" et dynamique, plein de tubes qui restent dans la tête et nous font danser, à la Two Door cinema Club. Nous avons été frappés par la voix parfaite d'Henri tout au long du set, même au milieu de l'agitation des fans enthousiastes au milieu de la fosse, une très belle voix soft et grave.

On a été chanceux de les avoir vus de si près, dans ce contexte intimiste, car nous savons que la prochaine fois qu'ils viendront à Paris, ce sera probablement sur une plus grande scène et bien sûr, nous vous conseillons de ne pas les manquer !

Slim & the Beast

Natalia Algaba — 2019-06-25T19:25:30Z

Trio pop-folk-blues franco-américain, installé à Paris, Slim and the Beast c'est l'histoire de trois passionnés de basket, surf et musique qui ont tout quitté pour vivre pleinement leur rêve : faire de la musique. Une musique très américaine, nourrie de leurs influences très sixties et seventies (The Beatles, Neil Young, Bill Withers, Marvin Gaye), dont ses mélodies vocales évoquent Crosby, Stills, Nash and Young et un jeu d'harmonica très folk Bob Dylan. Leurs chansons se nourrissent aussi bien de leurs voyages que de leur passage par la Nouvelle Orléans (10 ans pour Aaron et 4 mois pour les trois en tant que groupe), l'état le plus festif et musical de tous les États-Unis.

Malgré ces influences 60's et 70's revendiquées, leur son reste moderne, avec l'usage de pads électroniques par exemple sur scène « On écoute toutes sortes de musiques des années 60 à aujourd'hui, beaucoup de musique américaine surtout, on écoute du jazz, du hip-hop, de la soul, de l'électro » disent-ils et ils citent en vrac Mac de Marco, Tame Impala, Peter Cat Recording Company, Chris Cohen, Anderson .Paak, Tom Mish, Unkown Mortal Orquestra, King Gizzard and the Lizard Wizard, Young Gun Silver Fox, Michael Rault…

L'histoire commence fin 2015, quand Aurélien Amzallag (chant, batterie, guitare) et Samuel Lopez-Barrantes (chant, harmonica, clavier) se rencontrent sur un terrain de basket à Paris. Le basket-ball est l'élément déclencheur d'une amitié que la musique va sceller. Aurélien est français mais il a grandi à New York tandis que Samuel, dont le père est espagnol, est originaire de la Caroline du Nord. il est venu à Paris pour suivre l'amour, étudier et écrire. Les deux commencent à jouer de la musique après les matchs de basket et développent un lien solide.

À l'époque, Aaron (guitare et chant), le frère jumeau de Samuel, vit en Nouvelle-Orléans où il tente une carrière de musicien (il a même sorti un album en 2013). Il économise aussi pour rendre visite à son frère l'été suivant. « c'est ainsi que nous avons vraiment trouvé une connexion entre nous trois et que le groupe a vraiment commencé à l'été 2016 » nous explique Samuel.

A cette époque, ils écrivaient des chansons, construites en commun à partir des idées qu'ils avaient chacun de leur côté :« La première chanson que nous avons écrite en tant que duo, Samuel et moi » explique Aurélien dans un anglais avec un parfait accent américain, « c'était une chanson sur les attentats du 13 Novembre 2015, c'est plus ou moins à cette époque-là qu'on s'était rencontrés », « on jouait dans des bars à Paris, en tant que duo, sans nom de groupe encore, on était juste Samuel et Aurélien » poursuit-il. Mais un an et demi plus tard, le groupe naissant est dans une situation compliquée : Aurélien trouve un super boulot à Barcelone, tandis qu'Aaron vit toujours à la Nouvelle Orléans. Alors au printemps 2018, ils prennent la décision de tout quitter et de partir rejoindre Aaron en Louisiane pour faire de la musique : « On voulait faire de la musique ensemble, on voulait essayer, et on vivait dans trois pays différents, donc c'était un choix à faire dans la vie », explique Aurélien avec passion. Et c'est parti ! La musique était leur choix de vie.

A la Nouvelle Orléans ils composent, ils jouent dans des clubs pendant 4 mois et ils enregistrent une première démo, dans une chambre avec un seul micro. Des chansons écrites par Samuel et Aurélien qu'ils ont complétées avec l'aide d'Aaron, et d'autres chansons écrites par Aaron. Une première ébauche en mode Do-It-Yourself qui sera réenregistrée ensuite dans de meilleurs conditions : « On nous avait proposé un concert à Monaco, tous frais payés, et on a décidé de rentrer en Europe faire ce concert et ensuite aller enregistrer de façon plus professionnelle près de Barcelone pendant l'été 2018. J'avais des amis là-bas et j'ai trouvé un studio bien moins cher qu'un studio à Paris. On a donc mis plus d'instruments que ceux qu'on utilise d'habitude. Et ça sonnait comme un vrai groupe pour la première fois. Aaron joue de la guitare électrique dessus, Samuel du clavier et du piano… » continue Aurélien « Après ça, Aaron est rentré en Nouvelle-Orléans pour quelques mois, et il a déménagé définitivement à Paris en février dernier ». « J'ai toujours voulu vivre en Europe » intervient Aaron « je suis donc très content ».

Cependant Aurélien trouvait que leur son était très acoustique, très années 60 et 70 et qu'il faudrait lui donner une touche plus moderne, plus contemporaine. Il a fait appel à des musiciens qu'il connaissait à Paris, « des membres de Caravan Palace, un groupe d'électro-swing, Thomas Laverne de Pampa Folks, un groupe de folk-rock parisien, Irfane (Break Bot), un grand dj et producteur, et Yan Gorodetzky de Gush, un groupe rock parisien aussi. Tous ces mecs ont adoré notre projet et ils ont dit qu'ils seraient contents de nous aider à moderniser notre album. On a donc commencé à faire des sessions en studio avec eux et on a fini les deux singles que nous avons déjà sortis « Close to You » et « Lisbon » et il y a d'autres chansons que nous sommes en train de finir ».

Le premier single qu'ils ont sorti en mai dernier « Close to you », a été composé quand ils vivaient en Nouvelle Orléans, en 2018. « On a joué dans une soirée privée pour la sortie d'un film, dans un jardin avec les producteurs, acteurs… et le réalisateur a beaucoup aimé notre musique et nous a proposé d'écrire une chanson pour un autre film, Five Feet Apart, et c'est le scénario de ce film qui a inspiré l'écriture de cette chanson. » nous explique Aaron, qui parle doucement, de façon délicate et posée. « C'était une commande, et on l'a écrite très vite finalement » rajoute Aurélien. « C'est une chanson d'amour, très intime, très sentimentale » dit Samuel.

"Lisbon », cependant, l'autre single qui vient de sortir début juin, a été écrite bien avant, après un escape au Portugal pour surfer en 2016 et le son est très différent, plus pop, plus rythmé. C'est une invitation au voyage, qui donne envie de danser et prendre le soleil. « C'est une chanson d'été », comme ils disent « On adore le soleil, la mer, le surf ».

La rencontre avec Slim and The Beast se fait avant leur concert dans la cave d'un bar sur l'île Saint Louis, en face de la Seine. Un concert avec un public très international où ils nous ont fait découvrir leur chansons à eux (Lisbon, Close to you, Pasadena, Chemical Feelings, Tiger Eyes, Distractions, What it is…) mais aussi des covers de Neil Young ou Jimi Hendrix. Ils ont commencé le concert en mode acoustique (harmonica et deux guitares acoustiques) et dans une deuxième partie Aurélien a sorti le pad pour faire les percussions, Samuel a pris le clavier, Aaron une guitare électrique et un bassiste les a rejoint. Que ça soit en mode acoustique ou électrique, leur son est parfait, les harmonies vocales sont splendides, le magnifique jeu d'harmonica de Samuel donne un son très blues, très américain et les riffs d'Aaron, très rock, complètent ce trio plaisant, agréable et joyeux. Leur musique nous transporte en Amérique et donne envie de danser, de chanter (tout le monde a d'ailleurs chanté en mode karaoké « Close to you ») et de partir en voyage !

Aurélien, Samuel et Aaron se complètent parfaitement. Ils composent ensemble et ont une vision très claire du son qu'ils veulent offrir. Même les magnifiques visuels de la pochette et la typographie sont faits par Aaron. Un design dans des couleurs très vives qui donne un aspect très funk et positif : « C'est incroyable de pouvoir faire ça, je suis aussi graphiste, et apporter cela au groupe, c'est super ! Je suis très fier ! ». Et le nom du groupe vient du titre d'un livre écrit par Samuel en 2015 qui parle de l'amitié entre un célèbre joueur de la NBA, passionné de cuisine, nommé The Beast, et Slim, un ancien cadet. C'est un roman qui parle sur les choix de la vie d'adulte : Faire ce qu'on attend de nous ou vivre de sa passion ?. Un livre qui parle assez bien de l'histoire de ces trois garçons.

Slim and the Beast sont finalement, presque frères, animés par une passion commune, qui font tout ensemble et dont on sent la complicité aussi bien sur scène qu'en dehors. Ce sont des artistes complets : ils chantent, composent, jouent de plusieurs instruments, Aaron est aussi graphiste, Samuel écrivain… On vous conseille d'aller les écouter sur n'importe quelle plateforme musicale et surtout d'aller les voir en live !

Un premier EP sortira bientôt, en septembre, avec 5 ou 6 chansons dont les deux singles. Et leur album de début est prévu pour janvier 2020, avec 12 ou 13 titres qu'ils sont en train de produire en ce moment. Restez vigilants !

La Chica

Natalia Algaba — 2019-06-16T16:40:49Z

Il y a quelques jours l'artiste franco-vénézuélienne nous présentait son dernier clip ( ou devrions-nous dire court-métrage ?) pour le titre « The Sea », issu de son album Cambio qu'on adore. On y trouve tous les éléments de l'univers de La Chica qui nous confirment qu'elle est une artiste à part entière, qui soigne tous les aspects de son projet : la musique, l'image, la vidéo, la danse, l'esthétique, les couleurs. La Chica est une artiste globale.

Le clip est un magnifique court-métrage surréaliste, peuplé de symboles, hommages et références aux différentes cultures (européenne, latina, précolombienne) et exploitant l'univers onirique qui a tant inspiré les maîtres du surréalisme. La vidéo s'ouvre comme un thriller : un employé d'un motel aux allures mystérieuses retrouve une femme seule endormie, ou peut-être morte, dans une vieille voiture. Puis on rentre dans l'histoire, dans le trip psychédélique de cette femme qui apparaît telle la Pietat de Michel-Ange, tenant dans ses bras, non le Christ, mais sa co-équipière, ou encore telle une déesse de la cosmologie précolombienne. Mélangées aux images, nous trouvons des animations qui font référence au suicide de la poétesse argentine Alfonsina Storni, qui s'est jetée dans la mer, et qui a inspiré ce titre poétique.

Le clip a été réalisé par Kelzang Ravach et Ruby Cicero, produit par Temple Caché et co-produit par Marnie Production et, même si, grâce à la magie du cinéma on se croirait au milieu des Etats Unis, il a été tourné dans un hôtel à Lunel, près de Montpellier.

Hugo Barriol

Natalia Algaba — 2019-06-08T08:00:00Z

Baptisé Yellow, le premier album du chanteur folk français Hugo Barriol aux influences anglo-saxonnes, sortait le 22 février dernier. « Yellow », comme nous l'expliquait-il lors d'une interview, pour exprimer « chaleur, couleur, positivité », « pour ramener de la chaleur à ma musique et que cela ne soit pas trop triste » . Pari réussi : dans ce premier album, sa belle voix douce, claire et pénétrante et ses paroles mélancoliques s'accompagnent d'une rythmique chaleureuse, positive et énergique qui nous invitent au voyage et à l'évasion. Malgré des paroles mélancoliques, sur le désamour, le passage inéluctable du temps, les regrets, les peurs ou les angoisses... Yellow est un album où il faut « lire » entre les lignes car l'espoir est toujours là : que ce soit dans « M.B » ou « Oh My », titre qui ouvre l'album, dont la rythmique monte peu à peu en puissance pour éclater dans le refrain et qui invite à danser ; que ce soit dans les percussions de « Our Kingdom », dans les beaux mots d'amour de « Always » ou encore dans ce « you » du titre « Million Years », une ode à la musique et à la vie, qui est rempli de joie et d'espoir.

Cet album, Hugo est allé l'enregistrer à Londres dans le studio « The Church » d'Ian Grimble, un producteur qu'il a choisi car il cherchait quelqu'un qui comprenne sa musique, qui arrive à donner corps à ce son folk qu'il avait en tête, et Ian avait produit les albums de plusieurs groupes qu'il aime depuis longtemps, comme Mumford and Sons et Bear's Den. D'ailleurs, la guitare folk qu'on entend dans l'album est justement celle du chanteur de Bear's Den. Il s'est ainsi retrouvé à jouer sur l'album avec des musiciens qu'il écoutait depuis longtemps et qui ont su trouver ce son folk anglo-saxon qui fait que, à l'écoute de l'album, on ait l'impression d'être toujours ailleurs. Les arrangements des cordes et des cuivres sur des titres comme « Yellow Line » sont d'une beauté renversante et la mélodie au piano de « Hold my hand » nous touche au plus profond de nous-mêmes, de même que les percussions de « M.B » ou les belles cordes du Quartet Iskra Strings sur « Young » ou « Missing You » qui donnent une nouvelle dimension au format du songwriter qu'on lui connaissait auparavant, seul avec sa guitare acoustique.

Vous l'aurez compris, « Yellow » est un album dont on se lasse pas, un album à écouter sans modération.

Hugo Barriol

Natalia Algaba — 2019-06-05T14:02:31Z

On avait découvert la folk mélancolique d'Hugo Barriol fin 2015 dans les longs couloirs de Pigalle. A l'époque il était âgé de 26 ans et, accompagné d'une petite guitare acoustique, il essayait de faire découvrir sa musique et de faire une bonne rencontre qui lui permettrait d'enregistrer son premier album. Depuis, les choses ont bien évolué pour lui : il a sorti un premier EP de 5 titres "On the road" en 2017 et un premier album intitulé "Yellow" en février dernier, il a fait plein de concerts en France et à l'étranger, dont une Maroquinerie complète fin janvier, et il va bientôt se produire au festival Solidays (déjà complet) et au Café de la danse en automne prochain.

Nous avions envie de le rencontrer, de discuter avec lui de ces dernières années et de ses projets pour l'avenir, et il nous a donné rendez-vous, un lundi, lendemain des élections européennes, dans un café de Pigalle, justement. Nous avons eu le temps de parler de plein de choses : de son époque dans le métro, de ses influences anglo-saxonnes, de son rapport à la langue anglaise et française, de son album et même un peu d'écologie. J'ai eu l'impression de prendre un café avec un pote, quelqu'un qu'on connaît depuis longtemps, peut-être parce que sa belle voix m'accompagne souvent depuis la sortie de l'album. Avant de se mettre au chant et à la guitare, Hugo, originaire de Saint Etienne, jouait de la batterie, et on l'a bien senti… Si vous connaissez un batteur, vous verrez qu'ils ne peuvent pas s'empêcher de faire la rythmique sur la table avec leurs mains.

-C'est drôle que tu me donnes rdv à Pigalle parce que c'est justement à la station de métro Pigalle que je t'ai découvert, il y a longtemps. Comment t'est venue l'idée de te produire dans le métro ?

Je savais qu'il y avait des musiciens qui jouaient dans le métro, mais l'idée m'est venue quand je suis parti en Australie, et c'est là que j'ai joué pour la première fois dans le métro à Sydney. Je me suis dit que c'était cool, je pouvais chanter mes chansons, il y a des gens qui passaient, qui découvraient ma musique. Et quand je suis rentré à Paris je me suis dit que c'était le meilleur moyen de rencontrer des gens et de faire découvrir ma musique. C'était très important pour moi de ne jouer que mes chansons parce que je voulais que les gens s'arrêtent pour ma musique.

Est-ce que c'était dur de jouer alors que les gens passaient et couraient dans les couloirs ?

Non ce n'était pas dur. En tout cas c'était super quand les gens s'arrêtaient parce qu'il y a peu de gens qui s'arrêtent dans le métro. Donc, quand les gens s'arrêtaient, ça me faisait du bien c'est ça qui me permettait de tenir et de ne pas me dire « tout le monde s'en fout ».

Qu'est-ce que jouer dans le métro a apporté à ta musique et à ta façon de chanter ?

Ça m'a permis de travailler ma guitare, de travailler mon chant et ma voix, et même dans les compositions de mes morceaux, vu que je chantais dans le métro et que je voulais que les gens m'entendent, j'écrivais en chantant assez haut dès le début, pour que ça ne soit pas trop dans les graves et dans les basses et qu'on m'entende moins. Je me suis rendu compte après, mais ça a un peu changé ma façon d'écrire mes chansons pour ma voix et même pour ma guitare parce qu'avec l'ampli que j'avais, ça ne sonnait pas très bien, c'est pourquoi je ne faisais pratiquement que du picking, des arpèges. Et je chantais avec une petite guitare qui était très pratique à transporter. J'avais trouvé ce petit modèle qui sonne bien et qui n'était pas très cher. Maintenant j'en ai une autre, depuis un an et demie, un cadeau de Noël, mais je prends encore la petite guitare pour voyager, c'est très pratique, je n'ai pas besoin de l'enregistrer quand je prends l'avion. Je l'ai prise la semaine dernière pour aller jouer aux États Unis.

Tu parlais justement de cette guitare qui n'était pas très chère. Est-ce que économiquement c'était difficile ces années dans le métro ? Arrivais-tu à vivre de ta musique ?

En fait le but c'était d'essayer de sortir du métro le plus vite possible. Je n'avais pas forcément envie de rester trop longtemps, mais par la force des choses, j'y suis resté deux ans. Au début il a fallu que je fasse des rencontres, après il a fallu que j'aille en studio enregistrer et ça prend du temps… même quand j'ai eu la signature avec le label, le temps de négocier les contrats et tout ça, je suis encore resté un an dans le métro pour gagner ma vie. À la fin j'étais soulagé que cela s'arrête. Parce qu'à chaque fois je voyais le bout, et je me disais « ça, ça va me permettre d'arrêter » et puis d'un autre côté je voyais que j'avais rencontré quelqu'un, que j'étais en studio mais je jouais toujours dans le métro, j'avais un label mais j'étais toujours dans le métro donc des fois je me disais « mais quand est-ce que ça s'arrête ? ». A la fin c'était un peu plus dur.

J'avais été bouleversée par l'acoustique, elle était vraiment excellente, on entendait ta voix depuis loin. Comment avais-tu choisi cet endroit à Pigalle ?

J'avais choisi Pigalle parce qu'à l'époque j'habitais pas si loin et que j'avais mon matos avec moi : j'avais mon ampli, mon micro, j'avais ma guitare… et du coup j'avais essayé de trouver un endroit pas trop loin. Ensuite, j'ai vu le couloir et je me suis dit que c'était un bon endroit, au milieu de la ligne deux et de la douce, et en effet ça sonnait très bien et l'emplacement était libre. Il y avait juste deux sœurs jumelles qui jouaient mais, elles, en bas de l'escalier. Elles jouaient jusqu'à midi et moi j'arrivais à ce moment-là jusqu'à 14h, ensuite elles rejouaient l'après-midi et je revenais le soir, à 18h. On essayait de ne pas trop se marcher dessus. Une fois qu'on a passé le casting de la RATP on est libre de jouer aux horaires qu'on veut et à l'endroit où on veut, et moi, j'avais envie de jouer aux heures de pointe, entre 18h et 20h, quand les gens sortent du travail, pour toucher un maximum de gens.

Et ça a donc fini par marcher. Il y a un producteur qui s'est arrêté. Comment cela s'est passé ?

Quand j'ai commencé à jouer dans le métro il y a un premier producteur qui s'est arrêté en effet avec qui j'ai enregistré l'EP qui est sorti en 2017. J'ai continué de jouer dans le métro et là j'ai rencontré Marie Audigier qui était la directrice du label Naïve avec qui j'ai signé aujourd'hui. Depuis elle est partie sur d'autres projets. Mais c'est à Pigalle qu'elle est passée, elle m'a donné sa carte, on s'est rappelé quelques semaines après, elle a écouté « On the road », a eu un coup de cœur et elle a décidé de me signer chez Naïve.

Dans le métro, tu ne jouais que tes chansons, mais maintenant j'ai vu que tu commences à faire quelques covers. J'ai vu une reprise que tu as faite de “When The Party's Over” de Billie Eilish.

Oui, ça m'arrive. C'est parce qu'au début, quand tu fais de la promo, on te demande de faire des covers. Par exemple il y a deux ans je suis allé jouer chez ELLE et on m'a demandé de faire une reprise et du coup j'ai dû trouver une chanson qui me plaisait. Après j'ai dû faire de la promo dans des radios qui m'ont demandé aussi de faire des reprises, du coup j'essaye de trouver des chansons qui ne sont pas forcément ce que je fais, mais d'amener un petit peu mon son, mon truc. Et Billie Ellish, c'est une des premières chansons que quand je l'ai écouté, j'ai eu un coup de cœur immédiatement et je me suis dit que j'avais envie de faire une reprise. J'ai trouvé que c'était joli, je me suis enregistré chez moi et après j'ai l'ai aussi joué au Casino de Paris quand j'ai joué en première partie il y a quelques semaines, ( Note : il jouait en première partie de Glen Hansard). Avant je ne le sentais pas mais maintenant si j'ai envie de le faire, je me fais plaisir, je ne me pose pas de question.

Tes reprises restent quand même très personnelles.

Oui, justement c'est le but. Je trouve ça intéressant , j'ai découvert les covers quand j'avais 15 ans en regardant la Nouvelle Star avec Julien Doré qui reprenait des chansons qui en devenaient presque méconnaissables, il arrivait à amener un truc vraiment intéressant, et c'est ça qui est bien dans les covers. Quand j'en fais un, j'essaie de la mettre un peu à ma sauce.

Tu parles de La Nouvelle Star, mais je crois que tu as refusé un télé crochet, The Voice ou La Nouvelle Star n'est-ce pas ?

Oui, les deux. Il y a eu The voice en premier, ensuite la Nouvelle Star et il y a eu quelqu'un aussi de La France a un incroyable talent. Mais vu que je ne faisais pas de cover à la époque… je pense que j'aurais été très mauvais dans ce genre d'émission. Je ne le sentais pas et j'avais envie d'arriver avec mes propres chansons donc…ça voulait dire, ne pas aller chanter les chansons des autres à la télé.

Tu as donc décidé de faire ton chemin différemment, mais ça marche plutôt bien pour toi et tu as enregistré ton premier album « Yellow » à Londres. Comment passe-t-on du métro à enregistrer un album à Londres, dans une église, me semble-t-il, avec Ian Grimble ?

Quand j'ai signé on a sorti l'EP qui était prêt et enregistré depuis un an et demi. Mais je n'avais qu'une hâte, c'était de retourner en studio pour enregistrer les nouvelles chansons, car l'album je l'avais en tête depuis un long moment. Quand on ( le label, le directeur artistique) s'est demandé avec qui on allait le faire, je me suis dit qu'il fallait que je trouve quelqu'un qui comprenne ma musique. J'ai regardé les projets qui me plaisaient et le nom d'Ian Grimble est revenu plusieurs fois. On l'a contacté, il a répondu, il a écouté plusieurs démos et il est venu à Paris. Au fur et à mesure, on s'est lancé dans cette aventure, et c'est ainsi que je suis allé enregistrer dans son studio à Londres, en janvier 2018. Un studio qui est dans une pièce attachée à une église, qui donne toujours la messe. Je ne sais pas ce que cette pièce était avant, mais maintenant il y a plusieurs studios . En fait, quand je suis arrivé, je m'imaginais un studio tout neuf, et en fait non, c'est un vieux studio, ce n'est pas insonorisé comme ce que j'avais pu voir avant, il y avait une console qui date de je ne sais pas quand, mais c'est son outil et il sait comment la faire sonner, et au mur il y a des cds de groupes que Ian a dû faire enregistrer là-dedans. Il y a une atmosphère qui est assez particulière.

Comment ça s'est passé le passage de composer avec ta guitare à créer l'album ? Est-ce que tu avais déjà une idée précise des arrangements que tu voulais faire en studio ?

Je suis arrivé avec les morceaux à 95 % finis en terme de construction : le refrain, les couplets, les parties instrumentales et on a bossé trois jours avec les musiciens. On a joué les morceaux ensemble pour voir ce qui irait le mieux pour voir par exemple, si c'est la basse ou la contre-basse qu'il fallait… Sur les batteries, Ian a été très souvent à côté du batteur en lui donnant des indications sur quoi faire, moi aussi je donnais des indications, sur ce que j'avais envie, sur ce que j'avais imaginé. Pareil sur les cuivres, c'est quelque chose que j'aime beaucoup (il y en avait déjà sur l'EP), moi je chantais des trucs que je voulais que les cuivres fassent... Donc tout cela je l'avais avant, et il y a des trucs qui sont nés dans le studio quand on était en train de bosser. Au final, ce n'est pas comme quelques groupes qui vont au studio avec seulement quelques accords, moi, j'avais beaucoup écrit avant d'aller au studio et je savais ce que je voulais avoir.

Et les musiciens, tu les connaissais déjà ?

Il y a Diego Lipnizky, que j'ai rencontré quand j'étais serveur dans un bar, avant que je parte en Australie, avec qui je joue depuis longtemps, et qui est venu faire les guitares électriques à Londres. Mais sinon, c'est Ian, le producteur, qui m'a dit qu'il avait des musiciens qu'il pouvait amener sur le projet, ce qui était super, parce que je ne m'attendais pas du tout à ça. Il y avait Tommy Heap qui joue avec Matthew and the Atlas, un groupe que j'écoute depuis quelques années et que j'aime beaucoup, et le batteur c'est Chris Maas qui joue avec Mumford and Sons donc, quand j'ai reçu le message…whaouh… bien sûr…je n'allais pas dire non !

Et même après, il y a eu des cordes qui sont venus enregistrer, qui ont joué avec Stevie Wonder et il y a quelqu'un qui fait les cuivres qui a joué avec Patrick Watson. Je me suis retrouvé d'un coup avec des gens qui font partie de mes inspirations, je ne l'avais pas prévu… Même la guitare acoustique sur laquelle je joue sur l'album c'est celle du groupe Bear's Den, un groupe qui a fait ses deux albums avec Ian, que j'adore. C'est ce son de la folk que j'avais envie de faire, et on n'arrivait pas à la retrouver avec ma guitare. Ian est allé dans leur studio leur demander de nous prêter leur guitare ! Je me suis retrouvé à jouer sur l'album avec la guitare de Dave, le chanteur ! C'était assez dingue !

Et depuis la sortie de l'album en février, les concerts s'enchaînent, les interviews, bientôt le Solidays…Comment le vis-tu ?

Je n'ai pas l'impression qu'il y ait grande chose qui a changé. Je regarde vers l'avant. Finalement, cet album je l'ai enregistré en 2018, je pensais qu'on allait le sortir avant. Il est sorti en 2019. J'ai envie de défendre cet album sur scène, en France et à l'étranger. J'ai envie d'aller en Allemagne, en Angleterre, partout où il y a de la place pour ce genre de musique. En France, ce n'est pas très facile de chanter en anglais, ça me met quelques barrières, par exemple à la radio c'est compliqué, il y a des quotas et je me retrouve en concurrence avec des star internationales comme Ed Sheeran ou Beyoncé.

Pourquoi as-tu choisi de chanter en anglais ?

Je n'ai pas vraiment choisi. Il y a un truc qui fonctionne dans cette langue et qui ne sonne pas pareil en français. Même si je suis français, je suis allé assez naturellement vers l'anglais, je ne me suis pas posé la question. J'ai grandi avec mon père qui écrivait des chansons en anglais pour son groupe. C'est aussi la musique que j'écoute principalement, la musique qui me touche, dans laquelle je me reconnais, et j'avais envie de le faire dans cette langue, parce que sinon ça ne serait pas la même chose. J'avais envie de faire comme les groupes que j'aime, les groupes qui m'inspirent ce sont des groupes américains, canadiens, anglais…

Justement, je sais que tu aimes beaucoup Bon Iver. Quels autres groupes écoutes-tu ou t'inspirent ?

Il y a Mumford and Sons que j'ai découvert il y a 9 ans, il y a Bear's Den, Patrick Watson, The Lumineers, Eddie Vedder que j'ai découvert quand j'avais 18 ans avec le film Into the Wild (je lui montre le t-shirt de Pearl Jam que je porte)….mais tu vois, Eddie Wedder je l'ai découvert grâce au film Into the wild, à son projet solo, je ne connaissais pas Pearl Jam. Je suis né en 89, donc je n'ai pas connu l'époque de Pearl Jam, j'ai plutôt grandi avec Oasis ou des groupes américains comme Blink . Du coup, ce qui m'a touché chez Eddie Wedder c'est ce son folk, ce qu'il a écrit pour le film Into the Wild, ces espaces…

Et ça t'arrive d'écouter de la musique en français ?

Oui, dernièrement j'écoute Orelsan, il y a des trouvailles qui sont incroyables, dans ses paroles, dans sa musicalité… En réalité j'écoute plein de trucs, du rap, du rock, du hip-hop…je n'ai pas vraiment des limites. Il y a quelques sons d'Angèle que j'aime bien, il y a aussi Joe Bel, une chanteuse qui chante en français et en anglais … Mina Tindle que j'avais bien aimé…Et sinon, j'ai vachement aimé Gainsbourg aussi, « M » j'avais bien aimé aussi. J'écoute un peu de la musique française bien sûr, je pourrais peut-être faire un duo en français un jour…mais chanter en français…je ne sais pas…

Revenons à ton album, « Yellow », je trouve que les chansons sont très personnelles et intimistes. Est-ce que ce sont des histoires personnelles, vécues ?

C'est très personnel, oui. Ce sont des choses vécues. Quand j'écris, j'ai besoin de le sentir. Des fois l'inspiration vient et j'aime bosser vite, des fois il y une idée qui reste quelque part dans un coin et que je vais aller chercher. Quand il y a quelque chose qui me touche, il y a une phrase qui va me venir et je vais écrire par rapport à ça, c'est ça qui va me lancer. Donc, oui, toutes mes chansons sont très personnelles, je raconte soit mon histoire soit l'histoire de quelqu'un d'autre, mais que j'ai vécu aussi, parce que j'étais là, et je vais la raconter à la première personne en me mettant un peu à la place de cette personne.

Dans l'album il y aussi ce « you » qui revient souvent…

Oui. Mais ce n'est pas forcément une seule et même personne. C'est plus un lâcher, je m'adresse à plusieurs personnes, mais sans nom. Dans la chanson « Million Years », par exemple, ce « you » reste un peu ambigu, je m'adresse à plusieurs personnes. L'inspiration de cette chanson n'est pas une personne , ce sont des choses impalpables, des trucs qu'on ne contrôle pas. Mais je trouve que c'est plus fort de personnifier ces choses : la vie, l'amour, l'espoir…parce que j'ai beaucoup d'espoir. Même s'il y a des trucs qui sont inéluctables, j'ai quand même beaucoup d'espoir. Mes chansons sont un peu tristes mais j'avais envie de trouver un juste milieu entre cette personne qui est moi, heureux de vivre et plein d'espoir, et cet autre moi qui est plus mélancolique dans les chansons que j'écris.

On le sent, en effet dans l'album. Il y a des chansons dont les paroles sont très mélancoliques mais la musique est très rythmée.

Oui, justement, c'est ce que je voulais trouver dans cet album : essayer de faire quelque chose de pas trop triste qui reflète qui je suis mais toujours en gardant ce que j'aime dans la musique. Je ne voulais pas faire quelque chose de trop lourd, de trop noir, de trop sombre. Je voulais un juste milieu. Je trouve qu'il y a de la beauté dans la mélancolie mais, par exemple, chez Bon Iver je trouve qu'il y a un juste milieu.

Le mot « Yellow » revient plusieurs fois. Il y a le titre de l'album, la chanson « Yellow Line », et aussi dans la phrase « you give me yellow in all my sound » dans le titre « MB ». Pourrais-tu nous dire un peu plus sur le sens de ce mot pour toi ?

J'ai appelé l'album Yellow, parce que j'avais envie dans cet album de ramener un peu de couleur et de chaleur à ma musique, que ça ne soit pas trop triste, comme je te disais. Donc Yellow pour dire chaleur, couleur, positivité, la lumière… Et puis, pour la chanson « MB », elle a été co-écrite avec ma copine. On a co-écrit deux chansons. Cette chanson est inspirée de quelque chose qu'elle avait écrit il y a quatre ans et que j'avais trouvé très fort. Il y a une autre chanson qui part d'un poème qu'elle m'avait écrit, et quand j'étais en train d'écrire l'album je lui ai demandé de le continuer en me parlant à moi. Ces deux chansons sont restées finalement.

Quelle est ta chanson préférée de l'album ?

Il y a la chanson « Oh my » qui est arrivé sur la fin, juste avant d'aller à Londres, le label m'a demande d'écrire « la chanson »… du coup j'étais un peu à court d'idées et c'est là que je me suis inspirée de l'histoire de quelqu'un d'autre mais que je chante à la première personne. Et au final, « Oh my » est née et je trouvais beau d'avoir réussi à sortir quelque chose que je n'attendais pas. Je pense que c'est une de mes préférées même s'il y a « Hold my hand » aussi, quand je l'ai entendue au piano… ça m'a fait quelque chose d'assez particulier.

Je vois que tu es très actif également sur les réseaux sociaux, tu fais beaucoup des storys, tu es très en contact avec ton public. Est-il nécessaire aujourd'hui d'être toujours présent sur les réseaux sociaux ? Fait-il partie du travail d'un artiste ?

En fait, je trouve cela très bien les réseaux sociaux, il y a des gens qui s'abonnent à toi, qui sont intéressés. Tu t'adresses à des gens qui sont là, a priori, parce qu'ils aiment ce que tu fais. Et puis il y a les gens aussi que je suis, des mecs dont j'adore regarder leurs storys parce qu'ils me font rire. Je trouve que c'est un moyen aujourd'hui indépendant pour dire ce qu'on a envie de dire, pour essayer de toucher un maximum de gens, mais moi je me mets encore vachement de barrières, je ne me sens pas encore tout à fait à l'aise, j'essaie de plus en plus…Mais de prendre ton téléphone et commencer à parler…je me juge encore… J'aimerais être comme certains gars que je regarde et qui me font marrer. Mais je pense que c'est moi tout seul qui me met des barrières, il faudrait que je me calme un peu… Je pense que ça reste un bon moyen de toucher un maximum de gens, comme quand j'étais dans le métro, je veux être là si jamais quelqu'un passe. Et surtout, ce que j'aime c'est la proximité avec les gens aussi, ça s'est cool ! ça m'a permis de rencontrer des gens aux États Unis récemment, un mec qui fait de la vidéo et qui est super talentueux, avec qui j'ai passé du temps à LA et qui sait ?, un jour, on pourra peut-être faire quelque chose ensemble…

Est-ce que tu as le temps de composer de nouvelles chansons entre tout ça ? Quelle est la suite pour toi ?

Oui, aujourd'hui avec Spotify et ce genre de plateformes, on peut sortir un son comme ça sans avoir besoin de retourner en studio pour enregistrer un album complet. Moi, je continue d'écrire, j'ai en gros, la moitié d'un nouvel album, avec plein de chansons que, pour le moment, j'aime beaucoup…peut-être que dans un mois je me dirais qu'elles ne sont pas aussi bien que ça… (rires). J'aimerais bien retourner donc en studio enregistrer une et pouvoir la sortir dans quelques mois. Et puis, la suite…c'est aller faire des concerts, essayer de voir si je peux jouer à l'étranger.

Et en parlant de Spotify, on arrive encore à vendre des disques ?

Non, plus beaucoup. J'ai l'impression qu'il y a encore quelques rappeurs qui arrivent… même moi, je n'achète plus des cds, je n'ai même plus de lecteur cd chez moi…Le cd n'est plus trop l'avenir j'ai l'impression. Aujourd'hui ce que les maisons de disque regardent c'est le nombre de streams sur Spotify ou Deezer. Mais c'est cool parce que pour le moment il y a plein de plateformes qui me soutiennent, mes chansons sont sur des playlists chez Spotify, Deezer ou itunes.

Une dernière question par rapport aux élections européennes d'hier soir, car tu avais mis dans ta story hier une photo qui invitait les gens à aller voter, et voter pour la planète. Envisagerais-tu de faire une chanson sur l'écologie un jour ? Est-il important, de ton point de vu, d'utiliser les réseaux pour lancer des messages engagés ?

Je ne parlerais pas vraiment d'engagement par rapport à ce post…C'est la première fois que je le fais. Mais c'est peut-être bien de partager ce que tu penses être bon, mais de là à en faire une chanson… je ne sais pas trop… Mais « Million years » c'était un peu dans ce sens-là, c'est ce qui m'a inspiré, avoir l'espoir que la Terre sera toujours là dans des millions d'années, tout ce qui nous entoure, l'amour, la vie... Après, j'ai un peu de mal avec la politique … surtout en ce moment, c'est un peu fou tout ce qui se passe dans le monde…Le seul truc qui m'intéresse c'est les personnes qui veulent défendre la planète. S'ils ont envie de défendre la planète, c'est qu'ils ont un bon fond.

C'est une jolie phrase pour terminer cette interview. Merci beaucoup Hugo.

Photos : Ben Gaston
Interview : Natalia Algaba