Le Cargo !

dj shadow

octane — 2002-05-12T11:49:00Z

Panic room

octane — 2002-04-24T00:00:00Z

claustro

avec fincher, point de parties de pêches, ni de ballades à cheval le long d'un court d'eau tranquille dans le montana. david fincher, citadin dans l'âme, s'envisage plutôt comme un pure et dure de la parano claustro, de préférence de nuit et sous la pluie. a la vue de son cinquième long métrage, il saute aux yeux que fincher est bien l'homme de l'amérique qui craint pour ses fesses. le seul qui ait envisagé le drame du wtc sérieusement, avec ses explosions d'immeubles entrecoupées d'images subliminales (fight club en 99). l'un des rares à avoir à peu près rendu sérieux le personnage du psychopathe lorsqu'en 95 il transformait keyser soze en john doe, confirmant kevin spacey comme l'un des plus brillants acteurs de sa génération dans seven. celui enfin qui aura donné par deux fois la vedette à brad pitt, des costards sur mesure, aussi bien en détective paumé dans le second qu'en leader charismatique dans le premier. pour s'entraîner à filmer la claustrophobie, fincher avait commencé avec un épisode d'alien : pour certains le meilleur, pour les autres le troisième.

peur bourgeoise

panic room est avant tout le plaisir de revoir la francophile/phone jodie foster dans un vrai rôle de proie. celui qui lui va le mieux, qu'elle porte en tout cas avec le plus de force et de panache, et en l'occurrence il fallait au moins elle pour ne pas nous donner envie de quitter la salle passée la première demie-heure. il faut lui reconnaître qu'elle est plus crédible en victime survivante-mais-jamais-hystérique qu'en nell ou dans ses comédies familiales. forest whitaker, lui, est comme dans ghost dog. impérial. mais attention on n'est pas ici dans un onecouple show. le principal acteur, le véritable méchant est bien la maison, avec sa prison intégrée.

déjà vu

on repense furtivement au récent the glass house, mais le souvenir ne résiste pas aux plans serrés de fincher, qui fait suinter la peur bourgeoise des murs de cet intérieur bourgeois new-yorkais. mais alors où est le problème me direz-vous ? qu'est-ce qui fait que l'on n'est pas complètement satisfait du résultat de ce huis clos pourtant si prometteur. peut-être attendait-on trop de fincher, en tout cas plus qu'un exercice de style dont l'impression de "déjà vu" ne nous quitte pas près de deux heures durant ? a trop vouloir réduire le lieu, pour le rendre plus entêtant (une logique hollywoodienne implacable, presque marketing), fincher ferme les yeux sur tout ce qui ne l'intéresse pas, au bout du compte sur l'essentiel. peut-être y a-t-il un malaise à voir fincher se vautrer dans ce thème très étroit de la peur du blanc... ou du noir... vouloir toujours affoler le bourgeois, au point de ne plus observer que par le petit bout de la lorgnette. résultat un scénario carrément tiré par les cheveux au début, qui se rattrape à peine dans son déroulement. de même qu'il est franchement difficile d'entrer dans la chambre forte, le plus difficile est bien d'entrer dans cette histoire.

Resident evil

octane — 2002-04-03T00:00:00Z

périssables

resident evil est un mastodonte énorme qu'on a failli laisser passer dans la jungle des superproductions américaines de l'hiver, comme dans celle des adaptations de jeux vidéo pour le grand écran ces dernières années. paul anderson réalise un chef-d'œuvre et donne ses lettres de noblesse à un genre qui stagnait un peu (tomb raider fut une franche déception). toutes les phases symboliques du jeu vidéo ont réussi à être intégrées dans un film d'anticipation qui va chercher autant du côté de neuromancer (on attend avec impatience des nouvelles de l'adaptation de l'œuvre culte de william gibson par chris cunningham) que de maurice dantec. le réalisateur des périssables mortal kombat ou soldier remporte haut la main un pari difficile. sans doute le jeu de capcom, qui relança le genre "survival horror" (zombie dans les années 80), a-t-il sa part dans cette réussite. il était en tout cas méchamment cinématographique.

tricks

premier point fort : l'identification à l'héroïne marche au-delà de toute espérance. d'abord, celle-ci est amnésique, tout comme le joueur démarrant une partie, par définiion, qui va peu à peu apprendre à se connaître, et face à la montée de l'adversité découvrir ses pouvoirs. telle la marie zorn de babylone babies, "alice" jovovich ignore quel secret elle porte, mais elle le porte avec classe, sans peur. milla n'en fait ni trop ni trop peu. sublime en froideur virtuelle et intelligence pragmatique, elle est née pour incarner le virtuel. et pourtant il y a de quoi devenir fou. les "tricks" sont diaboliques, à l'instar du laser du début du film : séquence diaboliquement gore, mais rappelons que le jeu l'était lui aussi pas mal.

matrice

on notera également que les apparitions des méchants ont quelque chose de maladroit, semblant répondre à une logique aléatoire - tout comme dans le jeu. cet aspect très « mécaniques » alimente les morts-vivants en crédibilité. la force de r.e. est définiivement le dosage parfait entre adaptation de vidéogame et film de genre traditionnel, auquel les concepteurs du jeu avait eux-même emprunté. les liens entre cinéma et videogames mériteraient décidément des thèses entières, tellement ils sont complexes. un premier chapitre vient ici d'être écrit. et paul anderson a fait simple, ultra-simple, et ultra-efficace. on retrouvera également l'interface du jeu, gageure de plus parfaitement maîtrisée au moyen de petits habillage digitaux qui rappellent que le méchant en chef est une matrice. neuromancien n'est pas loin, le cinéma d'anticipation est entré dans une nouvelle phase : l'a.i. superstar, le cyberespace restitué dans toute sa splendeur. on attend le second épisode.

Astérix et Obélix - Mission Cléopâtre

octane — 2002-01-30T00:00:00Z

rupture dans la comédie

"allez, il faut rentrer maintenant, c'est fini, vous avez bien un chez vous !" c'est ainsi qu'alain chabat le magnifique conclut le générique de son péplum à 50 millions d'euros. ultime signature d'une œuvre quantitativement colossale, et dont chaque gag porte son label, sa griffe de gros ours mal léché du comique français d'avant-garde (rendons-lui cet hommage). tout le monde ici est connu, se connaît et s'amuse, et ça se sent. mis à part peut-être clavier et depardieu, décalés malgré eux. c'est là la force de chabat, dont le deuxième film - didier date de 97 - officialise une rupture dans la comédie à la française, substituant d'un coup d'un seul une ribambelle d'individualités fortes au traditionnel duo comique type bourvil/de funès.

au péril de notre santé

mais voici avant toute chose l'information, celle qu'au péril de notre santé nous sommes allés chercher à 9h du matin, afin de vous faire gagner du temps. si vous êtes indécis, gagnés ou gagnables à la cause, à la faveur d'un buzz qui annonce un film irrésistible, si vous êtes de ceux-là, restez chez vous ou allez voir un autre film : mission cléopâtre n'est pas inévitable, loin s'en faut : l'ensemble est lisse, pas de plans très originaux, pas assez de rythme, peu d'astuces réellement inventives (les yeux dessinés dans la pyramide ?). rien que jean yanne (2 heures moins le quart avant jc), gotlieb ou les nuls n'aient déjà fait. conventionnel, fédérateur, on peut à la rigueur voir mission cléopâtre en famille.

déphasage massif

toutefois, rendons à césar... il peut arriver que l'on se bidonne, il n'y a aucune honte à cela. chabat reste le père spirituel de la génération objectif nul. la participation de chantal lauby illustre parfaitement comment on peut, dans un film à 50 millions d'euros, surprendre avec une blague à dix centimes ("je suis là/je disparais/je suis là, etc..."). de même, le free-style de l'ex-co-leader de la grosse boule sur le mode habituel ("la vie c'est avant tout des rencontres, des coups de cœur, etc...") aura sans doute contribué au déphasage massif du tandem christian/gérard. jamel et son amstérixme "fonctionnent" eux aussi à merveille. il restait une grosse question : mais où est donc passé dominique farrugia ? on sait maintenant qu'il a définitivement quitté la sphère artistique... c'est bien dommage.

The navigators

octane — 2002-01-02T00:00:00Z

paradis néo-libéral

avec the navigators, ken loach nous promène dans la sphère sociale. Ça ne fait pas de mal, ça recadre. et ça fait réfléchir sur l'angleterre paradis néo-libéral, où il est dit-on si facile de monter son entreprise à moindre frais. une angleterre où le travail intérimaire a été élevé au rang d'idéal économique par les dirigeants, et où le monde ouvrier tente tant bien que mal de survivre. en l'occurrence les travailleurs du rail subissent avec une bonne humeur potache la privatisation, et découvrent les joies de la concurrence entre les nouvelles compagnies qui se partagent le cadavre. ça nous arrivera aussi, mais qui le filmera aussi bien ? car ken loach (raining stones, the flickering flame...), à l'instar de stephen frears (the snapper, the van), se permet de parler de société sans jamais lâcher un pouce au cinéma.

la bête humaine

on n'est assurément pas dans le registre documentaire, et pourtant... chez loach, on s'intéresse avant tout à l'humain : la caméra, au moyen de plans serrés, parfois inconfortables, se doit d'être en permanence au plus près de la personne. c'est du réalisme économique, les peaux sont pâles, les regards nostalgiques, les cernes et les joues creusées, les tenues des cheminots couvertes d'excréments, et si on danse en boîte, on transpire. la bête humaine au travail, victime d'un système qui l'écrase, prenant sa revanche en accaparant la plus grande surface possible à l'image. une question taraude cependant le spectateur à la sortie de ce trip pluvieux et mélancolique : ken et ses survivants ne gagneraient-ils pas en lisibilité de leur message en y adjoignant une touche de légèreté, un élément positif de temps en temps ?

en angleterre

par exemple, une femme serait célibataire mais sans enfant à charge ; on verrait certains personnages sourire au moins une fois pendant le film ; ou encore, la lâcheté face à la mort pourrait se racheter juste avant la fin du film, histoire de conclure sur une touche d'optimisme. bien sûr l'écueil serait de tomber dans la comédie sociale, plus à la frears, un propos intéressant, certes, mais différent. sans aller jusqu'à cette extrémité, disons qu'il y a un monde entre le comique et le tragique. en même temps, on est en angleterre.

Le seigneur des anneaux : la communauté de l'anneau

octane — 2001-12-19T00:00:00Z

au rabais

entendu à la sortie du mk2 : "vraiment super bien fait !". entendu cent mètres plus bas : "franchement tu as du mal à y croire, dès le début..." alors pour trancher une bonne fois pour toutes ce petit débat, on dira que film est assez bien fait, dans la mesure où à aucun moment le micro n'apparaît dans le cadre. Ça paraît infime comme détail, mais c'est important car d'aucuns, esprits chagrins, prétendent que cette trilogie a été tournée au rabais : 130 millions de dollars pour trois films, soit un tournage d'un an en une fois. ceci dit, c'est vrai que ce budget est loin d'être excessif au regard du résultat, peter jackson surclasse du premier coup très largement lucas. gans est hors course, avec ses glissades dans la boue montrées au ralenti.

documentaire-hommage

le scénario n'est cependant pas de jackson, il est de john ronald reuel tolkien. ce dernier, après avoir été traducteur de la bible (il maîtrisait plus d'une quinzaine de langues, vivantes ou mortes, et en inventa le même nombre), a vendu à peu près de 140 millions de livres - mais pas de son vivant puisqu'il est mort en 73 et que c'est à son fils que l'on doit sa publication. et aura fédéré avec cette œuvre les amateurs d'heroic fantasy, l'autre pilier du genre étant conan le barbare, de robert e. howard, porté à l'écran avec schwartzy en 82 par john milius. peter jackson n'était pas forcément, au départ, le mieux placé pour adapter ce pavé. on se souvient d'avoir connu nos premiers fou rires gore sur bad taste (87, un film qui coûta le prix d'une boule de ficelle), renouvelés en 92 avec brain dead. en 96 il tourne un documentaire-hommage au génial cinéaste néo-zélandais colin mckenzie (forgotten silver), tombé depuis trop longtemps dans l'oubli : il avait pourtant fait un film parlant dès 1908, et introduit la couleur dans son art en 1911. le problème est qu'aussi génial qu'il fut il reste fictif.

chef-d'oeuvre annoncé

tout ça, c'est de l'humour, or l'humour dans l'anneau, à l'exception d'une subtile référence au lancer de nain, il n'y en a pratiquement pas. et pourtant, c'est efficace. bien sûr le battage médiatique est lourd, la compétition avec harry potter donne l'impression que la marchandise ne vaut que son poids de spectateurs, mais il faudra reconnaître que jackson plait à la critique chez nous. les salles sont pleines qui plus est, ce qui ne gâte rien. ce succès annoncé, le cargo ne le rabaissera pas. c'est beau, c'est grand, c'est tendre, c'est bien raconté. Ça dure trois heures quand on a l'impression d'être resté une heure dans la salle. pas de trop grosses ficelles, peu de distance par rapport à l'œuvre (pas assez disent certains...), pas de superflu. bref, la communauté de l'anneau est le chef-d'œuvre annoncé, et de manière évidente la super production de l'année.

Time and tide

octane — 2001-12-12T00:00:00Z

prononciation exacte

avant toute chose, lorsqu'on parle de tsui hark, il est bon de savoir que la prononciation exacte du patronyme du cultissime réalisateur vietnamien émigré a hong kong est "choy hock". ceci posé, rappelons brièvement que tsui n'est pas un inconnu pour le petit monde des fans de kung-fu comédies, ceux qui savent dans quels vidéo-clubs se procurer du hk en vo. si jet li lui doit une partie de sa renommée (avec la saga de wong fei-hung, il était une fois en chine), le cinéma cantonnais lui doit ses plus spectaculaires et oniriques chef-d'œuvres : histoire de fantôme chinois, zu - les guerriers de la montagne magique, les swordsman.

le patriarche

avec toujours une bonne touche de violence, par-là même où il commença, avec ses histoires de cannibales. plus récemment on lui doit une excellente comédie culinaire - le festin chinois en 95, gros succès - et deux petites machines hollywoodiennes (knock off et double team, avec van damme), qui semblent, en plus d'avoir été des bides, lui avoir ôté toute envie de travailler en amérique. l'antithèse d'un john woo, qu'il révéla en produisant le syndicat du crime, par le biais de film workshop, la société qu'il monte en 84 (suivra une division effets spéciaux, cinefex workshop). et ce n'est pas le seul qu'il ait lancé, hark est incontournable à hong kong, c'est le patriarche. il livre ici un polar dans la tradition duel au pistolet sur paroi d'immeuble de dix étages. avec explosion en prime. si time & tide déçoit, ce n'est certainement pas sur la forme : un montage à deux cents à l'heure, truffé d'effets visuels parfois surprenants.

sans queue ni tête

des acteurs efficaces et drôles, rôdés aussi bien au scènes d'action qu'aux petits effets "manga" (l'équivalent de notre comique de situation). une bonne dose d'humour et, contrairement à ce qu'on a pu entendre ça et là, une b.o. à peu près à la hauteur. la réalisation est donc bien à la hauteur, mais qu'en est-il du fond ? un scénario sans ni queue ni tête, et qui pêche définiivement par le manque d'approfondissement des caractères, voire l'absence totale d'émotion. ça commence pourtant bien, avec cette bande de potes qui monte, au flan, une agence de gardes du corps d'opérette, complètement incompétents. malheureusement l'intrigue se liquéfie rapidement, et l'on tourne vite en boucle, autour d'un duel gentil-gentil et d'un héros transparent (dont la principale activité consiste à chercher à être pris au sérieux, ce à quoi il ne parvient jamais vraiment), au détriment des autres protagonistes : un synopsis poussif et frustrant, qui ne fait pas avancer le film. au final un clip, avant-gardiste certes, mais sans réel intérêt.

quincannon

octane, Renaud de Foville — 2001-12-01T00:00:00Z

Formation française, chantant en anglais, signée sur un label suisse et important dans son monde décalé des influences qui fleurent bon les Amériques sécessionnistes, Quincannon est souvent là où on ne l'attend pas. Comme le prouveront les lignes qui suivent. Au coeur du dispositif (qui a d'ailleurs changé depuis cette entrevue), on retrouve Henri-Jean Debon, connu par ailleurs pour ses clips de Noir Désir. C'est souvent lui qui pose les bases de ces titres majoritairement courts, partant dans tous les sens, souvent le bon... Charge à ses acolytes d'achever d'installer ces sons et ces ambiances contrariées qui vont taquiner les Pixies, Daniel Johnston ou Danielson Family. Voici juste un aperçu de cet entretien, puisque celui-ci a finalement dépassé la durée légale du mini-disc pour le grand bonheur des actionnaires de Kronenbourg S.A.

A quand remonte la formation de Quincannon ?

Philippe : Dans les années 80, Henri-Jean et Juliette jouaient dans une formation qui s'appellait Otto's Fox, avec d'autres personnes que je ne citerai pas ici. Henri-Jean : C'est en 96 qu'on a pour la première fois parlé de fonder le groupe. Quelques semaines après la mort de Jeffrey Lee Pierce [Gun Club]. P : Henri-Jean jouait depuis pas mal de temps avec Claude à la batterie, et il a décidé de nous rappeler, Juliette et moi. On a formé une première mouture du groupe, qui ne portait pas de nom. Ensuite on s'est appelé Thomas Muster. Enfin, on a voulu, mais Thomas Muster n'a jamais autorisé qu'on lui emprunte son nom. Et c'est là qu'on s'est décidé pour celui de Quincannon. H J : On a jamais pu savoir si Thomas Muster avait eu vent de notre demande, mais par contre son agent n'a jamais voulu en entendre parler. P : On s'est donc rencontré comme ça et c'est là que le groupe à commencé à marcher. Enfin, musicalement...

Aviez-vous une idée à la base de ce que vous vouliez faire musicalement ?

H J : Non, on n'en avait aucune idée. Si ce n'est à travers ce qu'on avait fait jusque-là et notre bagage, ce qu'on écoute. On a répété les six premiers mois sur un seul et même morceau, qui a donné son identité au son du groupe.

A l'époque où le groupe Quincanon s'est monté, l'envie d'aboutir à un CD était déjà là ?

H J : Insidieusement, oui. Je n'ai jamais commencé un groupe dans un autre but que d'enregistrer et mettre cette musique sur disque. Même quand on a commencé Otto's Fox, en amateur, il y avait quand même l'idée de graver quelque chose.

D'où vient le fait que vous annonciez sur les albums le nom du prochain ?

H J : C'est comme pour les James Bond. Je trouve que c'est normal : on sent quand un groupe va encore enregistrer ensemble.

Comment pouvez-vous déjà arrêter le titre ?

H J : Pour le deuxième album, le morceau correspondant au titre était déjà écrit et ça nous paraissait le titre idéal pour partir du bon pied. C'était une phrase entendue à la télé et dite par Alain Finkielkraut. C'est une bonne expression venant de lui, qui, dans le contexte, voulait dire quelque chose. Peut-être moins hors contexte...

En parlant de contexte, vous ne pensez pas qu'en lisant le titre et en regardant la photo de la pochette, on puisse se faire une idée fausse de ce que l'on va entendre ?

Juliette : Oui, on s'est fait traité de rigolos, de farceurs... H J : Ça imprime vraiment quelque chose à l'album, ça lui donne un ton. On ne pensait pas que ça aurait cette force d'évocation là. Cet album n'est pas vraiment différent du premier, qu'on avait comme par hasard décrit comme austère... comme sa pochette. P : En plus, le titre du nouvel album n'est carrément pas drôle. Des gens qui te chient dans la tête... Moi, ça ne me ferait pas rire.

Ça correspond pas mal à la manière ludique avec laquelle vous assemblez vos pochettes, avec plein de commentaires qui font passer des choses diverses et variées.

H J : C'est effectivement plus ludique que foncièrement comique. Moi j'avais peur, en fait, que la pochette n'apparaisse que comme quelque chose de kitsch. Et ça n'a pas loupé, on y a eu droit. Le fait qu'on apparaisse devant le sphinx à Las Vegas, ça évoque pour nous autre chose qu'un truc simplement comique. Claude : Et puis le titre, si tu le prends pour toi, il n'est plus comique du tout.

Il peut même être considéré comme dur.

C : Oui, très dur.

Vos titres sont assez courts, on passe assez rapidement d'un son à un autre, comme si on visitait une exposition. Comment cela se traduit-il quand vous composez ?

H J : Le format court n'est pas un parti pris. Le côté intermèdes et visite ludique est par contre voulu. C'est quelque chose que l'on revendique. La durée des morceaux ne vient pas d'un choix conceptuel. C'est juste que l'on voulait des morceaux plus concis et que la concision correspondait à cette durée-là. Selon les cas, au bout d'une minutes 30 ou deux minutes, une chanson commence à m'ennuyer. Donc, soit on repart sur une idée de la composition qui correspond au premier album, à savoir qu'au milieu du morceau, on ne respecte plus sa structure et on va voir complètement ailleurs. Soit on fait plus court.

Le modèle de concision musicale, ce serait les Pixies par exemple ?

H J : C'est une référence, c'est sûr. Mais aussi le Teenager of the Year de Frank Black. Notre album a d'ailleurs le même nombre de morceaux. Et une pochette aussi vilaine [Rires]. P : Henri-Jean a dit un truc très juste à ce propos. Au début de la variété, entre guillemets, la musique faite par des gens normaux pour des gens normaux, les titres étaient très courts. Voir les premiers disques de Blues ou de variété des années 40. Après sont arrivées les contraintes de calibrage dues à l'industrie du disque et puis ont suivies des réactions dans les années 70 à l'encontre de ces formats. On essaye de faire abstraction de tout ça.

Il y a un peu un retour aux formats longs avec des groupes comme Sigur Ros ou Godspeed You Black Emperor !

H J : C'est vraiment par vague. Et par rapport à ces cycles, les 2m30 correspondent mieux à un format Pop. Mais, sur cet album là, les durées sont assez inégales. Ça marque plus les gens qu'aucune chanson ne dépasse les trois minutes, qu'il y en ait qui fassent 30 secondes, 1m15 ou 2m30... Pour nous, c'est aussi différent, c'est une histoire d'échelle. Comme, dans la manière de composer, on essaye de ne pas trop civiliser les morceaux, il y a une durée qui s'impose, d'elle-même.

Si c'est vraiment un processus naturel, c'est bizarre qu'aucun titre n'atteigne spontanément les 4-5 minutes.

J : Si, il y en a un : 1987.

Faudrait que j'écoute l'album donc [Rires]...

H J : Oui, c'est vrai, tu serais moins emmerdé [Rires]. Ce morceau est un peu différent des autres, comme par hasard. Plus à la manière dont il est pensé, comme de la "matière" qui se déplace, que pour la durée. Dans l'idée, je voulais partir sur cette base-là pour un troisième album, mais finalement on est déjà ailleurs. Soit tu restes dans l'idée d'une chanson jusqu'au bout, soit tu es dans l'optique de "matière musicale" avec laquelle tu joues, comme GYBE !.

Le fait de titiller souvent l'auditeur, c'est également pour lui retirer un peu de confort ?

H J : Pas pour faire grandir la frustration en tout cas. Mais, par exemple, la plupart des morceaux commence directement par du chant. Tu n'as pas d'intro, de boucles qui te fassent entrer dans le morceaux. J : Mais ce n'est pas un choix, ce n'est pas volontaire. En fait, on ne réfléchit pas au fait de bousculer ou non l'auditeur.

Pas lors de la composition, mais peut-être au moment de finaliser l'album, de choisir l'ordre des morceaux... L'auditeur rentre alors en ligne de compte.

J : Pour cet album, on a fait beaucoup plus attention au déroulement du disque. H J : On est parti sur une base différente. On voulait que cet album soit plus ouvert sur l'extérieur et plus... J : ...Accessible. H J : Oui, même si parfois ce n'est pas ressenti comme ça. Le premier morceau An Alan Smithee Life, pour moi, il est terminé, je ne le trouve ni frustrant en durée, ni en termes de composition. Quand je l'écoute, je n'ai pas l'impression qu'il dure 1m30 mais qu'il a plutôt une durée standard. Il se trouve que sa durée standard, c'était bien 1m30... On a laissé le morceau s'exprimer. Il y a assez peu de titres sur cet album qui soient frustrants je pense. C : On l'a quand même vachement soigné cet album, on a passé un temps fou à essayer différentes combinaisons. On a même éliminé certains titres qui étaient déjà masterisés pour ménager une continuité agréable.

Et les idées de programmes sur la pochette, qui engage l'auditeur à écouter tels ou tels titres s'il fait beau, ou s'il a envie d'entendre des chansons d'amour...

H J : Ce sont des programmes à faire sur sa platine CD, pour correspondre à l'humeur de l'auditeur. Comme l'album a des ambiances différentes, ça permet un peu de classer les choses. Quand tu as entendu plein de fois les âneries du genre "moi je préfère les morceaux à grosses guitares", "moi, les tires acoustiques", tu as envie de satisfaire les gens en leur proposant un tri. Nous on facilite la tache à ceux qui veulent faire des programmations.

C'est une clé nouvelle pour entrer dans l'album.

H J : Oui, et puis c'est malin commercialement parce que si tu tombes sur un mec un tant soit peu curieux il va essayer les programmations. Ça lui donne 10 fois plus de chances d'écouter l'album [Rires]. Et oui, les Daft Punk peuvent aller se rhabiller, leurs concepts marketing c'est de la rigolade à côté des nôtres [Rires].

Peut-on évoquer vos références musicales ? Avez-vous les mêmes, majoritairement tournées vers les Etats Unis ?

H J : On n'a pas vraiment les mêmes. Certains sont plus attirés par ce qui se fait en Angleterre.

Sur votre site (Quincannon.org), on a un aperçu assez large de ce que vous avez écouté : de Aerosmith à Chet Baker, en passant par Joe Dassin, Can, GYBE ! ou le Wu Tang Clan...

H J : C'est normal, quand tu livres tes influences, de ne pas mettre seulement des trucs nobles. En général, les gens ont autant écouté dans leur vie des trucs nazes que des trucs biens. Tout te marque. De la même manière.

Tu n'as pas forcément l'idée, quand tu présentes les références d'un groupe, de donner des noms aussi décalés en disant que tu as été élevé par tes parents au son de Michel Delpech ou de je ne sais qui.

H J : Si tu parles de tes parents, tu te justifies déjà. Moi j'ai écouté tout seul Duran Duran et je suis sûr qu'il y a des restes. Il n'y a aucune raison qu'il ait plus de traces chez moi des Pixies que de Duran Duran. Les trucs très nazes, c'est logiquement les premiers que tu aies écoutés et c'est ceux qui te marquent le plus.

Ça donne des pistes sur ce que vous pourriez faire par la suite ?

H J : Rien que le fait de mettre ces noms sur un pied d'égalité, renseigne sur notre musique. Mais pas seulement pour la suite, sur tout. C'est une clé pour découvrir le groupe. P : On est vraiment la somme de nos influences et comme on ne fait pas une musique réfléchie, sort ce qui doit sortir, va savoir d'où ça vient... Ca peut venir autant des trucs ambitieux et bons, avec un B majuscule, que des pires trucs de merde. Tu réagis sur une harmonie de manière totalement naturelle. H J : Et puis cette liste n'est pas un constat froid de ce qu'on a écouté. C'est aussi des trucs que l'on respecte encore, ne serait-ce que pour un versant, même minime, d'une oeuvre.

En matière de composition, quelle forme prend l'alchimie entre vous ? Quelqu'un est-il à l'origine des titres ?

J : C'est Henri-Jean qui vient avec les textes et la mélodie jouée à la guitare. On se greffe ensuite dessus. C'est toujours lui qui apporte les bases.

Est-ce que ça relève ensuite d'un processus démocratique ? Quand on voit la liste de références, chacun y a-t-il mis ce qu'il voulait ? Est-ce que les influences de chacun arrivent à transparaître dans votre musique ?

H J : Pas dans les même proportions. On fonctionne avec un système politique assez bâtard qui ne porte pas de nom. Certains voudraient que ça soit plus une démocratie, d'autres plus une dictature. C'est toujours très particulier de réunir cinq personnes pour faire un groupe. P : En se voyant tous les jours, ou presque. H J : Peu de choses, que ça soit la littérature ou la peinture, se font avec autant de gens. Le fonctionnement en groupe relève plus de l'anomalie.

Toi qui fait des clips, si on regarde le milieu du cinéma, il n'est pas démocratique du tout, malgré le nombre de personnes présentes sur chaque projet.

H J : Ah oui, moi j'ai un mal fou avec ce qui se rapproche de près ou de loin à la démocratie comme système de travail. C : En fait, on travaille un peu comme dans le cinéma, on a tous des rôles différents et chacun essaye de se trouver une petite place. Mais il faut une personne qui décide au début, et à la fin aussi d'ailleurs. On n'est pas un groupe égalitaire. Tous les groupes sont d'ailleurs plus ou moins comme ça. Quand plusieurs personnes essayent de prendre un rôle prédominant dans un groupe, celui-ci splitte assez rapidement. H J : Ou alors ça se passe de manière vraiment naturelle. Je ne suis pas sûr que ça soit viable très longtemps.

Quand en plus le succès arrive, les personnalités s'affirment.

H J : Chez nous, ce n'est pas le succès qui risque de nous séparer ! [Rires].

Le cinéma est partout chez vous. Quand on regarde le clip de Toupet (A voir ici), on a par exemple envie d'y déceler toutes les influences...

H J : Malheureusement. La vidéo de Toupet n'a pas du tout été faite dans cet esprit-là. C'est tout l'inverse. Il y a mêmes des images dont je ne sais plus d'où elles proviennent. On n'avait pas assez d'argent pour tourner ces images là, mais sinon, ça s'est fait comme un clip normal. Il a surtout pris forme au montage puisqu'on a utilisé des images d'ailleurs. Mais on voulait qu'elles racontent une histoire. Des gens peuvent d'ailleurs croire qu'on a tourné certaines des images. P : Les références du cinéma à l'intérieur de la musique, elles sont évidentes. Ce qui m'énerve ce sont les gens qui considèrent la musique comme l'illustration sonore d'un clip. Ils vont dire que certains morceaux leurs font penser à des ambiances à la Lynch, et ça, ça mérite des baignes dans la gueule. Franchement, je le dis comme je le pense ! [rires... jaunes]. La musique ce n'est pas du cinéma. Les langages sont différents. H J : En parlant de notre musique, pas mal de gens ont cité Lynch et on s'est rendu compte que c'était un palliatif au mot "ambiance". Et puis globalement, ce n'est pas une référence pour nous.

D'un autre côté, on ne peut pas reprocher aux gens d'avoir des images mentales, en écoutant un disque. Ce n'est pas forcément dévalorisant pour la musique.

H J : Des images non, mais quand tu plaques des noms ou des termes plus précis sur une musique, c'est étrange. C'est comme si on se rendait compte que la musique pouvait créer des ambiances ou planter des décors. C'est triste, ça montre une certaine pauvreté sensitive des gens. Moi, je ne vois pas dans ceux que j'aime, de groupes qui n'aient pas ce côté visuel. Tout est visuel. Mais c'est vrai que tu te rapproches encore plus de ça quand tu t'éloignes du format couplet-refrain. Les gens ont l'esprit et l'imagination plus ouverte. J'ai l'impression que ça joue. Le truc marrant c'est que l'univers cinématographique que peut évoquer la musique de Quincannon n'est pas ce qu'on préfère dans le cinéma. C'est cette distorsion qui est drôle. Je pense que sans avoir rien conceptualisé, on a créé au fur à mesure des lois pour l'univers de Quincannon qui ne correspondent pas à celle du cinéma que l'on préfère. Je sais que la musique que l'on compose est tournée vers le spectaculaire ou le grandiloquent. Ce sont des termes qui ne correspondent pas aux attentes que j'ai vis à vis du cinéma. On essaye de développer un univers hollywoodien sur les morceaux, de par les instrumentations, et ce ne sont pas mes références pour le cinéma. C : Au cinéma, on préfère le sobre. P : Il y a un artiste allemand dans les années 60/70 qui faisait des expériences en mettant des gens dans des salles entièrement peintes en bleu ou en rouge et qui leur demandait d'exprimer leurs sentiments. C'est plus ce genre de sensations brutes que peut évoquer la musique. Je pense que c'est pour se protéger contre ce genre de sensations brutes que les gens intercalent une couche d'image. En fait, la musique n'est pas faite pour créer des images mentales, mais pour parler à un niveau autre de la conscience ou de l'inconscient. Pour toucher à des émotions. Quand tu jouis, tu ne vas pas dire que ça te rappelle des films de Lynch. H J : C'est vrai que le lien cinématographique nous concernant n'a rien à voir avec celui entretenu par des groupes comme Goldfrapp. Eux font clairement référence aux B.O.

Et puis il y a le nom Quincannon, en lui-même...

H J : C'est un sergent récurant dans la trilogie de la cavalerie de John Ford. Son humeur exprime des sentiments assez divers. Il est à la fois bougon et dissimulateur, mais il a un bon fond. Il veut cacher le plus possible sa camaraderie, sa générosité. J : C'est tout nous ! H J : La distorsion que j'évoquais entre nos goûts cinématographiques, on la retrouve aussi ailleurs. Pour nous, ce qu'on fait c'est de la Pop, du Rock populaire, tourné vers l'autre. C'est pour cela que nos chiffres de ventes nous dégouttent.

Mais vous profitez encore d'une grande liberté...

H J : On n'a pas signé chez Noise Product pour avoir plus de liberté. Ils ont seulement été les premiers à répondre favorablement à notre musique. Si on avait pu aller chez Sony, on y serait allé. H J : Nos morceaux sont plus pensés pour toucher 1 million de gens que 150. Ce ne serait pas le fait de vendre plein d'albums mais la situation dans laquelle on est actuellement, qui nous paraît anormale.

C'est parce que vous êtes dans une logique artistique. Si vous deviez entrer dans une logique de maison de disques, avec des enjeux marketing et commerciaux, vous ne diriez peut-être pas ça...

J : On attend que ça ! H J : A nos yeux, il n'y a que les durées de nos titres qui ne soient pas formatés. Les Pixies n'étaient pas spécialement formatés non plus, pourtant ils vendaient. Pour ce disque, on a vraiment assumé le fait d'avoir des compositions très Pop. On aime ça. Attention, on ne se leurre pas sur le qualitatif, on sait très bien que les Pixies ont fait bien mieux. Mais on est outré de vendre si peu, par rapport à l'envie et aux efforts que l'on fournit.

Et vous mettez ces méventes sur le compte de quoi ?

H J : Godard, il y a six ou sept ans, avait été invité aux Césars pour un prix d'honneur, puisque tout le monde pensait qu'il allait y passer dans l'année. Elkabbach lui demandait comment cela se faisait que ses films ne soient pas plus vus. Godard avait répondu que c'était parce que ses films étaient mal distribués. Nous, on a à peu près la même marge. On ne pense pas pouvoir passer du jour au lendemain sur toutes les antennes, vus les formats qui triomphent sur les radios ou les télés. Mais on sait quand même que, si on était mieux distribués, on pourrait passer du simple au centuple. Ce qui ne serait toujours pas spectaculaire [Rires]. Il y a un vrai sentiment d'injustice. J : Et de refus surtout, au niveau de la distribution. On ne ressent aucune envie du côté de Tripsichord. H J : On est face à un distributeur qui calcule les ventes au jour le jour, de manière pragmatique, sans vouloir donner d'impulsion à la base. Ils ont le même rapport à la musique que Sony, en moins bien. Sony doit être plus respectueux des artistes que Tripsichord. Il n'y a pas de règle, mais il faut bien se rendre compte que les artistes ne sont pas forcément mieux traités chez les Majors que chez les Indés. A travers mes clips pour Noir Désir, j'ai eu des exemples d'investissement humain plus fort chez des grosses maisons de disques que chez des petites. C : Et puis le distributeur, c'est une structure un peu spéciale, ce n'est pas avec eux que tu signes. Le distributeur récupère un disque qu'il n'aime pas forcément. Non seulement le nôtre n'est pas professionnel, mais en plus il n'aime pas ce qu'on fait. P : Je suis sûr qu'il n'a même pas écouté le disque en question. Un vrai professionnel devrait même vendre ce qu'il n'aime pas. H J : On leur reproche surtout de ne pas faire leur travail, de ne pas être dans des critères commerciaux basiques. P : C'est quand même dingue que nos deux albums ne soient pas dans les FNAC. On a dû les mettre en rayon nous-mêmes. A la FNAC, certains nous ont d'ailleurs dit qu'ils ne voulaient plus bosser avec Tripsichord. C : J'ai entendu plusieurs disquaires leur remettre une palme.

Donc vous êtres disposés à enregistrer des compositions d'Obispo chez Sony.

H J : On est super d'accord.

Quand on a rencontré Mendelson, Pascal Bouaziz nous avait dit qu'il faisait de la musique pour être une rock star. Visiblement ce n'était pas que de l'humour.

H J : C'est plus du second degré, venant de Mendelson.

On en revient au livret, je n'ai pas eu l'explication du texte en français ?

H J : Ça vient de Péguy, Heidegger et moi [Rires].

"C'est de nous qu'il dépend d'assurer aux paroles une perpétuité éternelle...". C'est votre but en enregistrant ?

H J : Ça parle de nymphes, ça n'a rien à voir a priori avec le statut d'artiste. Mais, même les derniers mots (... une perpétuité charnelle, une perpétuité nourrie de viande, de graisse et de sang.") correspondent à ce que l'on fait. Ce texte vient de l'idée de négation (correspondante au "Non" de la fin de Quincannon). Ça se prolonge dans la dénégation. Le montage de ce texte c'était pour relier des écrits qui ne sont pas rock'n'roll à cette musique-là. Créer un rayon qui lie des univers lointains. Au début, ça part du fait de dire non, tout ce qui est négatif dans ce texte est assumé. Tout ce que nous ne ferons plus est assumé.

Roudoudou

octane — 2001-11-22T12:57:00Z

roudoudou, alias laurent etienne et non vijay rood comme le dit la bio, fait partie des compositeurs français talentueux qui ont su ne pas sombrer directement dans le star-système. après des années passées entre radios, platines parisiennes et boulots dans les labels, pendant lesquelles il continue de faire les collages qui l'ont rendu célèbre sur nova, il sort en 98 un premier album assez irrésistible. on a de la chance, au train où vont les choses dans la maison de j.-f. bizot il aurait pu finir sur canal+. mais le sampler était fait pour lui et il ne mettra pas longtemps à le domestiquer, une bonne chose pour sa collection de vinyles. un titre restera, "peace & tranquility to earth", mais l'ensemble de l'album était globalement bien tripant : un croisement malicieux et novateur entre hip-hop et easy-listening. il vient de sortir son second lp, just a place in the sun, sur lequel les instruments se sont invités, sous forme de potes. certains l'accompagneront sur les planches, comme mako, ingénieur-mixeur qui a participé à l'écriture, à la guitare sur scène, ou christophe minck, à la harpe et aux claviers. l'équipe partira sur les routes en février. en attendant nous l'avons rencontré chez delabel, une maison qu'il connaît bien. décontracté et attachant, en chemise à fleurs et parka, roud nous narre avec bonhomie une vie simple, à base de mélanges et de collages. retrouvez cette interview sur 99octane.

je t'ai vu au nouveau casino, un vrai succès, c'était un peu spécial non ?

Ça l'était dans la mesure où c'est une aventure qui commence. je n'ai jamais fait de live, et j'avais envie de "partir" avec des potes, plutôt que d'être seul sur scène avec ma souris. on a monté le concert rapidement avec mako, qui connaît tous les morceaux par cœur, et christophe, qui joue de la harpe sur le disque. on a essayé de trouver la bonne formule, une douzaines de répétitions et allons-y ! on aura peut-être, ce n'est pas fait, une fille en plus. histoire de doubler un peu tous les chœurs féminins de l'album, et parce que ça manque, une présence sur scène. une tournée est prévue dans des salles moyennes, ainsi qu'une petite résidence au glaz'art à paris.

tu n'avais jamais mis roudoudou sur scène ?

j'ai fait de la scène dans les années 80, dans le cadre d'autres expériences musicales. mais roudoudou, avec ma musique, jamais. depuis mon premier album j'ai continué d'apparaître comme dj, mais du coup il y a un décalage entre mon disque et ma sélection : je suis programmé comme dj, mais en fait j'arrive comme sélecteur de vieux disques de funk, de reggae ou de dub. les gens ne comprennent pas le rapport avec ma musique, ils sont souvent déçus de ne pas entendre d'electro. alors qu'ariel wizman par exemple, quand il fait le dj, il met n'importe quoi et tout le monde est content.

oui il y a beaucoup de djs aujourd'hui…

voilà. j'ai beaucoup fait le dj dans les années 80, et ça ne voulait pas dire la même chose. j'ai continué régulièrement, depuis nova, à faire des petites soirées dj dans des clubs. jusqu'au milieu des années 90, où le dance-floor a carrément changé, et je ne m'y retrouvais plus vraiment. j'ai commencé à m'occuper davantage de ma musique, aidé en cela par la technologie, le sampler. je continue à faire de temps en temps de petites apparitions, mais je ne cours plus trop après les plans dj.

tu es venu comment à la radio ?

par les petites annonces. dès le mois de juin 81, tout de suite après le passage de mitterrand, toutes les radios libres cherchaient des animateurs et je me suis engouffré là-dedans la musique était mon kif, je venais de rater mon bac parce que j'étais collé à la fm. j'entendais des musiques terribles, dont j'ignorais même l'existence jusque-là : fela, la world music... j'étais incapable de réviser, je passais mon temps à faire des cassettes, à collectionner. j'étais déjà bien gourmand de disques. je suis arrivé en radio en faisant plein de petites émissions sur des radios improbables qui émettaient sur un pâté de maison. et parallèlement, avec des amis on faisait un petit fanzine graphique, c'était l'époque aussi. on faisait les salons de bd, et un jour nova a flashé sur notre stand, et nous a invités à la radio. j'avais préparé des petits collages, des petits paysages sonores, dans la lignée de notre petit fanzine, bien dadaïstes, bien surréalistes. on avait passé ça à l'antenne, nova a aimé, et m'a demandé de rester, de continuer à faire mes trucs chez eux. je faisais un peu d'image aussi.

tu y es resté longtemps ?

jusqu'en 85. c'était l'époque de jean-yves lafesse ou karl zéro, dont je réalisais les émissions. j'ai fait différents trucs puis j'ai plus ou moins arrêté la radio, pour faire d'autres choses. j'ai travaillé en maison de disques. j'ai fait pas mal de boulots, tout en galérant aussi, j'ai longtemps fait de la télévente. mais dès que je pouvais, je bossais dans les labels. j'ai vendu des disques aux puces aussi.

tu étais dans oui oui, avec michel gondry ?

c'était le batteur du groupe. il avait une petite batterie, limite jouet. c'est en partie avec les clips de oui oui qu'il s'est rendu célèbrissime : "les cailloux", "la ville"… bientôt le dvd ! j'ai chanté avec oui oui en 85, avant qu'ils n'enregistrent. ce sont les mêmes personnes avec qui on faisait le fanzine au début des années 80. etienne charry en était l'illustrateur. Ça s'appelait gabor chaos, pour ceux qui ont conservé ça sur leurs étagères. un soir, ils sont venus jouer au rex et j'ai fait une chanson avec eux pendant le rappel. Ça s'était bien passé, et etienne m'avait demandé si ça me branchait de continuer de chanter avec eux. je suis donc allé aux répétitions, et on a fait quelques concerts pendant un an. après cela le groupe s'est calmé. tout le monde bossait en dehors, c'était un groupe à géométrie variable, déjà avant moi. par la suite, j'ai bossé dans un label qui voulait faire une compilation pour le bicentenaire. j'ai donc ramené mes copains des oui oui. la maison de disques a flashé sur eux et produit leur album. et je me suis retrouvé à faire la promo pour mes potes.

et comment s'est présentée l'opportunité de faire enfin ton album ?

à partir du moment où j'ai eu un sampler, j'ai commencé à passer des collages aux morceaux. mais je faisais des instrumentaux, et ça n'intéressait pas grand monde. on trouvait mes morceaux sympas, mais on m'encourageait soit à chanter, soit à bosser avec des chanteurs, des chanteuses ou des rappeurs, ce qui s'avérait galère. et puis en 96 il y a eu une vraie vague trip-hop. les gens des maisons de disques ont réalisé que ce que je leur proposais n'était ni plus ni moins que du trip-hop, et que j'étais leur artiste trip-hop français ! j'ai donc eu plus de facilités.

et juste après il y a eu la fameuse vague "french touch", qui a étiqueté toute l'electro française. comment y as-tu échappé ?

moi j'étais plus dans le rayon trip-hop [rires]. french touch ça voulait plus dire disco filtrée. en même temps, air a fait partie de la french touch alors qu'ils n'en jouent pas. je ne sais pas pourquoi moi j'ai échappé à cette appellation, mais je ne me suis jamais vu ou lu associé à ça. c'était toujours les mêmes qui étaient cités - kid loco, air, daft, dimitri…

tu n'es pas un inconnu mais tu as été relativement épargné par les médias.

il n'y a eu qu'un single. mais alors c'est un standard. on peut même le télécharger comme sonnerie de portable ! [rires]. c'est un morceau qui est plus utilisé en illustration d'images, en pub, qui est là sans qu'on sache trop d'où il vient. si tu dis roudoudou personne ne voit, mais le morceau, ça oui. je ne suis pas spécialement connu, mais ça ne me déplait pas. dans la mesure où avec les sons ça m'intéresse de jouer un peu avec l'inconscient collectif des genres, les réminiscences de l'enfance, c'est bien que ma musique soit perçue comme ça aussi.

sur le premier album, le morceau "effervescence" fait penser à un thème de twin peaks, d'angelo badalamenti [alter ego de david lynch]…

on m'a dit plusieurs fois que ça évoquait badalamenti. mais en le faisant je n'ai pas du tout pensé à lui. ce morceau est né un lendemain de super gueule de bois, pour l'anecdote. j'étais dans un état un peu nauséeux, je m'étais fait une aspirine effervescente et le seul bruit de l'effervescence m'apparut énorme. dès que j'ai eu moins mal au crâne, j'ai essayé de sampler le bruit. j'ai pris un grand verre, j'ai mis un micro au-dessus. je pensais que ça n'allait pas donner grand chose, et finalement c'était assez terrible. donc je suis parti de ce son-là, et puis j'ai essayé de jouer avec ce truc un peu nauséeux. et on m'a dit qu'il y avait un morceau qui ressemblait vraiment chez badalamenti, mais je ne sais pas précisément dans quel film. je n'ai pas envie non plus d'acheter tous les disques de lynch. peut-être que j'avais vu le film, et imprimé le morceau inconsciemment, ça arrive.

le cinéma, c'est quelque chose qui t'intéresse ?

l'image en général c'est quelque chose qui m'intéresse grandement. et alors faire de la musique pour le cinéma, une vraie b.o. de film, ça serait carrément mon rêve… donc je le dis ! [se penchant vers le micro]. peu importe le réalisateur, pourvu que l'histoire soit bonne…

il faut dire que tu as des morceaux qui sont porteurs, qui n'attendent que ça…

j'aime que mes morceaux racontent une petite histoire. c'est pour ça que j'essaie de donner des titres évocateurs, pour cibler un peu, favoriser un univers imaginaire. a partir de là j'essaie de scénariser, de raconter des trucs.

tahiti, tu y es allé ?

non, c'est un pur délire de studio. il se trouve que mako, lui, a grandi à tahiti jusqu'à quinze ans. il a rapporté en studio ses tikis, les divinités en bois, qu'on a posés sur les enceintes. je n'étais pas loin de la porte de montreuil j'ai trouvé dans des bazars des petites guirlandes de fleurs qu'on a mis autour. j'aime m'entourer de jouets, de bibelots bidons, je suis assez collectionneur de n'importe quoi. c'était l'été, on était en studio en short et en tongs, on s'est aménagé un petit univers polynésien. et de notre délire de studio est né le délire visuel. on s'est dit que ce serait bien si la petite mascotte enlevait son scaphandrier et venait surfer avec nous.

tu as conçu cet album dans ton antre, en prenant ton temps ?

sur mon atari, oui. quand j'attaque un morceau, ça peut donner une petite boucle, huit ou douze mesures, que j'abandonne. j'entame d'autres choses puis je reviens dessus six mois plus tard et je sais comment le rendre plus efficace. c'est rare que je commence un morceau et que je le finisse dans la foulée. ensuite on est resté un mois en enregistrement, ce qui consistait en réalité à transférer mes programmes atari sur mac. puis à passer de cubase à protools, en cleanant un peu tout ça, parce que je suis assez brouillon. et à faire les prises de son. on a enregistré dans un studio de répétition, même pas dans un vrai studio.

beaucoup d'instruments cette fois. bonne idée la harpe.

oui il y a de la harpe, il y a des chants, du piano, des percus… la harpe a un son bien évocateur d'images aussi. j'aime bien ce côté cliché, quand un son évoque immédiatement une image.

le clip épousera la même thématique ?

oui, le petit bonhomme, en short sur la plage, entouré de filles en bikini, "funky bikini". mais je ne m'en suis pas occupé, j'ai laissé oeuvrer françois moret, celui qui s'est occupé du site. [on doit le premier clip à jean-michel roux].

un site tout beau tout neuf ? [www.roudoudou.fr]

quand on a su qu'on pouvait faire un petit site, ici au niveau de la promo, j'ai eu envie de bosser avec françois, mon plus vieux pote, avec qui j'étais au lycée et avec qui j'ai commencé à faire de la radio en 81. maintenant il fait des dessins animés. c'est lui qui a fait la pochette de l'album, tout le visuel du site, et il est en train de terminer le clip qui ne va pas tarder à arriver. c'était bien cool de pouvoir travailler ensemble, et on a eu de très bons retours. on l'a conçu plus ou moins à deux, en trouvant les idées et en voyant ensuite ce qui était possible avec soleil noir.

le prochain album tu le vois comment ?

on démarre le live, peut-être que ça fera évoluer l'approche que j'ai de la musique. je me suis remis à la basse pour les concerts, je me suis fait des ampoules énormes, je n'avais pas joué depuis dix ans. c'est un travail différent. du coup je me dis que peut-être j'essaierai de jouer plus de choses, qu'il y ait moins de samples. il y en a déjà moins cette fois, que sur le premier album.

la terminologie "easy listening", ça te parle ?

littéralement "qui s'écoute facilement" moi ça me plait. j'aime bien cette idée que la musique ne m'agresse pas, qu'elle est facile d'accès, pas trop arty non plus, ce que je peux apprécier à d'autres moments. j'aime la légèreté.

mais ça regroupe différents genres, différents univers (des années 50 à maintenant, dans le monde entier, pour la télé, le cinéma…). on a joué sur le vocable pour créer un effet de mode…

oui bien sûr. moi j'adore ça depuis toujours. j'appelais ça "de la musak" à l'époque de la radio, j'en passais énormément dans mes émissions. mais je reconnais qu'il y a eu une mode…

la mode cantonne une multitude de styles dans un ghetto "musique d'ascenseur", alors qu'il y a un patrimoine entier…

en gros c'est de la musique au mètre, mais il y aussi de la musique de maître. des gens comme henri mancini ou roger roger ont fait des trucs incroyables. michel magne a fait des disques d'easy listening, c'est aussi un grand génie. je sample beaucoup ce genre de disques. [il reprend le fameux "caravan" sur just a place…]. c'est de l'illustration sonore : ces disques sont faits pour l'image, et ont ce fort pouvoir évocateur.

il y aurait des tas de choses à ressortir, en même temps ce n'est pas possible, quand on voit déjà l'inflation de sorties…

je crois - je suis un petit peu dans un milieu concerné - que le disque, d'une manière générale, se vend très mal, en ce moment… il faut ramer. donc achetez mon disque ! [rires].

tu écoutes des choses plus récentes ?

les trucs récents que j'écoute il y a du delabel. the avalanches, j'adore. et lemon jelly, qui est un beau disque sorti l'année dernière et que tout le monde a oublié. ce n'est plus au catalogue donc tu ne peux même pas en demander un. nathaniel merriweather, l'album "hip-hop/easy listening" de dan the automator, dont la pochette est une parodie de pochette de gainsbourg, avec un bouquet de roses et un revolver. c'est bien sympa, bien second degré. Ça sort actuellement.

du dub aussi ?

beaucoup. mais c'est plutôt des vieux dub roots. je sais qu'on a de bonnes choses en france, électro-dub, mais je ne connais pas les noms, et je n'ai pas encore trouvé la bonne boutique pour ça. j'ai acheté un ep de mino cinelu, qui a sorti justement un morceau dub house, terrible. tiki man aussi. lui il était bien roots dans la voix.

c'est un élément important dans ta musique ?

quand même oui. cette influence dub, tu la retrouves dans mes lignes de basses, si tu les écoutes bien : très peu de notes, quelque chose de bien répétitif, bien hypnotique, qui tourne sur deux ou trois notes. en parlant de dub ce qui m'intéresserait vraiment, ce serait de prendre les bandes du deuxième album, et d'en faire "l'album dub". virer tous les arrangements superflus, garder la rythmique essentielle, passer ça dans la chambre d'écho, j'adorerais. un peu comme massive attack avait confié à mad professor ses bandes de protection. bon, sans les confier à mad professor, mais essayer de le faire ici. j'en ai parlé à delabel.

question traditionnelle, que penses-tu du mp3 ?

pendant l'album j'ai bossé sur atari, après j'ai investi dans un g4, j'étais vraiment à fond dans la prod et je n'ai pas eu le temps d'aller trop sur internet. et je suis en train de découvrir, depuis la rentrée, en bossant sur le site. c'est de la folie, c'est tellement vaste. j'adore ! [rires] je commence à surfer un peu et à aller chercher des trucs. je sais qu'on trouve mes morceaux par centaines sur napster.

et ça ne te gêne pas ? parce qu'il y en a que ça énerve carrément…

cela m'énerve un peu, dans la mesure où les ventes d'albums ne sont pas terribles en ce moment, et où dans ce milieu on dit que c'est à cause de ça. c'est un peu chiant. mais en même temps il y a toujours eu ça, la technologie qui te permet de pirater. combien de cassettes j'ai... qu'est-ce que tu veux dire ? c'est tellement facile d'échanger.

c'est vrai que nous on y est venu comme ça, en enregistrant la bande fm. mais cette fois le support est réellement de bien meilleur qualité, et incontrôlable…

mais combien d'artistes jamaïcains ont enregistré des standards du reggae et se sont fait escroquer à l'époque par les producteurs, et aujourd'hui encore par ceux qui sortent des compilations ? ces mecs sont restés des clodos, ils n'ont jamais perçu un franc pour leurs trucs. il y a toujours eu ce côté maffieux, requin, piratage…

sauf que le mp3 bénéficie exclusivement au public…

je suis pour, à fond ! [rires]. par contre, moi je ne vais pas chercher de morceaux sur internet. c'est peut-être un tort. je suis plutôt graveur de cd. dans les maisons de disques tout le monde se grave des cd… c'est normal. si un disque me plait je le grave pour un ami. et avant j'adorais faire des cassettes à mes potes. j'ai toujours eu des milliers de disques, et on me demandait régulièrement de nouvelles cassettes. j'ai toujours fait ça, je ne vais pas arrêter. non, c'est bien le mp3, attends… c'est terrible !

louise vertigo, c'est une amie ?

en fait louise c'est quelqu'un que je connais depuis super longtemps. on s'est rencontré à quinze ans, dans la creuse chez ma grand-mère, elle était du coin. on était pote en vacances, on jouait de la guitare, on fumait. on s'est perdu de vue et je l'ai revue dans une soirée au glaz'art. je savais qu'elle chantait sur "la yellow", et elle avait vu le clip à la télé en pensant que c'était moi. on est resté en contact. elle a aimé tout l'univers…, et elle avait besoin d'arrangeurs pour faire les morceaux de son album. mais elle est auteur compositeur. pour "la route me charme", je suis parti d'une compo, des accords. et le "serpent et l'oiseau" était un morceau du nouvel album (zoom zoom) sur lequel elle avait flashé, et qu'elle a adapté.

et jenny de vivo (sur tout l'univers…) ?

c'était une anglaise que j'avais rencontré à londres. en fait le premier album a été enregistré dans le studio de pussyfoot, le studio milo. et donc tous les musiciens étaient des gens qui gravitaient autour du studio d'howie b. jenny est une américaine d'origine italienne, qui habite à londres et qui chante.

il doit être bien ce studio...

pas mal du tout oui. plein de petites conneries, de petits gadgets.

et sur le dernier album, à qui appartiennent les voix ?

ce sont des copines, plutôt comédiennes. je n'avais pas envie de demander à des vraies choristes, j'avais plutôt envie de voix un peu fraîches. pour la scène, je ne sais pas, il faudrait trouver une vahiné !

sur le site, il y a une photo où tu es en compagnie d'une vahiné, tu fais punk. tu en as été ?

le punk ! je suis passé un peu à côté. en fait en 77 j'étais encore un vieux baba. et dès le début des années 80, à l'époque de la radio, je suis passé à la "new wave", les talking heads, james white… j'avais 18 ans.

au vu de tout ce qu'on a dit, on a quand même bien l'impression que tu fais partie de la "branchitude" parisienne…

je suis vendu chez colette mon ami ! [rires].

voilà. tu es dedans, mais tu te montres peu. on ne te demande pas de te mettre en avant, de faire de la télé ?

je ne fais rien pour. mon premier disque est sorti trois ou quatre mois après celui de air. durant toute la période de pré-sortie de l'album, où il faut que tu viennes là presque tous les jours, j'ai pu lire la presse musicale, que je ne lis jamais d'habitude. je voyais air partout. comme eux je sortais un premier album, comme moi ils n'étaient pas connus avant, ils avaient seulement fait deux ou trois maxis. et moi je ne voulais pas de ça. je voulais y aller doucement. je ne me voyais pas passer de l'anonymat à la première page des magazines directement…

donc l'artiste a le pouvoir de résister à ça ?

Ça dépend. à l'époque, en ce qui me concerne, c'était un album de trip-hop, il n'y avait pas une politique de single. à l'inverse de air, ce n'était pas le même travail. donc on m'a rassuré, on m'a dit que ça ne serait pas comme ça. et je ne suis pas mécontent, j'aime bien… j'ajoute, à l'intention des gens qui écrivent sur internet que je m'appelle vijay rood, que c'est faux. il ne faut pas croire tout ce qu'on lit.

merci à Delabel

Battle Royale

octane — 2001-11-21T00:00:00Z

un peu futuriste

c'est l'histoire (un peu) futuriste d'un japon qui va mal. les étudiants font peur aux dirigeants, qui mettent en place le programme battle royale : chaque année une classe de lycéens est lâchée sur une île déserte, avec pour seuls bagages de l'eau, du pain et une arme (distribuée aléatoirement, de la paire de jumelles au uzi). le but de ce jeu, encadré par l'armée et le professeur (kitano), est de survivre. il n'y aura qu'un gagnant au terme de ces trois jours, et deux "professionnels" sont de la partie. le scénario est en or, encore fallait-il faire adhérer le spectateur. la force d'une œuvre de science-fiction c'est la réalisation. là-dessus rien à redire, on est plongé béatement dans l'histoire dès les premières minutes de battle royale.

vieux routier

c'est là la réussite de kinji fukasaku, vieux routier du cinéma nippon quasiment inconnu chez nous. la nouvelle de koshun takami à l'origine de ce film en est à n'en pas douter un chef d'œuvre, en tout cas elle invite à penser - quand on n'en est pas déjà convaincu - que la science-fiction est bien la philosophie de ce siècle. les dirigeants militaires américains ont d'ailleurs leur quotas annuel d'œuvres de s-f à lire, c'est dire si elle fait partie des sciences politiques. un couple évoquait en se réjouissant, avant le film, le programme télévisé star academy. il serait évidemment tentant de faire le rapprochement entre battle royale et la "télé-réalité" : que se passerait-il si l'on demandait aux joueurs des shows d'endemol de se zigouiller entre eux ? (si vous n'avez pas répondu immédiatement, c'est que vous réfléchissez...) battle royale s'impose comme un film hautement politique, auquel on ne peut qu'adhérer si on n'est pas dégoûté par la vue du sang.

casse-pipe

kinji fukasaku montre un réel talent à rendre léger l'insoutenable, sans en jouer à outrance, ce qui masquerait l'aspect idéologique et discréditerait le film. de toute façon la violence visuelle n'est rien au regard de la violence du propos - un état terrorisé et terroriste demandant aux jeunes de s'entre-tuer -, propos qui nous rappelle que les guerres ne sont que des boucheries provoquées par des puissants qui envoient leurs enfants au casse-pipe. une des forces de battle royale est notamment de montrer comment, dans une situation de crise ultime, la vie garde ses droits : les amitiés, les rivalités, les histoires de cœur, les jalousies, les ambitions... les victimes sont jeunes, ce qui implique qu'elles croient encore en certaines valeurs, qui vont les trahir. ou qu'elles n'en ont aucune, et vont perdre toute chance de les apprendre. dans tous les cas, cette situation de lutte pour la vie amène au même constat : je finirai seul ou mort. que dire enfin de takeshi kitano, si ce n'est que son jeu d'éternel autiste est ici imparable, dans le rôle sur-mesure du professeur devenu tortionnaire ? mais pourquoi "beat" ?