Le Cargo !

Snapped Ankles

Fabrice Privé — 2025-11-09T18:32:45Z

Ce jeudi 6 novembre, le peuple de l'arbre étend ses ramifications à la Sirène. Toujours nimbé d'un anonymat mis en œuvre vestimentairement par des têtes de buissons et des affublements camouflages-feuillages, le quatuor londonien s'installe au milieu d'une jungle de synthés, à l'orée de laquelle se distingue une batterie, seul élément organique du set-up. Plus de guitare, ni de basse : fini les instruments à manches mais toujours des pieds de micro en branches.

L'ambiance forestière est accentuée par un éclairage vert qui inonde la scène et se voit hachuré par le faisceau des lampes frontales et la réflexion des gilets de sécurité fluo qu'arborent les membres du groupe. À l'arrière plan, est tendue une bannière avec les mots "Hard Times Furious Dancing", titre du déchaîné dernier album studio et profession de foi épicurienne. Face aux troubles de l'époque, un seul remède : la danse, la transe. On va rapidement y succomber : la horde débute, toute électronique dehors, par l'ancestral et électrisant "Jonny Guitar Calling Gosta Berlin". Visuellement et musicalement, Snapped Ankles, c'est l'alliance des extrêmes : minimalisme et maximalisme, Suicide et KLF, politique et hédonisme, tribalisme et science-fiction.

On est rapidement aspiré dans ce tunnel végétalisé post-apocalyptique qui débouche sur une clairière où tout le monde danse frénétiquement autour d'un totem de baffles et s'adonne à un rite païen sous le patronage de ces étranges gourous, mi-créatures mythiques scandinaves, mi-cookie monsters futuristes. D'ailleurs le chanteur Paddy Austin multiplie les prêches et les exhortations. Sa voix enrobée de reverb annonce les titres suivants : un très bon enchaînement "摆烂 Bai Lan" et "Rhythm Is Our Business", lors duquel il descend gesticuler au milieu de la foule, son synthé sur la tête. Plus tard, alors qu'une certaine fatigue auditive commence à poindre, il cassera judicieusement le rythme – pour mieux le relancer après – en nous invitant à quitter la forêt pour rejoindre la plage : des parties du public doivent alors se répondre, certaines faisant le bruit des vagues, d'autres le cri des mouettes alors que ceux du centre aboient comme des chiens errants... Bref, au milieu de ce primitivisme électronique post-kraut un peu systématique, il se passe toujours quelque chose d'interactif et de marrant.

Après l'obsédant et génial "Raoul", la tyrannie des basslines, des oscillations analogiques et des rythmes motorik s'impose à nouveau pour un final possédé : "I Want My Minutes Back" et "Smart World". Ce dernier pilonnage en règle parachève notre rite de passage : nos chevilles sont douloureuses, nos feuilles correctement arrosées, nous voilà membres à part entière de la tribu de la forêt.

Une photo de Marie Monteiro prise dans les couloirs de La Sirène :

Un extrait du récent album live Dancing In Transit (Live 2025) :

Les photos de Renaud à la Route du Rock 2022

Merci à l'équipe de La Sirène et à Marie.

Festival SWIM

Fabrice Privé — 2025-10-14T13:26:50Z

Le dictionnaire attribue deux significations au terme "Sirène" : l'être fabuleux à queue de poisson qui charme par son chant et le signal sonore puissant qui met l'ouïe en alerte. Du 24 au 26 octobre, la salle du même nom à la Rochelle fusionnera parfaitement ces deux acceptions du mot avec la première édition de son festival SWIM (Sirène West Indie Music).

Il y en aura pour tous les goûts lors de ces trois soirées de concerts dédiées aux musiques indomptées, belles et aventureuses. Post-punk, noise-rock, baggy sound, shoegaze, hardcore, électronique furieuse ou expérimentale mais aussi pop panoramique aux miroitements soul, western ou psychédéliques.

Comment ne pas succomber à cet opulent line-up : DITZ, Frustration, Bryan's Magic Tears, Xixa, Johnny Mafia, Jan Verstraeten, Arthur Satàn, Stuffed Foxes, Yard, Dead Chic… Sans oublier Hanky XX et les locaux The Big Idea, tous deux en mode "release party".

Le tout sera rehaussé d'expos, dj sets, projections, stands de disques, concerts sauvages et autres gâteries ostréi-vinicoles. Avec toujours cette ambiance portuaire qui sait rendre l'environnement industriel chaleureux.

Et si vous avez encore besoin d'une petite poussette pour vous jeter à la baille, c'est 48€ le pass trois jours, 38€ le pass deux jours (hors tarifs jeunes et abonnés).

La Playlist du SWIM :

Le Site du Swim

Ethel Cain

Fabrice Privé — 2025-08-15T12:59:25Z

En début d'année 2025, Hayden Silas Anhedönia faisait sonner à son alter ego fictionnel Ethel Cain les trompettes de l'apocalypse, avec la sortie de Perverts. Un EP au format aussi transgressif (une durée d'1h30) que son contenu était intransigeant : plages dark ambient, drones voraces et psalmodies noise cauchemardesques se dilataient, souvent au-delà des 10 minutes, pour la mise en musique d'un chemin de croix impressionniste. À la surface de cette coulée de lave ne restaient plus que quelques scories de cette pop sadcore, déjà vrillée mais envoûtante, qui inondait son premier album Preacher's Daughter (2022) : cet admirable maelstrom Southern Gothic qui décrivait la trajectoire tragique d'Ethel Cain, pour finir par offrir à sa protagoniste la seule délivrance possible : l'au-delà... Un récit abreuvé de ferveur religieuse rigoriste, d'abus familiaux héréditaires, d'aspirations amoureuses gondolées, de quête d'identité et de relation contrariée à une spiritualité sourde-muette. Une histoire où les destins se nouaient derrière des portes verrouillées, où les illusions s'écroulaient sur la banquette arrière d'un pick-up, où le rêve américain s'affaissait et se décomposait sur le matelas défoncé d'une grange en Alabama, s'évacuait dans les toilettes d'un motel au Texas ou se diluait dans une seringue en Californie : fin de parcours pour Ethel Cain qui terminait littéralement refroidie, mâchée et digérée, selon l'envie, par son dernier "amoureux".

Huit mois après Perverts, sort donc Willoughby Tucker, I'll Always Love You qui voit Anhedönia renouer avec sa puissance narrative et le conte cruel d'Ethel Cain, pour documenter les années précédant les faits relatés dans Preacher's Daughter : de quoi comprendre que le vers était déjà dans le fruit avant que la pomme ne soit croquée. De quoi également faire (plus ample) connaissance avec de nouveaux protagonistes, et en particulier Willoughby Tucker, son seul et premier véritable amour qu'elle rêvait précédemment de rejoindre, post-mortem, dans leur refuge imaginaire au Nebraska. Évidemment, l'album rédige le rapport d'autopsie de leur relation et de leur incapacité à se délester l'un l'autre de leurs propres traumas, avec des conclusions à peine moins éprouvantes que pour l'opus précédent. Sans se lancer dans une exégèse de ses écrits, l'autrice Anhedönia fait encore très fort. Et la compositrice est au sommet de son art, en prolongeant la veine musicale plus menaçante et climatique de la fin de Preacher's Daughter (sans renier une pop qui sait mordre sur un "Fuck Me Eyes" parfait). Elle met aussi à profit l'expérience acquise avec Perverts. On comprend d'ailleurs maintenant que cet EP lui a servi à se délester d'une noirceur musicale absolue pour mieux l'assimiler à une formule désormais exactement dosée et bombardée par ses radiations vocales sublimes.

Slowcore, ambient, alt-country, witch house, ethereal, post-rock, shoegaze sont autant de styles musicaux à la marge qui convergent ici naturellement dans un torrent de pop alanguie. Les sensations procurées sont elles divergentes mais toujours fortes. Les morceaux instrumentaux se mettent au service du récit : voir "Willoughby's Theme", qui débute joliment (mais à la Badalamenti) et se prolonge dans un tourment alarmant prémonitoire. Tout coule de manière fluide et unitaire, le fond et la forme s'interpénètrent pour culminer sur une dernière demi-heure vertigineuse : ah ce calme de "Radio Towers" avant la "Tempest", avec sa tornade fatale qui toupine au ralenti. Il est décidément captivant de voir la manière rénovée avec laquelle la gen Z s'approprie des groupes comme Low, Labradford ou Duster (dont le "Stars Will Fall" est samplé sur l'éruptif "Dust Bowl") et s'adosse à des références emblématiques – revendiquées – comme Twin Peaks. Et de voir l'édifice fictionnel total qu'est en train d'ériger la chanteuse. Willoughby Tucker, I'll Always Love You en enrichit le lore et la mythologie de façon décisive. Et maintenant, il va falloir se résoudre à faire ses adieux à Ethel Cain, du moins au personnage. Mais ce n'est pas fini pour autant, puisque, si tout se déroule selon les plans, sa généalogie aux ramifications putréfiées devrait être disséquée via deux autres chapitres : l'un dédié à sa mère, la femme du prédicateur abusif, l'autre à sa grand-mère, Ethel Cain Sr., soient les autres Daughters of Cain, éternelles débitrices de leur lignée maudite. En espérant que l'ambition artistique d'Hayden Anhedönia ne soit pas soluble dans la notoriété et le fandom (ou un beef avec Lana Del Rey) : après deux albums majuscules, ça serait d'une violence inouïe.

Levitation France 2025

Fabrice Privé — 2025-07-11T20:12:01Z

Seule déclinaison survivante du Levitation d'Austin/Austin Psych Fest, Levitation France poursuit sa mue : fini le indoor depuis 2021, finie la case calendaire automnale depuis 2022. Cela faisait maintenant trois éditions que le festival dédié aux musiques psychédéliques, dans une acception de plus en plus large – voire en assumant carrément le hors-sujet – avait investi, au printemps, le parking du Chabada : la SMAC Angevine à l'origine du projet avec leurs voisins de Radical Production. Et malgré des efforts croissants pour habiller/incarner les lieux, un parking reste un parking : c'est opportun pour y garer une voiture, moins pour y laisser s'égarer les sens.

Cette année, belle évolution, grosse révolution : direction le Lac de Maine, un cadre paradisiaque et naturel, qui offre, en terminaison d'une sympathique piste cyclable, un paysage arboré, de l'herbe (celle sur laquelle on marche, Sam) et une plage où la vie aquatique bat son plein. Nous sommes les 27 et 28 juin, et, des abords du site émane donc un vrai parfum d'été. Le seul béton visible sur zone est celui d'une imposante pyramide (celle du club nautique), symbole psychédélique s'il en est, qui ornait déjà la pochette du premier album des 13th Floor Elevators, les figures tutélaires de toute la franchise Levitation. En terme de vertige sensoriel et référentiel, on peut difficilement faire mieux.

Et ça ne fait que commencer : il est 16h30, il fait 35°, le rhum en fait 5 de plus, j'entre dans la place. Sur la gauche, un bar, des bancs colorés sous pergolas en bordure du lac, devant, un grand chêne à la fonction parasol salvatrice, plus loin, un brumisateur avec lequel j'aurai bientôt de longs têtes-à-têtes. J'emprunte une allée au charme villageois, dédiée au merch et à la restauration, qui débouche sur un point d'eau, des tables et des transats. Trop bien. Je vous fais grâce d'un descriptif des sanitaires, mais c'est parfait aussi. Et au cœur de ce dispositif : une scène, oui, une seule, contre deux jadis... Mais pas de quoi faire baisser la note. Levitation + Lac de Maine : 5 étoiles easy. On ferme l'appli Local Guide : place à la musique.

27 Juin 2025

Cette première soirée est assez étrange, non pas juste dans la variété du line-up mais dans ses enchaînements, évidemment conditionnés par des impératifs de notoriété et de déplacements des groupes vers d'autres dates. A posteriori, on aurait bien bougé Hinds en première case pour assurer une transition plage-concert toute trouvée. A nouveau réduites à leur duo des débuts (mais bien quatre sur scène), Carlotta Cosials et Ana García Perrote peinent un peu, aujourd'hui, à retrouver la fraîcheur garage-surf des origines et même l'impact pop de leurs productions récentes : "Riding Solo" ou "Boom Boom Back", qui ne sont même pas des guilty pleasures, tournent un peu à vide. Et pourquoi ne pas avoir déclenché, comme de coutume, leur reprise de "Spanish Bombs" du Clash ? Les madrilènes ont beau être volubiles, afficher de larges sourires, faire des chorés, même se grimper dessus en fin de set sur "En Forma" : une super bonne humeur ne suffit pas à faire un super bon concert.

La preuve par l'absurde avec New Candys (déjà présents en 2019). Mais là on rembobine : il est 17h30 et les italiens, tout de noir vêtus, assurent le décollage de Levitation 2025 avec un set dense et tendu, comme les traits de leurs visages. Ils ne sont pas là pour plaisanter mais visent précisément le cœur de cible du festival avec leur garage-rock psyché, assurant la jonction avec le shoegaze et se parant, depuis deux albums, d'attributs électroniques bien pertinents. La formule est parfaitement dosée, ses effets sont immédiats. On imagine qu'ils auraient été décuplés lors d'un passage nocturne. Car ce que proposent les New Candys c'est une succession de petites tueries, qui culmine sur le discoïde "Regicide". Avant cela, "Dark Love", "Twin Mime" ou "Zyko" avaient tiré les premières salves, avec une froideur certaine mais pour un résultat mortel.

Le temps de faire plus ample connaissance avec le brumisateur et de boire 3 pintes d'eau pour une pinte de bière (bienvenue dans l'upside-down caniculaire), je retrouve les amis, dont l'obstination à rater le premier concert d'un festival depuis 30 ans a fini par forcer mon admiration. Charitablement, j'évite d'en faire des caisses sur New Candys mais je commence à envisager d'en prendre une, maintenant qu'on est au complet. Trop tard, DITZ déboule sur scène. Après le purisme statique des New Candys, autre changement climatique : les natifs de Brighton jouent dans toutes les dimensions, partent dans tous les sens. Ils abolissent, dès "V70-Taxi Man", les frontières entre eux et le public, défient la gravité, génèrent un tremblement de terre post-punk, font tomber la foudre noise-rock et soulèvent un nuage de poussière pogoteuse : avec (du) Pif, on évite de justesse de se prendre le wall of death. Comme à son habitude, c'est le survolté chanteur Cal Francis qui mène la danse. Et quand il évoque, à plusieurs reprises, le fait d'aller se baigner, on peut être sûr qu'il va finir par le faire : c'est le cas sur le terminal "No Thanks, I'm Full". Il remonte du lac avec des algues qu'il balance sur les premiers rangs, pareil pour ses chaussettes, puis s'allume une clope – la meilleure, post-baignade – avant d'initier un dernier circle pit. L'enfant hyperactif qu'ont eu IDLES et Gilla Band continue sa croissance incontrôlée.

Coq à l'âne : c'est donc là que s'intercale la prestation de Hinds. Âne au coq : elle sera suivie de celle de Kadavar. Le groupe allemand, auquel collabore (mouais) depuis 12 ans le français Simon Bouteloup, fait partie de ces formations dont Levitation est friand, capables de drainer une fanbase étrangère, comme autrefois Acid Mother Temple ou Kikagaku Moyo. Les débuts discographiques de Kadavar étaient facilement datables au carbone 14, à l'exacte charnière 60's/70's : pensez à Paranoid de Black Sabbath (dont le titre éponyme est joué deux fois par le DJ du festival en tir de semonce), Deep Purple in Rock, le Led Zeppelin II… Depuis la donne a changé, s'est durcie avec Rough Times (2017), puis assoup(l)ie avec les covidiennes et aériennes Isolation Tapes (2020), voire carrément popifiée avec le dernier opus I Just Want to Be a Sound (2025). On ne sait donc pas à quoi s'attendre ce soir, si ce n'est à des coupes de cheveux d'époque et des tenues historiques : un certain folklore servi par un son ample, massif et d'une pureté exemplaire (la moitié du groupe a une formation d'ingé son). Même le récent single "I Just Want to Be a Sound", pour lequel les avocats de MGMT ont déjà constitué un dossier, passe plutôt bien. Mais c'est assurément sur le final plus stoner "Black Sun", "Into the Wormhole" et sur le convulsif "Die Baby Die" que la machine à remonter le temps tourne à plein régime.

L'ambiance fait à nouveau une grosse embardée pour le set de Blonde Redhead, dont l'amorce sur le pourtant magnifique "Falling Man" est un peu hésitante. D'ailleurs, Amedeo annonce rapidement qu'il est en train de perdre sa voix... Ensuite – et j'en suis le premier désolé – je m'accroche mais n'accroche pas totalement à ce concert. J'avais également eu du mal à savourer, malgré l'invitation de son titre, leur dernier album en date Sit Down for Dinner (2023). Et pourtant j'adore Blonde Redhead : leur concert en 2000 au Café de la Danse est facilement dans mon Top 10 des prestations les plus renversantes auxquelles j'ai assisté, avec des secousses secondaires, de légèrement moindre intensité, en 2004 et 2011. En fait, j'ai un problème avec la set-list, alors que le trio pourrait puiser plus profond dans un répertoire à la richesse opulente : aucun titre emblématique de leur jeunesse sonique (bon, ok, "Bipolar", si on veut), aucun morceau du monumental Melody of Certain Damaged Lemons (2000), un seul du sublime Misery is a Butterfly (2004)… Heureusement, 23 (2010) est encore dignement représenté : "Dr Strangeluv" et l'enchaînement "SW" et "23" me procurent quelques frissons pavloviens... Après, ils jouent divinement bien, tissent leur notes comme d'autres de la dentelle, les jumeaux sont beaux, élégants et gracieux. Kazu l'est aussi, elle a toujours le meilleur jeu de jambes du circuit et affiche avec conviction son soutien palestinien… Bref, ils sont parfaits. Mais je suis plus admiratif que réellement enthousiaste. Et je m'en veux. Et d'ailleurs, je vais aller me coucher.

Mais d'abord, il faut dissuader Seb d'aller squatter le stand Prévention/Réduction des Risques, alors que c'est mort depuis bien quatre heures. Enfin, depuis toujours en fait. Et ensuite, il faut essayer de suivre Cyril qui se prend pour Tadej Pogacar sur "la sympathique piste cyclable", maintenant totalement hostile, parce que non éclairée, parce que mes yeux ne sont plus dans l'axe des roues et que des trottinettes électriques haineuses essaient de nous découper. Je les évite mais je ne lévite plus du tout.

28 Juin 2025

Je finis par émerger tardivement et commence la journée par l'écoute très plaisante du tout nouveau EP de Blonde Redhead The Shadow of the Guest, soit des relectures ASMR (sic) ou avec chorales de morceaux du dernier album. Sauf qu'il y a en plus deux versions de "For the Damaged Coda". Ben voilà, merci ! Mon sentiment de culpabilité s'estompe, le mal de crâne moins. Surtout que je me mets en tête de chercher, depuis le centre d'Angers, un itinéraire bis cyclable, aussi goudronné que le parking du Chabada, en prévision du retour de ce soir. Je le teste à l'aller quelques heures plus tard : ça passe !

Arrivé sur place, je rouvre l'appli Local Guide pour voir si je peux mettre une sixième étoile : dans la nuit, le point d'eau, transformé en marécage la veille, a été modifié, délimité et doté d'une pente d'évacuation. Je pense, avec émotion, aux tutos bricolage de David Lynch. Plus tard, c'est Christophe "Doudou" Davy, le boss de Radical Production qui remédiera, en personne, au problème de poussière devant la scène en aspergeant régulièrement le sol et les festivaliers consentants avec un tuyau d'arrosage : une orga aux petits oignons et aux petits soins !

Il fait encore plus chaud que la veille, et Levitation rime déjà avec liquéfaction quand les jeunes angevins de Rest Up allument la première mèche. Quelques minutes plus tôt, j'avais croisé sur le site un jeune vingtenaire avec un t-shirt METZ et je m'étais dit : "Tiens, cool un jeune vingtenaire avec un t-shirt METZ". Le voilà maintenant sur scène, à la basse, avec ses deux comparses. Et le trio confirme haut la main en live ce que l'on a déjà pu entendre d'eux sur les plate-formes : soit un premier EP It Was Summer (oui, ben ça l'est toujours et plus que jamais même) et les deux singles annonciateurs d'un futur album automnal, Real Sensations, toujours sous la tutelle sonore de Daniel Fox de Gilla Band ! Excusez du peu. Noise-rock, post-punk, inflexions noisy-pop (voire jangle-pop), modulations plus électroniques et phases post-rock… Le trio sait déjà tout faire, parfois de manière frontale ("Accutane"), parfois au sein d'un même titre ("Exutory"). C'est limite obscène (comme un jeune vingtenaire avec un t-shirt METZ). Levitation rime avec révélation.

Honnêtement, Honesty, comment dire… Imaginez un plat concocté avec les restes de la veille (en l'occurrence Massive Attack/Jungle/Burial/Mount Kimbie), passé au mixeur uk bass pour faciliter sa digestion, le tout servi sans conviction, mais avec prétention, par trois gars qui ne font même pas semblant de faire semblant de jouer. Mais qui sont partie intégrante d'un collectif pluri-disciplinaire à géométrie variable, "dont la vocation est d'offrir un voyage vers l'acceptation de soi dans un monde qui s'écroule sur lui-même"... Ouch. Avec Romain, on préfère encore aller rôtir sur les bancs colorés. Allez, ok, l'adjonction tardive du rappeur Kosi Tides fait quand même bouger les lignes mais toujours assez peu le public. En rentrant chez moi, je constate que la céleste Florence Shaw de Dry Cleaning est allée se fourvoyer dans cette entreprise, mais seulement pour un morceau d'une minute et vingt secondes. L'honneur est sauf.

Je sais déjà que je vais avoir un petit problème avec Heartworms, le projet de Jojo Orme, ce soir réduit à un trio. Autant j'adhère à beaucoup de ses titres et au projet global de sa proposition musicale : transfuser de la pop dans le post-punk. Autant, je trouve que sa théâtralité, certes motivée par une revendication affirmative, offre un peu trop de distraction alors que l'impact de sa musique pourrait suffire. Par contre, j'admire son élégance et son courage qui la font arborer un long manteau noir, manifestation sobre de son étrange fascination militaire, alors que le mercure continue de plafonner. Le set démarre tranquillement par les titres introductifs de son album Glutton for Punishment (2025) puis gagne en vélocité avec les imparables "Retributions of an Awful Life" et "Consistent Dedication", tirés de son EP de 2023. "Mad Catch", "Extraordinary Wings" ou "Celebrate" sont l'occasion d'entendre l'étendue de sa palette vocale dans des registres plus posés, lyriques ou vaporeux. Elle repart finalement au combat et en vrille avec "Warplane", avant de nous fondre dessus avec un "Jacked" guidé laser : "And this nothing turns black ". Drapeau blanc : je me rends.

Bdrmm est une des formations que j'attends le plus aujourd'hui. On les avait d'ailleurs déjà vus à Levitation en 2022. C'est l'antithèse d'Honesty et la définition même de la probité musicale. Soit un vrai groupe, investi, modeste et communicatif, à la pureté artistique diamantaire et à la compacité exemplaire. Même avec une batteuse nouvellement intégrée. Ils me rappellent DIIV dans toute l'intention qu'ils savent injecter dans leurs sets. Ils ne dérogeront pas à la règle ce soir. Le concert commence par un retour à leurs sources shoegaze/dream-pop via un "Push/Pull" déjà magnétique. Puis, sans transition, ils détournent les codes d'une drum'n'bass minimale et éthérée avec "John on the Ceiling" et "Lake Disappointment", canalisant ainsi l'influence électronique qui irrigue chaque piste de leur récent album Microtonic (2025). "Infinity Peaking" construit une belle passerelle entre l'ancien et le nouveau monde. Tapies dans l'ombre projetée, les guitares sont prêtes à bondir : comme sur un toujours extatique "Be Careful" qui fait groover la dream-pop et sur la décharge sonore de "It's Just a Bit of Blood", dont le rebond final est systématiquement jouissif. Le concert s'achève sur "Port", single isolé et rampant, qui donne l'occasion au clavier/bassiste Jordan Smith de venir chercher, une dernière fois, une foule déjà acquise. Merci, la soirée est définitivement satellisée.

Le choc est d'abord visuel : Les Bryan's Magic Tears débarquent sur scène comme les membres d'un gang sur un point de deal, de MDMA forcément. Le choc est ensuite mémoriel : largement axé sur leur dernier album Smoke & Mirrors (2025), ce concert me projette plus de 35 ans en arrière, à l'époque du second summer of love anglais. L'explosion de la house faisait alors voler en éclats les barrières musicales : avec la réaction en chaîne indie-dance/baggy-sound, catalysée par la scène de madchester et avec comme accélérateur de combustion la fameuse Hacienda, le club mythique largement subventionné par les parrains New Order. Voix traînante, breakbeats, giclées de TB-303, basses rebondies, guitares rasoir ou rasantes : on s'y croirait dès "Side by Side". Surtout que le chanteur/guitariste Benjamin Dupont est un croisement fonctionnel entre Shaun Ryder et Bez des Happy Mondays : coupe au bol + tambourin(=maracas) + morgue mancunienne. Cyril me fredonne à l'oreille "I'm Free" des Soup Dragons sur "Stream Roller" et ça colle (bonus débloqué : il vient de chanter une reprise des Rolling Stones). Pour célébrer dignement l'époque où on était déjà cons mais beaucoup plus jeunes, je cours rameuter les amis Romain et Richard (qui, de fait, va continuer à bien se faire cuire le cou en plein soleil). "Sad Toys" et un "Raised by the Rain", émaillé de la belle voix de Lauriane Petit, ménagent une transition vers une deuxième partie de set, toute aussi jouissive, qui bascule dans le shoegaze. A partir de là, on invoque les esprits de MBV, Ride, The Boo Radleys ou Chapterhouse. Même période, le panorama est complet, la fête est totale. Et soyons bien clairs, Bryan's Magic Tears ne se réduit pas à un empilement de références : la foule aimante est totalement aimantée par leur jeu et ce final dantesque sur le bien-nommé "Happy and Tired". MERCI.

La première fois que j'ai vu The Limiñanas, à La Sirène rochelaise, en 2016, j'avais été conquis par leur capacité à produire une transe sonore velvetienne sur des morceaux garage aussi courts ou à rendre le sucre yé-yé totalement abrasif. La seconde fois, en festival (Route du Rock, 2022), "nos" retrouvailles avaient été assez déceptives. Là, depuis plusieurs mois, quitte à engendrer une attente démesurée, on me dit régulièrement (Boli, Denis, David, René…) : il ne faut pas rater The Limiñanas sur cette tournée. C'est vrai. Marie et Lionel ont maintenant atteint un point d‘équilibre parfait entre majesté et modestie, virtuosité et minimalisme, apesanteur et densité. Le set-up scénique, avec son écran led concave, en impose et amplifie l'écho cinématographique et lysergique de la musique. Sur cette toile de fond mouvante aux effets hallucinatoires, se détache les silhouettes western d'un groupe compact mais étendu. Deux adjonctions décisives. D'un côté, le chanteur Thomas Gorman, capable de suppléer vocalement tous les guests discographiques, d'Anton Newcombe et Bobby Gillespie à Rover et Daho, ou encore Bertrand Belin pour une version internationalisée de "J'adore le Monde". Jusqu'à Emmanuelle Seigner sur "Shadow People". De l'autre, le dernier membre historique des Fleshtones avec Peter Zaremba, soit le guitariste Keith Streng, dont on aimerait bien connaître la routine matinale pour être capable, à 70 ans, d'arpenter la scène dans tous les sens en faisant la toupie, mettre des high-kicks au dessus des pieds des micros et prendre des solos dantesques. La set-list, déjà orgiaque, fait une place au "TV Set" des Cramps et l'enchaînement final "Je m'en Vais"/"Rocket USA" de Suicide est absolument stellaire. D'ailleurs, du début à la fin, on aura eu l'impression d'être aspiré dans le tunnel de la "Stargate Sequence" de 2001, l'Odyssée de l'Espace, avec la meilleure B.O. de l'univers. BRAVO !

Troisième claque d'affilé, j'ai les joues rouges et les sens déjà complètement bombardés. Et je sais que ce n'est pas fini : je me dépêche donc de faire le vide, en haut et en bas, pour refaire le plein et tenter de me rendre à nouveau cérébralement disponible. Car, j'ai la chance d'attendre beaucoup de Boy Harsher, soit le meilleur binôme darkwave (avec NNHMN, SDH et nos plus teigneux Years of Denial), capable d'amalgamer, avec un dosage précis, des influences électroniques qui vont de la synth-pop à l'EBM. Sur l'introductif et climatique "Keep driving", je nourris encore quelques doutes : est-ce que le greffon va prendre sur le public de Levitation ? Appréhension balayée avec le génial "Give Me a Reason", tiré de leur auto-B.O. The Runner (2022), qui voit la foule affluer et danser avec ardeur. La voix spectrale et reverbée de Jae Matthews ondule à l'infini sur les productions acérées de Gus Muller. Mis à part avec la pause hantée "Tower", le duo assure un tir nourri de BPM : "Fate", "Westerners" et surtout "Come Closer", "LA" et "Pain" (parce qu'il paraît qu'on aime ça, nous les français). Fin parfaite, d'une journée quasi-parfaite.

Extraction "sanitaires" un peu longue, passage par la case ravitaillement autour du plateau de fromages des Limiñanas et je vais enfourcher mon vélo. Je rentre sans problème via mon nouvel itinéraire routier. Mon coéquipier, parti bien après, le boude. Il emprunte la piste cyclable caillouteuse et se mange une pelle : tu manques de respect à Boy Harsher, tu te prends un retour de karma ! Arrivé dans le centre, j'avale même la côte du château en danseuse, totalement galvanisé par la grande qualité de cette soirée et, plus globalement, de cette 12ème édition du festival, dont on espère que la nouvelle localisation va se pérenniser. Et désolé TINALS, mais sans regret...

Merci à toute l'équipe de Levitation, du Chabada, de Radical Production, à Lara, à René, à Renaud, à Cyril et Géraldine. Merci aux amis cités ci-dessus pour ces moments partagés et les bons souvenirs que nous en garderons. Et donc, Marie, si jamais tu nous lis, en terme de séries coréennes, je te conseille Sisyphus, totalement récessive mais bizarrement addictive.

Les nombreuses (vraies) photos de Levitation France 2023 par Renaud

C.O.F.F.I.N + CLAMM + Model/Actriz

Fabrice Privé — 2025-06-21T09:28:30Z

Cette nouvelle soirée à La Sirène est sans doute le prolongement idéal du récent passage (à tabac) d'IDLES quinze jours plus tôt. Entre les deux, il y a bien eu Franz Ferdinand, mais l'activité "thé dansant et bingo des tubes", proposée ce soir-là, nous ayant moyennement attirés, nous nous étions rabattus sur les ateliers "brasserie et dégustation" puis "danse symbiotique" aux sons d'un dj set parfait.

L'affiche de ce soir est assez emblématique de ce que La Sirène sait offrir régulièrement : un line-up varié, spontanément presque incongru, mais dont on finit naturellement par suivre le fil rouge à mesure qu'il se déroule. La thématique de ce soir ? "Trois nuances de punk" serait réducteur. "Analyse différentielle des effets euphorisants de l'intensité sonique en espace confiné" : trop universitaire. "Le bruit qui fait mal fait du bien" : bas de gamme. Et pourtant…

Malgré la propagation rapide de l'écho de leur excellent deuxième album Pirouette, c'est étrangement Model/Actriz qui débute, avec le génial morceau "Vespers" mais devant une audience clairsemée. Quand il fait 35 degrés dehors et que la mer joue pas loin le même soir, la concurrence est rude. Mais voyons le bon côté des choses : cela laisse toute latitude au stylé et fantasque Cole Haden pour aller, comme à son habitude, évoluer de manière absolument gracieuse et habitée au milieu de la "foule". Comme quoi on peut participer à l'ouverture du dernier Miley Cyrus et continuer à choyer le contact avec la plèbe. Musicalement, la formule Model/Actriz, déjà incroyablement dosée sur disque, produit une réaction chimique éruptive lors de son passage à la scène : beats à la résonance électronique quasi-indus, guitares abrasives gros grains et ce champ/chant magnétique généré par les mélodies vocales de Haden, parfois hurlées ("Mosquito"), souvent ourlées ("Cinderella"). Plutôt que de parler trivialement de sexy post-punk, on irait bien soumettre au groupe de Brooklyn une catch-line piquée au mythique premier album de Soft Cell : Non-Stop Erotic Cabaret. Cette disco de la mort et de l'amour est irrésistible.

La mer a dû terminer son set car il y a déjà beaucoup plus de monde devant CLAMM. On avait déjà vu, et surtout entendu, les natifs de Melbourne à Levitation en 2023. Outre la poussée capillaire du chanteur/guitariste Jack Summers et une setlist largement rénovée, on reste en terrain connu : ce heavy-punk expéditif est vraiment robuste, d'autant que les petites nouveautés incorporées sur le récent et très bon Serious Acts sont restituées sur scène, en début et fin de concert ("More Serious Acts" et "And I Try") : à savoir des accents post-punk caractérisés par un rythme plus cinétique, des morceaux plus longs, une scansion vocale hachée et des pulsations électroniques minimales. Peut-être une filière à développer pour rompre une petite monotonie rampante, largement compensée par la pureté élémentaire assez admirable du set : comment éviter les balles traçantes punk que sont "Change Enough", "Bit Much" ou "No Idea" ?

C.O.F.F.I.N sont aussi des Aussies. Mais de Sydney. Avec eux, le curseur heavy monte encore d'un cran. Sans virilisme, avec une forte sensibilité pour la cause aborigène, un amour déclaré à Model/Actriz et surtout avec un batteur-chanteur. Ce qui est toujours absolument fascinant (Death from Above, Crack Cloud… euh Eagles). Comme savent le faire leurs compatriotes The Chats ou Amyl and the Sniffers avec des dosages différents, C.O.F.F.I.N combine urgence punk et force de frappe hard rock. Outre l'hommage géographique, il n'est donc pas étonnant de les entendre reprendre AC/DC (ça aurait pu être Motörhead, mais c'est tout de suite moins australien) : un vieux "Riff Raff" – période Bon Scott donc – qui ne fait absolument pas d'ombre à leur propres compositions d'une densité exemplaire. Mentions spéciales à l'amorce "Cut You Off", puis "Give Me a Bite", "Dead Land" ou "Fast Love". Des morceaux speed, parfois massifs, toujours parfaitement profilés par une dextérité instrumentale certaine, et donc résolument perfor(m)ants. Dansant et consentant, on sera encore passé, ce soir, devant un beau peloton d'exécution.

Merci à La Sirène.

Idles

Fabrice Privé — 2025-06-07T16:20:29Z

Un extrait du concert ICI

Les photos sont de Marie Monteiro, on vous conseille d'aller voir ses photos sur son INSTAGRAM

Pour citer subtilement IDLES : Well Done La Sirène ! Proposer au groupe un tour de chauffe rochelais avant qu'il ne roule sur le grand circuit festivalier (Primavera en tête, dès le lendemain) : grosse inspiration, belle surprise ! Nuançons tout de suite cette notion de rodage : pour les natifs de Bristol, pas question de gentiment faire ronronner le moteur sur une ligne droite. Ce soir, ils partiront direct en drift, brûleront de la gomme, feront bien monter les tours et les décibels. Le tout devant 1200 personnes, certaines venues de loin, conscientes de la chance offerte maintenant que le groupe est habitué à des jauges supérieures. Et même quand on a déjà pratiqué IDLES en concert et que certains passages peuvent paraître un brin mécaniques (promis, après j'arrête avec cette métaphore filée graisseuse), on finit toujours impressionné par la manière ahurissante avec laquelle ils (se) donnent sans compter.

IDLES n'ont pas joué en live depuis le 4 février dernier, mais tout est solidement en place dès le titanesque (forcément) "Colossus" : l'intensité punk, la hargne féroce, le rythme massif, l'engagement physique et politique, le langage corporel et multilingue de Joe Talbot ("merci beau-fucking-coup") et ce jeu de scène collectif totalement fusionnel et débridé. Lequel déborde souvent au cœur et au dessus du public, via les excursions des deux guitaristes : Lee Kiernan et le toujours joliment apprêté Mark Bowen. Une liberté permise par l'inébranlable assise rythmique bétonnée par Jon Beavis à la batterie et un très fit Adam Devonshire à la basse, qui doit maintenant soulever de la fonte en même temps qu'il coule du plomb avec sa quatre cordes.

L'amorce du concert est royale (mais "fuck the king") et balaie en cinq titres les cinq albums du groupe. Avec, outre le morceau inaugural, un enchaînement bien méchant : "Gift Horse", "Mr. Motivator", un "Mother" repris en chœur et le monstrueux "Car Crash". Les IDLES ont beau prêcher l'amour, la paix et la compassion, avec eux c'est balistique : les bombes tombent et le public succombe. Il danse, pogote, crowd-surfe, chante, hurle, s'adonne à un mini wall of death ou à un circle pit. Il se fera même – littéralement – mettre sur le cul avant d'être invité à rebondir pendant "I'm Scum". Bref, ce soir La Sirène passe sur le grill comme une vulgaire sardine. Et les IDLES la retournent en fin de cuisson avec les plus rampants et infectieux "POP POP POP" et "The Beachland Ballroom", préludes à un final paroxystique : "Never Fight a Man With a Perm", "Dancer", "Danny Nedelko" et un épileptique "Rottweiler" à rallonge, qui voit Talbot rejoindre Beavis derrière les fûts, et un Bowen virevoltant présenter chacun de ses comparses avant d'appeler, une dernière fois, au cessez-le-feu à Gaza.

Fidèles à leur inébranlable doctrine anti-rappel, les IDLES ne remonteront pas sur le ring : pas la peine, l'éponge est jetée, le public est essoré, KO debout et affiche un sourire niais. Ce combat acharné aura été livré pendant 1h40, soit sûrement plus que la durée des prestations qu'ils assureront en festival, preuve ultime d'une générosité intacte. Allez, pour mégoter mais renforcer le milieu de la setlist, on aurait bien vu l'intégration des titres "1049 Gotho" ou "Samaritans"… et surtout du pourtant emblématique "Well Done", pour lequel il va bientôt falloir émettre un avis de recherche.

Un grand merci à La Sirène, Martin, Yvan, Micka, Marie ainsi qu'à Lauphi, des Magnetic Friends, qui a ravivé, en after, les souvenirs de tant de DJ sets légendaires à La Route du Rock.

Shannon Wright

Fabrice Privé — 2025-03-21T13:38:01Z

La gestation de l'album Reservoir of Love s'est faite dans la douleur : celle intime de la maladie (auto-immune), celle sourde du deuil (perte des amis Steve Albini et Philippe Couderc). Cet opus constitue pourtant la grande et bonne surprise de ce début d'année 2025. Déjà parce que sa sortie intervient cinq longues années après celle de son prédécesseur : un Providence au piano-voix aussi somptueux qu'unidimensionnel. Ensuite parce que les diverses tonalités de la musique de Shannon Wright y résonnent donc à nouveau, et de manière vibrante. Enfin parce qu'il est animé d'une pulsation et d'une pulsion vitales retrouvées, et communicatives. Ce 13ème album de Shannon Wright, en comptant large, lui porte donc finalement chance. Une chance qu'elle a choisi de forcer et de se (re)donner. Une chance dont elle nous fait profiter ce soir, dans l'atmosphère feutrée du Club de La Sirène.

Le déjà mythique titre éponyme, en forme de profession de foi, amorce le concert : "I want a reservoir of love". Mais la suite balaiera bien 25 ans d'une œuvre riche et variée. Car si Reservoir of Love n'est pas sur-représenté dans la setlist, Shannon Wright en épouse les contours en allant piocher, dans ses autres albums, la même variété d'ambiances. Particulièrement dans l'excellent Over the Sun de 2004. Fulgurations noisy ("Fractured", "Commoners Saint"), vignettes brechtiennes ("Defy this Love"), ballades déchirantes ("Countless Days"), coups de boutoir ("With Closed Eyes")... L'atmosphère est donc très changeante. Seul le folk bizarre des débuts manque peut-être à l'appel.

Mais, dans la frénésie comme dans la solennité de cette musique , il y a une constante : l'intensité. Celle de la présence de Shannon Wright. Vocale, physique, gestuelle. On admire cette chorégraphie fluide qui la voit venir délicatement s'asseoir derrière son Wurlitzer avant de glisser sur scène pour ré-empoigner sa guitare. On ressent, à chaque instant, toute l'intention mise sous sa chevelure fournie, un paravent d'intimité autant qu'un casque pour repartir au combat. Avec le renfort déterminant et déterminé de cette section rythmique d'élite : les fidèles Kyle Crabtree et Todd Cook (ah... The For Carnation). En vrai power trio, ils auront su canaliser, pendant presque une heure et demi, une énergie mouvante qui se catalyse sur les magnifiques "You'll Be the Death", "Who's Sorry Now ?" ou "Black Little Stray" en fin de parcours.

(Pensée furtive - en mode balle perdue - sur le chemin du retour : pour avoir "récemment" vu Cat Power, le contraste était saisissant entre la vitalité pénétrante de Shannon et la sophistication imperméabilisée de Chan).

Merci à toute l'équipe de la Sirène !

Mount Eerie

Fabrice Privé — 2024-12-20T13:41:45Z

Il y a quatre ans, Phil Elverum, grand conteur de l'intime comme ses congénères Will Odlham, Bill Callahan ou feu Jason Molina, réactivait le patronyme The Microphones pour un album vital : Microphones in 2020 ne comportait qu'un seul long titre, bâti sur un motif de guitare folk (celle de son adolescence) qui s'effaçait ou se disloquait à l'occasion pour faire remonter à la surface l'expression de ses différentes tentations sonores : polyrythmie, drone, noise... Cet opus en apesanteur, rétrospectif et introspectif, permettait à son auteur de balayer plusieurs décennies de souvenirs, anecdotes, quêtes de sens, pertes de repères et prises de conscience. S'opéraient, au fil de ces 45 minutes, des allers-retours hypnotiques entre plusieurs époques de son existence ainsi qu'un ping-pong vertigineux entre sa vie personnelle et son rapport à la création. L'écriture d'Elverum, totalement liquide, était encore magnifiée par la version vidéo de l'album mettant à l'honneur plus de 700 de ses photos, dans un vaste diaporama/panorama illustrant cette grande psalmodie.

Quatre ans plus tard, une éternité pour Phil Elverum, c'est sous la griffe Mount Eerie que sort Night Palace (du nom du poème qui ornait la pochette du déchirant A Crow Looked at Me de 2017, enregistré juste après la mort de sa femme). Contrairement à ses trois prédécesseurs sous cette étiquette, dont l'acoustique ténue était largement marquée par le deuil et la survie, Night Palace renoue avec un spectre musical très large. Ce qui pourrait en faire le prolongement de Microphones in 2020, où il n'y aurait non pas un morceau, mais vingt-six (pour une durée totale d'1h20). Et si l'approche diffère entre les deux opus, le sentiment d'avoir affaire à un album-somme ou à un inventaire artistique et émotionnel est assez similaire. Sauf que Night Palace est plus touffu et plus abrupte dans ses embardées musicales : accueilli par une atmosphère chargée en électricité statique, l'auditeur est ensuite pris par la main via la basse rondelette de "Huge Fire", avant d'être lâché au milieu de la casse rythmique de "Breaths" où résonne bientôt le cri primal "Swallowed Alive"... Les premiers titres sont ainsi d'inspirations très disparates : leur enchaînement imprime un rythme, justement arythmique. Et une fois que l'on se cale dessus, approximativement, l'exploration peut commencer.

Ce périple passe par des dénivelés accidentés, des chemins contemplatifs ou des lignes de crête instables. Une notion de voyage d'autant plus prégnante que, une fois de plus dans l'œuvre de Phil Elverum, la nature et ses éléments (soleil, vent, pluie, brouillard, éclairs...) sont les reflets mouvants de ses questionnements intérieurs. Lesquels sont nourris par une acuité régénérée qui se traduit, musicalement, par un appétit retrouvé : pastilles pop pastorales, folk-songs dysfonctionnelles, respirations drones, ripostes indie rock, diffractions bruitistes, résurgences black metal ou nouveautés rythmiques trap... Phil Elverum est à l'écoute de tous ses penchants et leur laisse libre court, souvent au sein d'un même morceau : "I Spoke with a Fish", "I Heard Whales (I Think)" ou "Non-Metaphorical Decolonization" sont autant d'exemples marquants. Il passe aussi aisément d'un chant délicat ("I Walk") au spoken word le plus naturaliste ("Demolition"). Et il amplifie, comme souvent, l'écho de ses créations passées (un titre de The Glow pt. 2 trouve par exemple ici une suite, 25 ans plus tard). Bref, avec Night Palace, Phil Elverum fait se réfléchir les nombreuses facettes de sa poésie de la micro-gravité dans une lumière changeante et ravivée. Ce faisant, il remet en perspective un bon quart de siècle de The Microphones/Mount Eerie via cette sorte de "compilation originale", certes labyrinthique et exigeante, mais surtout passionnante.

La vidéo de Microphones in 2020

Kim Deal

Fabrice Privé — 2024-12-05T18:23:40Z

Sortir un disque solo, c'était déjà le projet, en 1994, pour l'album qui deviendra finalement celui de The Amps (Pacer). Pas facile pour Kim Deal de franchir le pas, elle qui avait toujours voulu faire partie d'un groupe, qu'il s'agisse de se mettre à son service avec les Pixies ou d'être à sa tête avec les Breeders. Il aura donc fallu 30 ans pour que l'idée chemine et se concrétise. Avec comme étapes fondatrices, une prestation en équilibriste au festival All Tomorrow's Parties de 2012, puis la sortie perlée de plusieurs 45T auto-produits les mois suivants. Et ensuite ? Kim Deal avait définitivement quitté le navire Pixies pour retourner sous pavillon Breeders. Là, le temps s'était étiré ou compressé, au choix : tournée pour les 20 ans de Last Splash en 2013, sortie de l'album All Nerve (2018), puis concerts pour les 30 ans de Last Splash, et enfin, en 2024, quelques premières parties – probablement surréalistes – pour Olivia Rodrigo ("Cannonball" a changé sa vie).

Parmi les titres datant de 2012-13, certains se retrouvent sur ce Nobody Loves You More, mais "Walking with a Killer" a lui rejoint le catalogue des Breeders. Quant à "Disobedience", présent ici, il a récemment été joué en live par le groupe… Pas simple de s'y retrouver : il existe une porosité certaine entre les projets en solitaire de Kim Deal et ceux de sa formation. Surtout que les trois batteurs qu'aient connus les Breeders jouent sur cet album et que la sœur jumelle Kelley Deal est également de la partie. Bref, cela fait beaucoup de Breeders au m² pour un un album solo. Et pourtant Nobody Loves You More offre bel et bien une vision très personnelle de l'esthétisme rock lo-fi dont Kim Deal a toujours été la papesse. Avec ce mélange persistant de précision et de nonchalance qui lui a valu l'admiration et l'amitié fidèle de Steve Albini. Jusqu'à la fin : Nobody Loves You More est une des dernières contributions du chicagoan à l'ingénierie sonore puriste, avant sa mort en mai 2024.

Cette grande perte pour Kim Deal a fini de donner une tonalité particulière au projet. Car c'est aussi sa vie personnelle de ces 20 dernières années qu'elle avait choisie de documenter : la maladie (l'Alzheimer de sa mère), la fin de l'addiction (la sienne), son retour à Dayton (Ohio), la mort de ses parents… Mais Kim Deal étant ce qu'elle est, pudique et facétieuse, elle a transformé tout ça en un scrapbook qui se feuillette : avec des souvenirs, des annotations griffonnées, des photos un peu passées ou des collages colorés. Et s'il demeure ici des marqueurs de l'énergie branlante et branleuse des Breeders ("Disobedience", "Big Ben Beat"), des pigments bien différents viennent enrichir la palette. Sans jamais la surcharger. Outre la bien belle disco saturée de "Crystal Breath", ce sont surtout dans des atmosphères cotonneuses et joliment rétros que se révèlent ces nouvelles nuances. Cordes et trompettes viennent ainsi ourler la voix ténue de Deal sur le génial titre éponyme. "Coast" enfonce le clou cuivré et flirte avec le Rock Steady. Ailleurs, on entend des accents Doo Wop ou jazzy, un ukulélé ou une flûte pour illustrer ces instantanés d'une vie. "Are You Mine ?", "Wish I Was" ou "Summerland" sont autant de petites vignettes en suspension, souvent mélancoliques, parfois lynchéennes, toujours classieuses. Et Kim Deal achève de conjurer le mauvais sort sur deux comptines plus noisy ("Come Running" et "Good Time Pushed"), en forme de synthèses d'un univers sonore décidément emblématique, qui s'est ici délicatement étoffé.

The Cure

Fabrice Privé — 2024-11-27T15:48:20Z

Avec l'arrivée de ce nouvel album de The Cure, le premier en 16 ans, c'est un sentiment de soulagement qui prime : celui de ne pas voir leur prestigieuse lignée discographique s'éteindre avec The Cure (2004) et 4:13 Dream (2008). Soit deux opus où le groupe de Robert Smith s'embourbait dans des compositions moyennes ou redondantes, à la production marécageuse. De ce marasme, on avait sauvé le majestueux Underneath the Stars, qui n'aurait d'ailleurs pas dépareillée sur ce Songs of a Lost World : même langueur lancinante et climatique. Un sillon que Robert Smith – on le sait maintenant – parvient encore à parfaitement creuser.

Les signes annonciateurs de Songs of a Lost World sont anciens et contradictoires. Ils remontent principalement à 2019. Un album est alors évoqué (voire deux, voire trois). Une sortie est envisagée pour l'année qui suit. Ou celle d'après. Ou plutôt la suivante alors. Des preuves de vie sont enfin apportées lors des tournées 2022/23, avec l'incorporation progressive de nouveaux titres aux setlists. Une forte dominante thématique s'en dégageait : la mort, la perte de sens, de soi et des autres, la fin inéluctable... Des sujets très personnels mais finalement universels dans un monde post-covid, caricaturalement clivé, climatiquement menacé, géopolitiquement traumatisé, psychologiquement fragilisé. Les deux précédents opus n'avaient pas eu de prise sur leur époque. Mais en faisant le choix d'une nouvelle exploration des abîmes et d'un monde qui se perd, The Cure pourrait redevenir parfaitement raccord.

Arrivent septembre 2024 et le teasing surprise, savamment orchestré, de ce nouvel album. Les signaux continuent de passer au vert. Finies les pochettes moches à la chromie douteuse, place à une palette de noirs et gris épurée, ornée d'un visuel gracile d'une sculpture de Janez Pirnat. La tracklist est ramassée : huit titres, comme à la grande époque de Faith ou Pornography. Les premières impressions sonores achèvent de rassurer, avec l'envoi en éclaireurs (noire, la lumière) des titres "Alone" et "A Fragile Thing". Et, enfin, les premières critiques commencent à tomber, unanimement positives. Bref, l'alignement des astres semble favorable, la pression barométrique idéale.

Alors, comment se positionne cette nouvelle livraison au sein de la protéiforme discographie curiste ? On ne fera même pas semblant d'être déçu si on voue une admiration totale à la trajectoire vertigineuse et rectiligne du groupe sur ses cinq premières années, entre 1978 et 1982. Cette page est majoritairement tournée. Celle qui voyait la formation de Crawley partir d'un post-punk osseux mais inventif pour monter sans cesse en puissance au sein d'un minimalisme essentiel, tour à tour feutré (Seventeen Seconds), embrumé (Faith) puis carrément névrosé (Pornography). Ce monstrueux Pornography, dont les derniers vers "I must fight this sickness, find a cure" semblaient apporter la justification de l'existence même du groupe, alors que celle-ci était largement menacée à la fin chaotique de la tournée.

A peine quelque mois plus tard et avec un sens rare de la disruption créative, Smith signait le morceau "Let's Go to Bed" et, par là même, l'acte de naissance d'une phase beaucoup plus pop et fractale. Elle se déployait avec les singles suivants et le néopsychédélisme baroque de l'album The Top (1984). Mais c'est surtout avec les fabuleux patchworks The Head on the Door (1985) et Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987) que la dextérité mélodique de The Cure prenait toute sa mesure, dans des registres musicaux totalement changeants mais avec une invariable aisance. Il n'est pas non plus question de cette maestria pop insatiable sur Songs of a Lost World : elle est cliniquement morte lors d'une tentative de réanimation hasardeuse sur l'album Wild Mood Swings en 1996.

Non, la référence cardinale vers laquelle pointe principalement Songs of a Lost World est bien Disintegration. Jusqu'à l'emprunt de certains de ses effets sonores : tonnerre, cloches tibétaines, bris de glace... Paru en 1989, alors que Robert Smith racle la barrière de sécurité de la trentaine, cet album est un monument de mélancolie, un véritable mausolée dans lequel il fait reposer son désarroi, ses peurs, ses angoisses et ses aspirations, déçues ou non. La musique de The Cure se pare à nouveau d'une teinte très sombre mais là où Pornography était carrément vrillé et glaçant, Disintegration est habité et pénétrant. Ou comment réussir à opérer une soudure à froid entre une rigidité rythmique mortuaire et une luxuriance instrumentale pourtant monochrome, intégrer à cette prodigieuse chimie élégiaque des composants plus pop qui ne viennent pas altérer la formule globale et parvenir au final à forger un nouvel alliage entre la fragilité et la puissance, l'intime et le grandiose.

35 ans plus tard, Robert Smith a maintenant 65 ans. Il a en point de mire la ligne d'arrivée de son existence. Et même s'il affirme être maintenant en paix avec sa vie, celle-ci lui a pourtant mené une guerre sans merci récemment : perte de ses deux parents, de son frère aîné... Autant dire que, par rapport à la crise existentielle stylisée de Disintegration, Songs of a Lost World fait monter le curseur de la gravité de plusieurs crans. Avec une honnêteté désarmante mettant le pathos à bonne distance, vectorisée par cette voix à la pureté intacte et pourtant retrouvée, tant elle semblait forcée ou noyée sur les précédentes et "récentes" livraisons.

Musicalement, le ton est donné dès l'introductif "Alone" qui déploie lentement ses basses et ses guitares magmatiques dans des sinuosités d'effets et de cordes synthétiques : c'est majoritairement dans des proportions étirées que Songs of a Lost World prendra toute sa dimension. Avec comme sommet les 10 minutes de "Endsong" : un point final parmi les plus beaux que The Cure ait su écrire, avec sa longue introduction funéraire qui va crescendo jusqu'à la libération tardive de la parole de Smith ("It's all gone, I will lose myself in time, It won't be long") et une coda paroxystique/cathartique largement façonnée par la guitare de Reeves Gabrels. Thématiquement, les deux chansons sont en miroir : "This is the end of every song we sing, alone" devient "Left alone with nothing at the end of every song". On sait l'importance du premier et du dernier morceau pour Smith, car c'est ce qui lui permet de couler les fondations de son album. Là, il tient dans sa main une paire royale et va pouvoir abattre son jeu.

Entre ces pôles au fort magnétisme, on trouve deux autres longues plages... de sable noir : le très sentimental "And Nothing is Forever" et le déchirant "I Can Never Say Goodbye" ("However hard I try, I'm down on my knees, And empty inside"). Sur la première, Robert Smith enrobe de cordes une complainte vaporeuse à l'être aimé pour qu'il reste à ses côtés jusqu'à la fin. Sur la seconde, c'est la cruauté de la mort de son frère qui se charge en tension puis se décharge dans un solo de guitare poignant. Avec plus de 20 titres mis en chantier sur la période, Robert Smith aurait pu piocher d'autres morceaux engourdis et exploiter le filon de la lenteur. Finalement, il a inséré deux respirations au cœur du disque. Soit une inspiration plus free et noisy sur "Warsong", dont l'intro – un mélange improbable entre "The Kiss" et "Untitled" – débouche sur un morceau teigneux mais au goût d'inachevé, avec sa fin en queue de pois(s)on. Quant à "Drone:Nodrone", c'est le dernier rejeton d'une lignée plus lourde que perpétue The Cure à l'occasion, avec plus ("Never Enough") ou moins de succès ("Switch", "Us or Them"). Mais le morceau fonctionne malgré son embonpoint instrumental : wah wah exubérante, piano, synthés se surajoutent à une rythmique martiale.

L'équilibre est finalement trouvé sur deux titres intermédiaires et midtempo. Et cela fait longtemps qu'on n'avait pas entendu The Cure aussi à l'aise avec des morceaux plus concis. "A Fragile Thing" ressemble bien à un single et compense rapidement son gimmick de piano éculé par la basse magnifiquement saturée de l'unique Simon Gallup. Quant à l'excellent "All I Ever Am" et sa construction méandreuse, ils ne seraient pas sans rappeler Mogwai ("George Square Thatcher Death Party" par exemple), dans un juste retour d'ascenseur, tant on sait que Stuart Braithwaite a été durablement marqué par le premier concert de sa vie... lors du Prayer Tour de The Cure.

Si, d'un point de vue émotionnel, c'est effectivement avec l'album Disintegration que l'on peut remonter une filiation, il ne faudra pas oublier, sur la même branche généalogique, les moments les plus ambitieux de Wish (1992) et Bloodflowers (2000). Car, tout en gardant sa singularité granuleuse, Songs of a Lost World opère une synthèse formelle : la forte empreinte des claviers et l'impact rythmique de Disintegration, la saturation et les volutes shoegaze de Wish... et une certaine viscosité de Bloodflowers. Ajoutons à cela un fort accent mis sur la doublette piano/cordes. C'est à la fois la force de ce disque que de jouer ainsi sur les contrastes, mais aussi son point faible : la pureté de certaines compositions est diluée dans un espace phonique surpeuplé, au sein duquel des sons, parfois même superflus, entrent en conflit d'intérêt. Là, le sens de l'économie du The Cure des débuts manque cruellement. Autre regret mineur : ne pas avoir arrimé à cet album une version studio du titre "It Can Never Be The Same", joué en live dès 2016. Il aurait parfaitement collé à l'ambiance. C'est à dire continuer à la casser...

Mais l'important est ailleurs : à la fois lumineux dans sa promesse et crépusculaire dans son contenu, Songs of a Lost World offre une expérience d'écoute marquante. Et, à l'image de sa pochette, il redonne à The Cure une aura spectrale et granitique, une dimension majestueuse à la hauteur de son mythe d'antan. Tout en cultivant avec l'auditeur une délicate proximité de la tristesse. Cela fait une bonne trentaine d'années que l'on n'avait pas vu le groupe autant en maîtrise de son sujet, autant incarné en lui-même. Le voir aussi bien remonter la pente avec cette poésie du déclin est aussi ironique qu'inespéré. Au point de se demander si, malgré les projets de suites, The Cure ne serait pas tenté de prendre au mot son propre album, lui qui traite aussi justement de la Fin.