Le Cargo !

Jason Van Gulick

luvan — 2015-02-10T14:41:36Z

« Bruxelles est un chou » : une rubrique défrichant ce que Bruxelles fait pousser de mieux en termes de musique. De l'émergent, du sang frais, du volontairement confidentiel... C'est vert façon alien, c'est différent, c'est délicieux, c'est quoi ?

Bruxelles est un chou #2 : Jason Van Gulick

Aujourd'hui, c'est Tympani Set, projet solo du batteur, percussionniste et compositeur Jason Van Gulick.

Tympani Set, c'est une improbable réconciliation.

Où l'aigu produit du grave. Et dans le creux de la cymbale gît le plein. L'anecdotique devient béton ; le détail, architecture monumentale. Et inversement.

On nage en pleine confusion élémentaire. Le métallique, invoqué façon apprenti Thor triturant du tonnerre, devient poisseux. Et l'organique rugueux comme la géode.

Mais s'il y a fourragement, recherche, fouille archéo-pata-zoologique par harmoniques et résonances, on n'est pas pour autant dans l'essence. L'écoute de Jason Van Gulick produit un déplacement saugrenu, suivi d'un recentrage.

On pense se perdre, mais on se trouve. Tout ce qui fait le primate – par frottements, coups, caresses et palpitations – se détache comme une peau morte... et redevient primate – par geignements, cris et plaintes. La mue ne persiste pas. La chrysalide non plus. Rien ne se perd, tout se transpose.

Jeu d'échos aux règles ancestrales, ses battements, finement agencés à la frontière entre retenue et surgissement, tiennent d'un miracle de mécanique quantique.

On touche rarement autant à la vibration. On lui découvre des formes. On la palpe. Le son survenu existe alors avec l'évidence d'une source. On se dit « on avait juste besoin du sourcier ».

Comme le piolet du géologue achoppe le cristal, Jason Van Gulick impose un son achronique et autophage, condamné à sa propre perpétuation.

Unground Part One (excerpts) : "La Nuit Occulte", Théatre de Liège, Belgium from nadine hilbert on Vimeo.

Jason Van Gulick en quelques lignes

Depuis ses débuts à la batterie en 1996, Jason Van Gulick s'est construit un bagage musical hétéroclite. Issu du rock, du hardcore, du rock extrême et du post-métal, il a transité par l'improvisation et a trouvé ses marques dans l'expérimentation et la musique contemporaine. Il travaille depuis 2011 à l'élaboration de plusieurs solos et expérimente autour de la batterie et des percussions. À travers ses projets, il suit des chemins tracés par Fritz Hauser, Lê Quhan Ninh ou Chris Corsano et affirme sa place de percussionniste et de musicien à part entière. L'exploration de l'espace par la diffusion du son et la mise en scène du musicien par rapport au public, sont devenus des thèmes récurant dans ses projets. Ses études en architecture et sa formation aux techniques du spectacle lui permettant de nourrir et mettre en place son travail artistique.

Rendez-lui visite sur son blog ou écoutez-le sur Bandcamp.

Photo : Jeff Humbert

Mathilde Fernandez

luvan — 2015-02-05T15:30:40Z

Bruxelles est un chou #1 : Mathilde Fernandez

Entrer dans un univers musical, c'est entrer dans un salon. Ici, c'est une chapelle. Au mur, figurez-vous des objets cultuels dépareillés. Quelques briques dégarnies, râpeuses. Ça râpe sur la langue, Mathilde Fernandez. On pense entendre un cri. On n'en est pas loin. La voix surprenante de Mathilde Fernandez, comme le cri, s'échappe. Où « s'échapper » équivaut à « s'évader ».

CRI : « Expression phonique d'une sensation, d'un état physique ou moral, ressenti en profondeur très intensément. » (Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales)

Et l'évasion n'est pas jolie. Non, le mot « joli » ne s'applique pas au chant de Mathilde Fernandez. Libres, mais depuis peu, les morceaux qu'elle nous livre ce soir-là, dans le loft ixellois de Marc Taraskoff, sont pleins jusqu'au goulot de la jouissance juvénile du reclus tout juste relaxé, mais aussi du souvenir des choses qu'il a fallu casser pour sortir : les fenêtres, les miroirs, les écrans.

Claire, sa voix ne l'est pas vraiment, même si elle s'amuse à le prétendre l'espace d'un refrain sournoisement a capella. Elle s'échappe de ça aussi : de l'académisme lyrique.

À l'écouter, on comprend qu'on est au seuil de quelque chose d'important, comme l'écho d'une comptine qu'on aurait oubliée mais qui serait là, tout près, à portée de cortex. On aurait envie de la réinventer. Pousser la ritournelle ou l'entendre pousser pour le plaisir d'une fausse réminiscence. Mais contrairement à la pop « hommage », on sait qu'on n'a jamais rien entendu de tel.

À écouter Mathilde Fernandez manipuler son piano, on n'est ni bercé, ni spécialement secoué. On est vibré. Balancé au milieu d'un champ de bataille. En pleine querelle des Anciens et des Modernes. Quand ? Et où ? On est perdu. Mais le capitaine Fernandez sait très bien où elle va. Alors on lui pardonne.

Ses paroles sont simples, jamais camouflées. Des textes à déguster de suite, à nu, mais qui hantent pour de vrai. Longtemps après. Pas d'encre sympathique, chez Mathilde Fernandez. Rien à déchiffrer à la lueur d'une torche. Ses chansons sont une perche, une main tendue.

Alors pourquoi cette impression d'étrangeté ? Cette sensation d'aliénation ? Mathilde Fernandez nous parle d'être humain à être humain, pourtant. Comment nous projette-t-elle hors de nous ? Oh ce n'est pas grand-chose. Rien de révolutionnaire. Une simple translation vectorielle. Un petit pas sur le côté... Mais comment fait-elle ?

Et nous revenons à la définition du cri.

CRI : « Son(s) généralement bref(s) et aigu(s), émis instinctivement par les cordes vocales sous l'effet de certaines émotions. » (Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales)

Mathilde Fernandez, c'est une ligne directe, droite comme un trait, établie entre soi et un alter ego posté là, juste à côté. Un chemin qu'on n'a pas pris. Une porte qu'on n'a pas ouverte. Voilà ce qu'explorent ses chansons. Et l'entreprise, en apparence simple, est périlleuse.

Ça rit, ça geint, ça pleure, ça grogne, ça hoquette, mais au final ça survit. En équilibre précaire sur cette couche de glace très mince et très fragile séparant l'instant de l'éternité.

Alors on arrête tout de suite de bavarder et on va écouter Mathilde Fernandez.

Le 22 février à Paris, au Loup, 25 rue Bergère, 75009 Paris / entrée libre, 20h / métro Grands Boulevards.

Le 22 mars à Bruxelles (lieu à confirmer).

Le 14 avril à Nice, au Salon, 7 bis rue des Combattants en Afrique du Nord, 06000, Nice.

Le français de tes textes me frappe par son internationalisme. Je trouve tes chansons particulièrement émancipées de substrat culturel, français ou belge. Es-tu « du voyage » ? Parles-tu plusieurs langues ?

Du voyage… j'aimerais te répondre que oui. J'ai pas mal bougé en francophonie, je suis originaire du sud de la France, y suis restée pendant pas mal de temps, j'ai habité en Suisse et me suis installée depuis plus d'un an en Belgique. J'ai toujours eu l'habitude de partir à droite à gauche. Je ne parle que l'anglais en plus du français, je suis d'origine catalane et polonaise mais ne connais rien à ces deux langues. Depuis toujours je me nourris de styles musicaux assez différents passant du Bollywood à la musique psychédélique, à la musique populaire internationale des années 70, à l'indus, à la New Wave, à n'importe quoi en fait… J'ai une oreille qui me permet d'apprendre facilement les sonorités de certaines langues, c'est comme ça que je chante sans comprendre en allemand, espagnol, hébreu ou en hindi. Le concept global de Live à Las Vegas retrace l'histoire d'un personnage féminin qui n'a jamais rien connu d'autre et qui rêve de gloire loin de chez elle, on la suit, plus particulièrement dans le titre « Egérie », autour du monde mais de naufrages en déroute et en échecs.

Pourquoi - ou comment, par quels chemins, pratiques ou d'esprit - deux projets (Bollyyogurt et Live in Las Vegas) ? Pourquoi - idem - l'acoustique et l'électro dans Live in Las Vegas ?

L'été 2008 où j'ai commencé à écrire des chansons c'était pour m'accompagner au piano. J'ai quasiment écrit tout le noyau dur du projet Live à Las Vegas à ce moment-là. J'ai continué dans cette dynamique mais en travaillant plus le chant et au final, c'est le piano est devenu l'accompagnateur de la voix. Par la suite d'autres chansons ont trouvé leur place dans Live à Las Vegas, puis encore d'autres que j'ai abandonnées depuis. Ces textes se suivent de près ou de loin, et gardent toutes la même couleur musicale. Les arrangements électro ne sont arrivés que bien plus tard. Je considère que certains sons en ont plus besoin que d'autres, j'ai préféré garder certains morceaux en piano-voix, ce qui constitue pour moi la base des bases.

Le projet Bollyyogurt est arrivé comme une récréation. Je me trouvais dans une période de paralysie d' écriture et de composition, n'arrivais pas à me renouveler en me foutant un peu la pression. J'écoutais du bollywoodfunk de façon morbide et me suis mise à travailler directement la composition sur logiciels en développant parallèlement un langage yaourt inspiré de l'indien. Il y a un côté très théâtral dans ce projet, ces textes sont insensés et les intentions et émotions en ressortent démesurément. Le dénominateur commun entre les deux projets c'est certainement là ou je (me) raconte des histoires. Live à Las Vegas dans l'itinéraire de vie d'une femme portant sa croix en quête de réussite sociale et qui peu à peu se met à envoyer de l'amour comme des fusées pour ce monde qui ne le mérite pas, expiant ses pêchés au même titre que ceux de l'humanité toute entière. Bollyyogurt est bien plus léger, sur trois titres « Jawenaha », « Choosh » et « Soltha ». On est dans une célébration du soleil, de la vie, et du sentiment frais de l'amour sans lendemain. Je pensais aussi à Ashvaria Rai et Asha Bhosle, ces figures de la culture populaire Bollywood, traversant les castes en raison de leur beauté et de leur grâce.

Je trouve qu'un éclectisme - pas seulement sonore, mais plus généralement « esthétique » - transpire dans ta musique. Et malgré tout, le sentiment de cohérence domine. Sais-tu ce qui motive tes coups de coeur artistiques ? As-tu identifié des dénominateurs communs ?

Par rapport à l'éclectisme, je vais là ou j'ai envie. Je ne me confine pas dans un style particulier, de toute façon je crois que définitivement je n'ai jamais réussi à faire ça, je cherche même à faire le contraire. L'harmonie trouve son chemin là dedans. J'adorerais savoir composer à la manière de tous les styles musicaux différents. Donc je me donne des challenges comme « tenter un son un peu club » évidemment le résultat est finalement assez éloigné, peut être influencé mais « digressant ». Je suis plus à l'aise dans des entre deux ou même entre trois styles radicalement opposés. Comme par exemple en ce moment j'aimerais beaucoup avoir le temps de continuer un projet que j'ai commencé entre electro-indus et chant lyrique.

Tu m'as dit que tu étais autodidacte. Peux-tu en dire plus ? Quels choix, événements t'ont guidée vers la musique ? Vers d'autres pratiques artistiques ? Quels sont tes liens avec « l'académisme » musical ?

J'ai commencé la musique très tôt, j'ai étudié le piano classique pendant quelques années mais j'étais trop jeune, le solfège m'emmerdait, en trois ou quatre ans je n'ai jamais su lire une note, je faisais semblant, j'apprenais mes morceaux à l'oreille en faisant style de lire les partitions. J'ai arrêté suite à une audition catastrophique ou j'avais eu un trou de mémoire. J'admire les musiciens dits classiques, les interprètes, car je suis incapable, absolument, de faire ce qu'il font. J'ai toujours composé, depuis l'enfance, on retrouve dans certaines chansons des choses composées il y a presque 20 ans. J'ai grandi dans un environnement d'artistes, plusieurs membres de ma famille avaient un groupe de rock progressif qui a bien marché dans les années 70/80. J'ai toujours été sollicitée pour faire écouter ce que je faisais. J'ai par ailleurs beaucoup pratiqué le théâtre en tant que comédienne ce qui fut pour moi un bon enseignement pour poser ma voix. J'ai fait les beaux arts et j'ai développé un travail de performance. Ce n'est que depuis récemment que je commence à lier voix, musique et la performance. J'ai commencé tardivement à prendre des cours de chant, aujourd'hui une chanteuse lyrique me coache. Je suis complètement dans le do-it-yourself, je pense que ça s'entend.

Je ne qualifierais pas tes textes de superficiels, mais ils ne sont pas non plus « profonds » au sens statique du terme. J'ai plutôt l'impression que leur force se situe dans un va-et-vient entre les deux. As-tu l'impression - ou l'intention - en écrivant - et plus généralement en composant - d'explorer quelque chose ? Et si oui, quelle chose ?

Je suis partisane du double voir triple sens dans les textes. Il me semble qu'avec des mots tout simples on peut facilement évoquer des choses universelles. Quand je suis sur mon piano, je lance les mots, quand j'en sens un de bien juste par rapport à une émotion je le garde et retaille un peu à la fin pour façonner l'ensemble. Je ne cherche pas à construire du sens absolument. Ça me plait par exemple d'affirmer quelque chose dans un couplet et de tout massacrer au couplet suivant. Il y a ces paroliers que j'aime et que j'adore qui me semblent très justes dans un lyrisme grinçant, Mylène Farmer et Laurent Boutonnat par exemple, grands paroliers les deux, les poèmes de Patti Smith, fantastiques, les Rita Mitsouko aussi il y en a plein… Qui mélangent tragique, drôleries, débilité et justesse. C'est ça que j'aime et auquel j'aspire en fait et c'est aussi dans la liberté, le déversoir, faire passer la merde et les rêves bons ou idiots, parler des animaux, me moquer, dire des gros mots, mentir, inventer des trucs qui ne veulent rien dire, pousser des cris, prendre des voix différentes.

De quoi es-tu curieuse ? En vrac. Une liste incohérente va très bien.

La chanson la plus triste du monde,
les voix françaises dans les films américains nuls,
la ventriloquie,
les mystères,
l'astrologie,
l'apocalypse.

Mathilde Fernandez en quelques lignes

Mathilde Fernandez est une jeune artiste polyvalente qui mêle création scénique et composition musicale. Française installée en Belgique, elle inscrit sa pratique musicale entre le lyrisme et le grinçant. Son univers baroque rejoint ceux de Klaus Nomi, Kate Bush, Nina Hagen ou encore Lene Lovich. Elle développe depuis 2008 un projet musical intitulé Live à Las Vegas.

Retrouvez Mathilde Fernandez sur Facebook, sur Soundcloud, sur la toile.

Crédits photo : ©Aniko Kowalski

Cloé du Trèfle

luvan — 2014-04-29T10:21:29Z

Cloé du Trèfle, musicienne et acousticienne bruxelloise, nous propose, avec D'une nuit à une autre, un deuxième album concept. L'objet est peu ordinaire puisqu'il mêle enregistrements de voix documentaires, field recording, chanson, musique électronique et orchestrale. Son but : donner de la voix aux exilés et "retracer réellement l'errance". Comment a-t-elle relevé le défi ? Retour sur le making-off d'un OVNI sonore et musical…

Les interviews constituent l'ossature de l'album. Les as-tu conçues dès le début comme faisant partie de la matière ?

Oui. Mon album précédent, Hasards de trajectoires, est déjà un album concept. Il comporte également des enregistrements voix. Mais j'ai fait appel à des acteurs. Le disque raconte une course poursuite dans les transports en commun, à Bruxelles. On est d'abord en extérieur, on passe sous la surface, il y a une intrigue, on ressort... Pour la réalisation de cet album, j'ai énormément utilisé les sons d'ambiance – les portes qui se ferment, les tickets qu'on valide, les escalators. Mon approche était électro-acoustique (1). Et pendant l'enregistrement, il y a eu des moments formidables. J'étais là, en train de prendre des sons, avec mon casque... Les gens se méfiaient un peu. Ils devaient se dire « Qu'est-ce que c'est que cette autiste ? Qu'est-ce qu'elle fait là ? ». Et d'un seul coup, derrière moi, j'entendais un truc incroyable

Pour D'une nuit à une autre, tu es partie d'une idée ? Ou tu t'es laissée guidée par tes rencontres ?

J'aime bien aller chercher une thématique et tourner autour. L'album parle de l'exil. Il raconte la dernière journée d'une personne qui décide de partir. On ne sait pas pourquoi. Rupture amoureuse, boulot....

Je me suis donnée des contraintes géographiques (certains lieux spécifiques à Bruxelles) et temporelles. La logique des lieux échappe sûrement à la majorité des gens, mais je tenais à cette rigueur, qui pour moi donne toute son épaisseur au propos. Je voulais que l'album retrace réellement l'errance d'une personne.

Par ailleurs, je voulais que l'histoire puisse se transposer à n'importe quelle grande ville. J'ai donc cherché des personnes clés : un sans papier, une vieille Algérienne, un épicier turc... J'ai voulu montrer des points de vue différents, aller voir des gens qui avaient des choses à raconter, mettre ces personnes en valeur. C'est une sorte de film. Je me suis donné pour mission de l'enrober musicalement, de lui trouver la bonne couleur, l'intention juste. En toute subjectivité, bien sûr.

Pourquoi l'exil ?

Je me sens bien dans ma ville, mais je voyage beaucoup de par mon métier. Je trouve la démarche de tout quitter pour tout reconstruire ailleurs extrêmement courageuse. Ces gens m'impressionnent. J'avais envie de creuser. C'est souvent une question de survie, aussi. Par exemple, le sans-papiers de l'album a failli se faire tuer au Sénégal. J'ai fait des rencontres fabuleuses. La vieille dame, à la fin, se lance dans une sorte de dialogue parallèle. Mais j'ai aussi cherché à traiter le thème en creux, par contraste. À un moment, mon personnage va manger du côté de la Bourse et il rencontre Jef, le vendeur de caracoles (2). Il m'a expliqué que dans sa famille, depuis quatre générations, habite dans les mêmes deux mètres carrés. Il m'a dit clairement « si j'arrête, je meurs », « tous mes clients c'est mes amis ». Il a plus de septante ans. J'aimais bien ce contraste. Le morceau « Descendance » est issu d'un micro-trottoir place du Jeu de Balles. Avoir des enfants – ou pas – est souvent une raison de rester – ou pas. J'avais envie d'explorer cette notion. Chaque morceau forme une sorte de petit film. Il y a une histoire générale, mais aussi des moments d'introspection, des portraits... Le personnage principal reste assez flou. J'ai envie qu'on puisse projeter ce qu'on veut dessus.

Tu parles de contraste. C'est un des aspects frappant de ton album. Les reliefs, les cassures, les changements de perspectives. Comment as-tu atteint cet effet ?

C'est grâce aux gens ! Ils sont incroyables ! Par exemple, il y a deux passages improvisés avec le voisin (pour la cohérence, je voulais que mon personnage rentre chez lui). Tout est improvisé ! Je lui ai donné le contexte : « je suis ta voisine, je vais partir », mais en fait, il parlait de lui. Il n'a rien inventé !

Mais j'ai eu beaucoup de rush, donc j'ai du saquer.

Combien de rush ?

Chez le voisin, j'ai eu 2 heures. Chez l'épicier, 1 heure.

L'épicier ?

Au début je ne voulais pas spécialement parler de lui. Je voulais faire un portrait des gens qui font les marchés le matin. Il s'agit surtout de Maghrébins. J'ai fait des enregistrements, des essais, mais ça ne fonctionnait pas. Et par hasard, je suis tombée sur cet épicier. Il m'avait vue jouer au piano à la télé et il m'a dit « Ah le piano, c'est génial. Moi je fais du Saz ! Viens chez moi un jour, je te ferai écouter ! » Alors j'y suis allée. Et ce type est extraordinaire.

Ta démarche musicale est-elle purement « opportuniste » (comme pour un documentaire de création) ou avais-tu des idées très claires au préalable ?

Ça dépend, pour le sans papier, j'ai d'office pensé à du rock, pour transcrire sa tension. Pour l'épicier, j'étais partie sur le Saz, mais finalement, je n'ai pas voulu faire un morceau oriental. J'ai utilisé les accidents. Je me suis laissée portée par un tempo assez lent. Je sentais bien le contraste avec quelque chose d'un peu hip-hop. Mais avant de l'interviewer, je n'avais pas du tout imaginé ça !

C'est infini, comme travail ! Comment sais-tu que c'est le moment d'arrêter ? Fais-tu appel à des oreilles extérieures ?

C'est vrai. C'est infini. Il y a un moment où tu deviens dingue ! Et comme je bosse beaucoup toute seule, il me faut les bonnes personnes clés. Je sollicite des gens pour les textes, d'autres pour les sons, d'autres pour les interviews. Et je mixe dans un gros studio, donc on travaille aussi beaucoup avec l'ingé son (c'est Rudy Coclet qui a fait le mixage).

L'orchestre ?

Le Luxembourg m'a contactée pour faire un concert. Ils avaient vu mes spectacles, où j'utilise la vidéo et l'électronique, et ils étaient intrigués. Je crois qu'ils voulaient donner une image plus contemporaine de la chanson française. Ils avaient un budget de production, donc ils m'ont invitée. À ce moment-là, je travaillais sur l'album. Je leur ai donc proposé d'intégrer ces nouveaux morceaux. On a eu trois mois pour travailler avec l'orchestre. À la base, je pensais simplement avoir un quatuor à corde, mais ça a pris une ampleur incroyable. J'ai joué avec 27 musiciens ! 15 cordes, de la harpe... C'était inimaginable. Sur l'album, on a voulu conserver ça. On a eu deux jours d'enregistrement avec un (autre) orchestre.

As-tu « utilisé » les interviews pendant le concert ?

Pas toutes. Il n'y avait pas encore l'épicier. Ni le sans-papiers (c'est très dommage parce que les arrangements cordes sont magnifiques sur ce morceau. Ils sont signés Renaud Lhoest). Ni « L'air semble déjà différent ». J'avais quelques samples de voix, mais pas encore l'entièreté.

Ce qui frappe aussi sur l'album, c'est la variété des textures sonores. C'est voulu ou c'est venu au fur et à mesure de la conception ?

Non, c'était voulu. J'aime bien être inclassable. Ça m'emmerde, cette étiquette « chanson française ». Même les programmateurs se demandent un peu où me ranger. Pour certains festivals, je suis un OVNI, tout en étant très pointue dans certaines choses. Je suis hybride. Je ne vais pas leur faire 1 h de piano ou 1 h de guitare. C'est difficile à vendre. En plus, en concert j'ai mis au point un système de projections vidéos. C'est encore une autre dimension.

Tu as une vraie sensibilité à l'image. Es-tu plasticienne par ailleurs ?

Non. Mais comme je compose beaucoup de musiques et de bandes son de films, je connais pas mal de vidéastes, qui à leur tour me font des images pour mes concerts. On est un peu en ping-pong.

(Photo : Caroline Le Méhauté)

Travailles-tu en parallèle sur plusieurs projets ou te concentres-tu sur une chose à la fois ?

J'aime bien me nourrir d'autres choses. C'est important pour moi. Faire une bande son en parallèle m'aide à prendre du recul. D'autant que je suis très solitaire dans mon travail. Les collaborations me rendent un peu moins autiste. Et les gens du cinéma ont un vocabulaire différent. Il me font percevoir la musique autrement. Voir les choses sous un autre angle. J'adore le défi ! Il s'agit de surprendre la personne, de lui donner plus que ce qu'elle attend. Et surtout, quand tu bosses sur une commande, dans un temps limité, tu es satisfaite assez rapidement. C'est tout le contraire de ce disque, sur lequel j'ai bossé plus de deux ans !

Quels sont tes projets ?

J'ai travaillé avec plusieurs maisons de disques, mais maintenant, par souci de liberté artistique, je suis en autoproduction. Donc pour le moment, je travaille sur la diffusion de l'album. Je sais que je ne commencerai rien de nouveau avant cet été.

Comment conçois-tu tes phases d'inspiration et de création ?

J'ai un systématisme de sortir un album tous les 3 ans. Pour l'instant, je fais la com', je compose la musique de deux films... Mais cette période après la sortie me permet surtout de m'ouvrir à de nouvelles choses. J'aime bien attendre le bon moment pour commencer un nouveau projet. J'ai un dossier sur mon ordinateur où je glisse de temps en temps de petites idées, des riffs, des trouvailles. Pour l'instant je stocke. J'écoute beaucoup. C'est une phase plutôt passive. Dans quelques mois, quand le moment sera venu, je vais creuser, trouver une cohérence, faire des analogies...

Le processus de création (élément déclencheur, inspiration, ...) est-il différent selon qu'il s'agit d'un projet personnel ou d'une commande ?

Ça n'a rien à voir. Pour les bandes sons, je peux travailler assez vite. J'ai pas mal d'outils et de matière. Tu as une contrainte de temps et de thème très précise. C'est très excitant. J'adore ça.

Comment vois-tu ton évolution personnelle ?

Mes premiers disques étaient plus dans l'introspection. C'était quasiment des albums autobiographiques. À un moment, ça m'a saoulée. Je me suis dit que je parlais trop de moi. J'ai choisi de continuer de parler de moi, mais à travers d'autres personnes. Un peu comme un metteur en scène. J'avais envie de m'effacer pour donner à entendre autre chose. En concert, j'ai utilisé un texte d'Aragon écrit au « tu ». Au niveau de l'interprétation, c'est assez grisant de se mettre dans la peau d'un personnage. Parce que de nature, je ne suis pas une grande gueule. Je suis quelqu'un d'assez pudique. Il faut assumer cette pudeur. Et monter sur scène quand même. C'est assez complexe ce rapport à la scène ! Du coup, j'aime bien parler au « je » de quelqu'un d'autre.

Quelques mots sur tes tournées ?

Je tourne plutôt en solo. Ou en duo, avec un batteur ou un violon électrique. Je fais quelques dates avec un groupe plus rock, mais c'est exceptionnel. C'est gai d'être seule en tournée ! On s'occupe bien de moi. Je découvre plein de gens. Je me sens libre. Mais j'ai de très chouettes musiciens, donc j'aime aussi partir en groupe.

Tu disais que tu travailles plutôt seule. Joues-tu de la plupart des instruments ?

Sur l'album, c'est moi qui ai fait le piano, la guitare électrique, les voix et la basse. Comme je suis en auto-production, ça me coûte moins cher de faire les enregistrements chez moi. J'ai mon propre studio. Et puis ça me permet de prendre le temps de retravailler, de peaufiner. On a enregistré l'orchestre dans un gros studio à Bruxelles, mais sans vraie batterie, seulement des programmations électroniques de mon cru.

Ton album est un morceau de bravoure poétique. Même si les sujets que tu abordes sont durs, on sent que ton « regard » se pose sur le beau. Comment jongles-tu entre ces deux aspects ?

L'album précédent dure le temps d'un trajet. Il y a ce côté temps réel. Parfois, tu prends le métro et tu n'entends rien. Tu es totalement fermé. Et certains jours, pour je ne sais quelle raison – tu as reçu une lettre qui t'a émue, il y a du soleil – tu perçois des micro détails que personne ne voit. C'est vraiment la façon dont ton regard se pose sur les choses qui leur donnent leur profondeur. Ensuite, j'essaie d'agencer tout ça.

Mais l'ambivalence est là à la base. Les témoignages du sans-papiers sont très durs, mais il rigole ! Il est seul, il n'ose pas contacter sa famille de peur qu'ils aient des problèmes, mais il garde l'espoir. Il dit « je pense que pour une vie, sacrifier 1 an, ou 2 mois ou 2 ans, pour vraiment être ce qu'on veut être, je pense que ça vaut la peine. » (Il a eu ses papiers il y a quelques mois, d'ailleurs. On est encore en contact.) Ce type a une classe de dingue ! Au moment où je devais l'interviewer, il avait été déplacé dans un bled en Flandres. Je lui ai demandé s'il avait encore le temps de me rencontrer, et il m'a répondu « Oh vous savez, ici, je manque cruellement de tout, sauf de temps » et j'ai trouvé ça tellement beau ! Je me suis dit, il faut absolument que je l'interviewe ! Même si je dois aller au Sénégal !

L'idée de cet album, c'est de casser les à priori, de provoquer l'empathie, de faire en sorte qu'on se mette à la place de ces gens. Un peu comme ce film que je cite souvent, Welcome.

La poésie est présente partout. C'est devenu clair pour moi quand je travaillais sur l'album précédent, pour lequel j'ai fait appel à des acteurs. Je me suis aperçue que les imprévus étaient extraordinaires, que je ne pourrais jamais les écrire ! La réalité dépasse la fiction. Il faut se rapprocher de ce qui est vrai. Ce sont les gens qui donnent de l'épaisseur à ce qu'on veut dire. De la valeur.

Les textes des chansons sont-ils tous de toi ?

Oui. Sauf Avez-vous rencontré. C'est un texte de Edith Azam.

Le dernier morceau est-il un point final ?

Non, c'est une ouverture. J'ai eu beaucoup de plaisir à le jouer en concert ! Je dois chanter entre les phrases de la petite vieille, qui est extraordinaire.

Es-tu rapide ou impatiente ? Dans la réaction ou l'immersion ?

J'aime bien ne pas avoir d'urgence pour certaines choses, mais de temps en temps, c'est énergisant d'avoir une deadline.

Qu'est-ce qui te calme ?

Je ne me déconnecte qu'à l'étranger. À Bruxelles, c'est infini. J'ai du mal à décrocher. Comme j'avance sur plusieurs projets à la fois, je culpabilise toujours de ne pas assez bosser (ma guitare, mon piano, ma voix). Je me dis que je devrais découvrir de nouveaux programmes de son, etc... Je voudrais en faire toujours plus. Ici, je ne m'accorde pas beaucoup de moments de calme. Je n'erre correctement qu'à l'étranger.

(1) Cloé a étudié l'électro-acoustique au Conservatoire de Mons pendant 3 ans.

(2) Escargots à emporter.

Cloé du Trèfle

luvan — 2014-03-24T09:12:22Z

D'une nuit à une autre est un album concept. Le deuxième de la sorte signé par la chanteuse, compositrice et électroacousticienne bruxelloise Cloé du Trèfle, à qui l'on doit les albums Sapristi (2004), Microclimat (2007) et Hasards de trajectoires (2010) qui ont raflé plusieurs prix.

D'une nuit à une autre raconte, à travers des prises de son, des interviews, des textes chantés et de la musique – orchestrale, acoustique et électronique –, la dernière journée d'une femme en partance pour un ailleurs non spécifié. Ce personnage existe en creux. La narratrice (déambulatrice, chanteuse, preneuse de son...) n'impose pas son point de vue, mais elle manipule nos oreilles avec une richesse musicale, une générosité sonore qui n'est pas sans désarçonner – et rappeler d'autres époques.

De l'usage de Bruxelles comme cabinet de curiosités

D'une nuit à une autre se découvre. On le sent/on l'entend trop habillé ? Il s'effeuille.

D'une nuit à une autre est un album qui se mérite, pas comme se méritent les disques minimalistes, qui se construisent par incrémentation, mais tout l'inverse.

Comme face au vacarme d'une ville – son propos principal – il faut, pour résister à cet objet sonore et en sortir grandi, sérier les informations. Se poser. Créer ses propres respirations. On doit, comme devant un Godard – qui met tous les dialogues sur le même plan – faire des choix.

D'une nuit à une autre déroule son errance urbaine avec acuité et fureur. On y cherchera en vain un guide – même si la trajectoire est savamment tracée.

Baladé de grandiose – un orchestre de 27 musiciens, rien de moins – en quotidien – de simples voix de simples gens – ; de romantisme échevelé en minutie électromécanicienne ; de presque organisme à presque dissonant, on échappe à l'asphyxie en se rappelant qui l'on est : le créateur de son propre paysage sonore.

« Je pars » plante un décor presque symboliste, dont les plages se surimposent, comme au hasard, pour se fracasser, changer de rythme à la façon d'une bande son de film. Les voix, simples, presque timides, semblent commenter l'orchestration. On comprend tout, alors, de cet album à venir : il sera hors normes dans le sens où il s'en moquera (des normes et des acabits).

Errance

Le témoignage pétillant de « L'épicier » prolonge le voyage – et la déroute. La parole de l'homme, simple, morphologiquement hésitante, prend sa place avec peine – et donc brio – dans le chorus technocratique, envahissant de basses et d'aigues. Parfois, quelques moments d'or où la grande pulsation électronique de la ville cesse. Une paix fragile s'installe. Une voix nue, sur le couperet, comme bientôt happée – du moins le craint-on – par le brouhaha médiatique.

Sur « L'esquisse », nous suivons un fil de cuivre ténu, crispé par moments de trilles. Et soudain, une ritournelle guitare basse de série télé. Comme si nous existions sur plusieurs plans, qu'on peinait à traverser l'écran. Comme si ce personnage en partance essayait, comme nous, de s'évader. De trouver un calme, une vérité. De trier.

Récit

Et puis la chanson reprend et on comprend qu'on se trouve dans un grand récit. Une chanson de toile.

« Le Musée » nous confronte à une apparente inadéquation entre la forme et le fond. On entend le lissé, le plastique, le classicisme maîtrisé, mais l'harmonie fait tension. On s'attend à une cassure, nécessaire semble-t-il pour avancer.

« J'avance », nous dit-on. Mais ce mouvement vers l'avant semble insoluble, dérisoire du fait des fréquentes répétitions. On se dit « cet album est un piège ». Il faut que je me résigne, entend-on.

Le chant, enfin distinctement en premier plan, arrive comme une délivrance.

Il se fond de nouveau dans la masse, mais une masse voix. Une masse amie. Descendance est un chorus alternant les timbres, les accents. La ville comme mosaïque cassée, comme Pompéi.

Et le chant reprend. Mais pas le dessus. Jamais le dessus.

Sur D'une nuit à une autre, la chanson n'est qu'un patch du patchwork. Elle ne prédomine pas. C'est l'auditeur qui choisit. Et donc qui crée.

Convergences

La journée avance. « Jef » nous le rappelle, avec ses cliquetis d'horlogerie. Sa précision joyeuse de sédentaire. Avec

« Chanchan », on est projeté dans une liste. Encore un nouveau procédé narratif. Tout sert à avancer – même si la destination est futile – et pourtant, malgré sa modernité, D'une nuit à l'autre se refuse au seamless de rigueur. Il est ruptures.

Retour au voisin. Étonnamment, plus la narratrice fantôme s'efface, plus ses contours se dessinent. Comme nourrie, lavée de son anonymat, par toutes les voix qu'elle recueille.

Dans « Même longitude mais bien plus au Nord », sa voix passe en premier plan, mais parle pour une autre. On s'éloigne – mélodiquement – de l'exotisme et on se rapproche de l'apaisement que nous promettent « L'effeuilleuse », qui zoome étrangement sur l'intime, au point de provoquer un malaise diffus, et surtout « L'air semble déjà différent ». La paix, peut-être ? Deux voix qui s'éloignent sans désaccord. Et se rapprochent par l'absurde.

Car c'est bien la convergence qui prime, finalement, dans ce disque. Sous couvert d'exil, de tentative de fuite, D'une nuit à une autre nous tire par les oreilles et nous rapproche de celles et de ceux qui composent nos villes.

De l'usage de Bruxelles comme partition.

Comme son grand frère Hasards de trajectoires, préférez-le en CD qu'en digital. Il s'agit d'un LIVRE. Cartonné. Historié. Magnifique.

Cloé du Trèfle sera en concert à Paris le 27 mars au 114 – 114 rue Oberkampf, Paris 11 – à 20h00.