Le Cargo !

Loony Bee

Mickaël Adamadorassy — 2026-06-08T22:22:54Z

Tiré d'un premier EP plutôt prometteur , Wisdoms of A Soul, "Thinking Too Much" est un bon aperçu de l'univers de Loony Bee et de sa jolie voix, qu'on préfèrera dans le registre folk dépouillée (Strolling Around ou Weather Change") ou aux frontières de la soul comme ici :

Coline Rio

Mickaël Adamadorassy — 2026-06-07T17:03:25Z

On l'attendait avec impatience cette Cigale de Coline Rio, plus de six mois depuis la sortie de son second album, Maison, mais il faut dire aussi qu'on avait loupé quasiment aucune date francilienne des dernières années). Une artiste dont on ne lasse jamais sur scène, qu'on a vu évoluer, depuis une première partie, encore un peu timide, en duo piano-violoncelle jusqu'à la formulaire la plus récente qu'on lui connaissait, en trio avec le renfort de son frère Lancelot à la batterie.

Alors que le rideau rouge dévoile la scène encore plongée dans une pénombre bleutée, avec comme toile de fond un visuel de maison qui fait écho à celui de l'album, c'est une formation avec désormais quatre musiciens qu'on découvre : à gauche la batterie de Lancelot, à droite Laure au violoncelle lui fait face et derrière elle, le "petit" nouveau (on découvrira au salut qu'il est en fait très grand) : le claviériste Mathieu Epaillard, et Coline au milieu, tantôt à la guitare, tantôt au clavier et parfois juste au chant.

Le set commence avec "Sous la peau" et "Manteau Chagrin" qui ouvrent aussi le dernier album. Une entrée en matière tout en douceur pour ce qui est de l'instrumentation, mais ces deux titres sont parmi les plus forts et les plus émouvants du nouvel album. Le son est très bon, le groupe retranscrit en live sans problème toute la subtilité des deux titres et la prestation vocale de Coline est sans surprise magnifique En à peine deux chansons, on est déjà chamboulés par ce nouveau live, la scénographie est simple mais d'avoir cette maison sur scène, c'est déjà tout une partie du message de l'album qui est mis en abyme et sur le plan visuel les deux portes blanches offrent des espaces de contraste qui permettent d'isoler la silhouette de Coline, de la mettre en valeur dans des tableaux souvent sombres.

On regrettera juste un peu que son clavier ne soit pas orienté vers le devant de la scène , même si Coline tourne souvent la tête pour chanter face au public . Et l'espace sur le devant de la scène peu exploité , qui éloigne un peu les musiciens de nous alors qu'on a envie de la ressentir au plus près cette musique là.. et en même temps on se dit que cette formule à quatre, tout le travail qu'on sent derrière vise justement à adapter à des salles plus grandes cette musique à la base intime, délicate et la mission est totalement accomplie : ce spectacle serait à sa place dans de grosse jauges, peut-être pas une Arena mais de gros festivals sans problème.

Coline parlera de ce travail préparatoire à la tournée, avant d'inviter Sage à reprendre avec elle "Everybody got to learn sometimes" (qu'on connaissant sans savoir de qui elle était (The Korgis mais popularisée par Beck ). Celui-ci a travaillé avec elle sur le live de cette tournée et lui a conseillé d'abandonner toute utilisation de pistes préenregistrées pour ne garder que ce qui serait joué live par les quatre musiciens et on le remercie pour ça. Pas seulement parce qu'on trouve qu'entendre des bandes cassent souvent un peu l'immersion d'un live quand ca se remarque mais parce que cela renforce la cohésion dans cette formation live, donne l'impression d'un groupe qui joue ensemble, plutôt qu'une chanteuse, accompagnée de musiciens qui n'apportent pas toujours un vrai plus à des morceaux rôdés pour être joué en solo, ce qui pour nous était parfois le cas sur la date du Trianon, la batterie arrivant en fin de tournée.

Cette fois-ci on a une formation bien rodée où chaque instrument a son rôle dans les chansons, qui peut être de soutenir Coline ou de lui permettre de nouvelles choses : Mathieu apporte avec ces trois claviers soit une densité supplémentaire au son, soit la libère totalement de l'instrument pour qu'elle ne se consacre qu'au chant. Ce qui était plus rare dans les précédentes formules et qui réussit bien à Coline, il y a toujours autant de fragilité, de sensibilité dans la voix et les attitudes scéniques, les regards fiévreux, les mouvements lancinants/ Mais on sent aussi une force, une énergie scénique nouvelle, qui aurait été difficile à obtenir sans la batterie, on pense à "Homme", à "Ma Maison" dernier titre avant le rappel avec en invité Martin Gamet à la basse ou encore "On m'a dit" qui est toujours un des sommets des concerts de Coline.

Mais à bien y réfléchir, il n'y avait que des sommets, en une heure trois quarts de concert, Coline Rio ne nous a fait que monter plus haut, passer des cimes aux nuages, nous suspendus au fil de sa voix. aux émotions dans le texte de "Grand mère", la beauté des notes tenues, des vocalises dans les "louves". Et il faudrait aussi parler du superbe duo avec Barbara Pravi sur "La gentillesse", la pêche de "Capitaine" où les motifs rythmiques de Lancelot portent autant le morceau que de superbes montées dans les aigus, de "Lettres à soi" vraiment joué "comme à la maison" : Coline qui vient s'asseoir tranquillement sur un bout de scène pour introduire longuement la chanson, "Refuge", spoken word en piano-voix en presque épilogue parfait de ce concert-maison comme une profession de foi, un état-des lieux des choses apprises, données, des gens qui comptent.

Elysian Fields

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-27T11:17:41Z

Extrait de l'album "What The Thunder Said" sorti en 2024 déjà, avec cette étonnante couverture représentant un cheval dressé sur ces pattes arrière, « Half Measures » est mis en image en stop-motion dans un univers, à travers une série d'objets et de tableaux qui collent beaucoup plus aux atmosphères mystérieuses, fantomatiques de la musique du groupe. La voix de Jennifer ne perd rien de sa superbe avec le temps, la guitare d'Oren raconte toujours autant avec si peu de notes, toujours judicieusement placées. Tempo en suspension, percussions légèrement jazzy, dissonances qui apportent une note inquiétante à la limite de la conscience. C'est bien le Elysian Fields qu'on suit depuis nos touts débuts sur le Cargo ! Le groupe fête même ses 30 ans de carrière le 31 mai au Café de la Danseavec la présence exceptionnelle d'un trio de cordes. Les occasions de voir le groupe dans un formation plus large que le quatuor rock classique sont rares et cela donne généralement des prestations mémorables comme leur passage chez Lenoir à l'époque de Dreams That Breathe Your Name, à ne pas rater donc !

Barbara Forstner

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-20T09:10:00Z

Alors que les derniers rayons de soleil font encore un peu de résistance sur les toits parisiens, nous nous installons pour filmer Barbara Forstner en session, on aura mis quelques mois depuis la sortie de son album "Long Long Gone" mais comme souvent il ne nous aura guère fallu plus d'un titre pour savoir qu'il fallait que cette session se fasse, pour la beauté de la voix bien sûr mais aussi parce qu'il n'est pas si facile de nous émouvoir avec de la folk et les chansons de Barbara ont ce petit quelque chose qui font que son disque n'est pas un disque de folk de plus, il y a un son, une personnalité, une écriture qui mérite qu'on se penche très sérieusement dessus. Ce qu'a déjà fait par l'ami Michel de Fargo(anciennement label et maintenant "mafia" de promotion de chouettes artistes) qui l'a programmée pour son Eldorado Americana Festival les 26 et 27 juin prochain.

One Day

William

Hiqpy

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-19T22:45:48Z

Pour décrire la musique de Hiqpy, il ne nous parait pas possible de faire mieux que le groupe lui-même : « What if Kurt Cobain and Ariana Grande had a pokemon together ? »

Il est donc question de rock couillu mais aussi de popitude assumée chez ce groupe basé à Amsterdam. De grosses guitares et d'une belle voix féminine qui a de la puissance comme du potentiel pour le soyeux, peut être plus Gwen Stefani qu'Ariana pour ce qu'on en connait.. Et avec une maxime pareille forcément il y a de l'humour, un univers qui rend l'écoute de leur album Slow Death of A Good Girl, très agréable à l'image de ce "Nothing" qu'on vous propose dans une version live, le groupe n'ayant pour l'instant sorti aucun clip.

Inwoods

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-19T22:33:06Z

Toujours un plaisir d'entendre la jolie voix de Emilienne Guiffan avec son projet Inwoods, où la musique est signée Alexis Campet, le même qui officie aux claviers chez Lisa Portelli mais ici point d'électro mais une pop aux couleurs légèrement rétro comme les images qui l'illustrent, chaleureuse et aérienne mais pas non plus dépourvu de punch grâce à une batterie bien présente.

The Beths

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-19T22:16:56Z

Attention cyniques et empêcheurs de rêver en rond, anti-poppeux, posttruc-eurs, gens qui ne trouvez pas Zooey Deschanel so cute dans New Girl, voir qui détester le "cute" et l'archétype de la manic pixie dream girl, cette chanson n'est pas pour vous : Dans Till My Heart Stops, Liz, la chanteuse de The Beths, nous explique qu'elle veut faire du vélo sous la pluie, du cerf-volant au milieu d'une tempête, rire jusqu'à que son coeur s'arrête. C'est pop et mélodique à l'extrème, blindé de choeurs et de gimmicks mélodiques et y a même des percussions qui s'invitent à la fin de manière totalement gratuite, juste parce que bon à ce stade pourquoi pas ?

Et pourtant c'est ma chanson préférée de 2025 et je pourrais l'écouter en boucle pendant des heures, en chantant les houhous à tue-tête et ça me rend tellement heureux à chaque fois.

Till My Heart Stops

« Till My Heart Stops » est tiré de l'album Straight Line Was a Lie où presque toutes les chansons sont presque aussi géniales

Lisa Portelli

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-19T22:03:29Z

Lisa Portelli était au Hasard Ludique à Paris pour son album ABSENS sorti fin 2025. Par rapport à la dernière fois qu'on l'avait vue sur scène en 2022 à la Marbrerie, on retrouve la même configuration scénique : à droite une installation "claviers et machines" avec un côté pour Alexis Campet qui assume la majeure partie des sonorités "électro" et un côté pour Lisa, ce qui laisse à celle-ci une large partie de la scène à arpenter, souvent juste le micro à la main même la guitare électrique n'est pas oubliée non plus. Mais le son est quand même, à l'image du disque, très électro et c'est très bien comme ça : le duo maitrise parfaitement son sujet, que ce soit en terme de densité sonore, de dynamique qui va du très feutré, minimaliste à de la presque techno avec une boite à rythme massive et martiale , le choix des sons, la manière de les triturer, l'équilibre par rapport à la voix, la qualité des plages instrumentales quand ils les font durer. Et au chant on a une Lisa qui nous parait encore plus se lâcher que la dernière fois, dans la prestation vocale comme la gestuelle, qui vient au contact du public, bouge plus, danse parfois.

Absens est un album concept, un tout et "son" concert est conçu lui aussi comme un tout, comme une expérience qui se vit d'une traite, les titres s'enchainement sans interruption ou presque, comme une seule histoire racontée à travers des textes toujours aussi incisifs. C'est une très belle expérience autant pour la qualité de la prestation des deux musiciens, la cohérence du set que pour la présence scénique de Lisa et ce qu'elle livre d'elle-même à travers ses mots.

iAROSS

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-06T09:30:00Z

Il n'aura fallu que quelques titres de leur album "Ce que nous sommes" (2025, le Cri du Charbon) pour nous convaincre qu'il fallait faire quelque chose avec iAROSS, groupe de rock créé autour de Nicolas Iarossi. Pour le talent dans l'instrumentation, pour la versatilité, la bulle d'air frais qu'est leur univers où se croise un bon paquet d'influences, pour la beauté des textes, la simplicité, la sobriété dans la voix qui n'en perd pas pour autant en émotions.

Ce sera juste avant une date parisienne au Zèbre de Belleville, dans la loge, juste un titre en acoustique, ne représentant qu'une seule des multiples facettes du groupe (on a dit groupe de "rock" et le terme est amplement mérité, il faut les voir en live) mais il faut bien pour vous aussi commencer quelque part ce qu'on espère être une belle histoire d'amour avec le groupe, alors pourquoi pas avec Alix ?

Alix

The Haunted Youth

Mickaël Adamadorassy — 2026-05-05T21:56:39Z

Nous n'en sommes pas à la moitié de 2026 mais peu importe, lançons nous : la prestation de The Haunted Youth qu'a délivrée au Trabendo est d'ors et déjà un des meilleurs concerts de l'année pour nous. Ils nous avait déjà fait très bonne impression au MaMa l'année dernière mais ce n'était qu'un avant-goût, là nous avons eu droit à une expérience sonique en onze titres, une cathédrale bruitiste bâtie couche après couche de guitares saturées typiquement shoegaze (Jazzmaster pour le frontman Joachim Liebens et Telecaster pour Tom Stokx), nimbée de delay et reverbs ou encore des nappe de synthés de Hanne Smets ). De longues plages instrumentales qui font durer le plaisir, à faire vivre et vibrer ce fameux mur du son théorisé par My Bloody Valentine et matérialisée chez The Haunted Youth sous une forme moins stérile, moins agressive que ce qu'on a pu voir du MBV de 2008, une masse sonore vivante, enveloppante, qui emporte encore et encore, ressentie physiquement mais pas à la limite de l'agression, pas du bruit blanc, mais plutôt du bruit bleu nuit, pourpore, c'est beau, confus , tripant, majestueux, atmosphérique, sombre.

Les onze morceaux joués sont pour la plupart extraits du deuxième album du groupe Boys Cry Too, disponible le 8 mai prochain et que le groupe aura mis 4 ans à sortir. Dans un trabendo quasi-complet, rempli de fans, chaque nouvelle déglagration est acceuillie comme un évangile souvent sans paroles : Joachim chante de temps en temps, il a une chouette voix typiquement indie et il y met plus de conviction et de décibels qu'une Belinda Butcher mais ce concert montre assez nettement que chez The Haunted Youth la chanson est le vaisseau mais le coeur du propos ce sont les progressions instrumentales, les ambiances, de créer l'émotion, le chaos, la transe, d'exprimer la beauté comme la rage à travers la musique plus que par les mots et de vous faire vivre une expérience immensément captivante, puissante, un plaisir presque coupable pour qui aime ne serait-ce qu'un temps soit peu le shoegaze de voir un groupe dérouler tout le vocabulaire du genre, des prémices tranquilles à jouer sa Fender les yeux dans les baskets jusqu'aux longues plages de tripotage de pédales d'effets à genoux, d'avoir ce son saturé , énorme si satisfaisant et en même temps d'avoir l'impression de vivre quelque chose de "frais", de différent, d'excitant.