Le Cargo !

Lux Montes

Cathimini — 2020-06-29T15:11:52Z

La musique de Lux Montes a les couleurs changeantes et le velouté des ailes d'un papillon s'enivrant du parfum capiteux d'une rose, protégé par une solide couronne d'épines.

La jeune femme m'avait donné son premier EP il y a cinq ans et cette rencontre musicale était suffisamment prometteuse pour que je me jure de ne pas perdre le contact, même si je ne l'ai jamais revue depuis… Tu m'as manqué mon amour m'avait à l'époque séduite comme l'improbable rencontre entre Ela Stiles (pour la fragilité et la force du a capela) et Queen Adreena (pour les basculements inattendus d'humeur et la stridence des guitares).

Ayant depuis peaufiné son approche vocale et encore une peu plus creusé dans les interstices entre les cordes de son piano et de ses guitares, Lux Monte revient avec un album polyglotte (Française de racines espagnoles, elle habite en Belgique) et polymorphe qui réconcilie électro et hardcore, folk et gothique. Son titre : La verdad, rien que ça ! Vérification avec l'intéressée, à la fois prolixe et pudique.

À travers tes groupes précédents, il semble que ton parcours soit un peu semblable à celui de Chelsea Wolfe, partie du folk pour arriver à des musiques beaucoup plus lourdes et agressives. Fait-elle partie des artistes dont tu te sens proche ?

Avec June Lullaby, qui est ensuite devenu Enfantloup, nous étions plusieurs musiciens ce qui permettait des arrangements plus fournis (2 guitares, 1 violon, basse batterie). Les compositions étaient plutôt folk. Même si j'étais co-auteure-compositrice, sur scène je me concentrais sur mon premier instrument : la voix. Ces projets arrivaient à leur fin tout doucement et en parallèle j'ai commencé à travailler sur un projet solo sous le nom de Lux Montes. Je me suis soudainement retrouvée avec une liberté totale d'expression, sans devoir faire de compromis. La première chanson qui est née dans la foulée a été « Gonna kill you » (présente sur l'album La Verdad), c'est assez symbolique. Il fallait que je mette fin à quelque chose pour qu'une nouvelle naisse ! Je me souviens avoir composé cette chanson d'une seule traite à la guitare électrique, instrument que je n'avais pas beaucoup exploité jusqu'alors. Après coup, je réalise que de m'emparer d'un instrument à l'énergie virile, plutôt perçu comme masculin, a certainement symbolisé cette volonté d'émancipation artistique et personnelle.

C'est également à ce moment-là que j'ai commencé à écouter des projets où des artistes féminines exprimaient quelque chose de plus viscéral, comme effectivement Chelsea Wolf, Scoutt Niblett avec son minimaliste empreint d'une énergie vitale très forte, souvent en duo batterie voix sur scène. Shannon Wright et son don de soi très brut et en même temps plein de pudeur. Toutes ces découvertes m'ont inspirée et m'ont, j'en suis persuadée, donné l'énergie de foncer pour sortir mon premier EP. Grace à cela sont venus des titres comme « La nuit est noire » et « Cry & Smile ».

Musicalement, quand et comment t'es-tu affranchie du clivage électro/électrique, synthé/guitares ?

J'ai la sensation qu'il s'agit d'une énergie rock sous-jacente qui se traduit différemment en fonction des morceaux. J'oscille entre des sonorités électro et rock, en effleurant parfois la pop... on m'a dit récemment que je faisais de l'Avant-pop. Je ne connaissais pas. En tous les cas, je crois que ma musique reste accessible malgré un goût prononcé pour l'expérimentation…c'est toujours difficile de prendre du recul lorsque l'on a travaillé plusieurs mois sur une même production. Quoi qu'il en soit, je conçois les choses dans leur globalité. Le fait de parfois se demander dans quelle famille on va ranger tel ou tel morceau…je crois que cela est clivant et cela peut freiner la créativité. Alors je fais les choses comme je les sens, je suis mes intuitions. Tout ça donne naissance à une mosaïque de morceaux qui, je pense, trouve une unité dans leur processus de création, peu importe les instruments utilisés et les références qu'ils évoquent.

Maintenant, je repars sur de nouvelles compositions, sur une base piano-voix mais le passage à l'enregistrement va surement les transformer et me faire explorer de nouveaux chemins.

Les textes sont sombres ou désenchantés, mettant en scène des personnages mystérieux, violents ou ayant perdu leur part d'innocences. Quelle sont tes sources d'inspiration ?

C'est drôle parce que je n'ai pas l'impression que mes textes soient si sombres...mais ils sont surement emprunts d'un certain fatalisme, d'une sorte de désenchantement oui. Après réflexion, on dirait l'histoire de personnes qui tentent de s'extraire d'un destin tout tracé. Je crois qu'il y a beaucoup d'espoir malgré tout, une force de vivre qui peut s'exprimer par le texte mais aussi musicalement. Par exemple, la rupture franche au milieu du morceau « Boy » et l'arrivée des distorsions expriment pour moi la résistance du personnage, sa volonté de bousculer l'ordre établi, de retrouver sa liberté.

Je ne sais pas trop d'où me viennent ces histoires ou ces personnages. Sûrement un mélange de ce que je lis et regarde. Souvent des images qui me viennent au moment où je compose et ensuite je tire le fil. Mais ces textes gardent une part de mystère, même pour moi… Récemment j'ai relu les Sœurs Brontë et il a quelque chose d'assez beau dans ces personnages féminins forts malgré leur apparence et qui tracent leur chemin parmi les embûches vers une fin plus ou moins heureuse. J'aime le côté romantique et passionné de ces grands tableaux de vie.

D'un autre côté, les deux morceaux en français révèlent un sens de l'humour noir face à la gravité du Monde notamment « Merveilleux ». Quelle est l'histoire de cette chanson ?

J'ai écrit le premier couplet d'un seul trait et ensuite le second en inversant les vers du premier. Cela donne parfois un sens inattendu. Le refrain peut donner l'impression d'un certain cynisme mais je crois que cette chanson exprime une grande tendresse envers tous ceux qui manifestent l'envie d'avancer, de se réaliser malgré l'apathie et l'aveuglement général qui nous menacent. En tous les cas, c'est avec ce sentiment que je l'ai écrite, sentiment de résistance contre tout ce qui voudrait nous ensommeiller.

Est-ce que « Superhero » est autobiographique ?

C'est l'histoire d'un « Superhero » qui n'a plus la force de poursuivre sa mission de sauver les hommes, dont il ne comprend pas les agissements. Ce morceau était à l'origine écrit en anglais et batterie-voix. Il est passé par de multiples réarrangements. La version qui est sur l'album est plutôt électro et lorsque j'ai décidé de le traduire en français son sens m'est apparu encore plus fortement... Les paroles semblent simplistes et mécaniques, mais elles résument pour moi l'ambivalence dans laquelle nous vivons. La balance entre la volonté de faire changer les choses et la paresse ou la résignation. Tant que le danger n'est pas à notre porte, nos actions pour sauver le monde nous semblent parfois timides.

Le début de « Beast and Fishes » était a capella. Tu interprètes plusieurs personnages avec des voix très différentes, en chœurs comme « Carrousel ». Est-ce pour toi une manière de contrebalancer un peu la noirceur des textes ? Comme une actrice qui passe d'un personnage à l'autre de peur de se laisser enfermer par l'un d'eux ?

Dans mes projets précédents, je n'avais pas vraiment exploité la palette d'expressions de ma voix. Elle venait de manière assez classique se poser sur les instruments et exprimer un texte. Lorsque j'ai commencé à fabriquer mes morceaux pour Lux Montes, j'ai réalisé que la voix était un instrument à part entière et qu'il pouvait exprimer d'autres choses, plus inconscientes. Sur mon premier EP, je me suis d'ailleurs plus concentrée sur l'expressivité de la voix que sur les textes proprement dit. La texture de la voix suffit parfois à raconter une histoire, à brosser un personnage, à installer une atmosphère, à donner du sens indépendamment des paroles.

Pour frapper les esprits, ta présentation parle des univers de David Lynch et de Pedro Almodovar. Je dirais plutôt Guillermo Del Toro, qu'en penses-tu ?

Je ne connais pas beaucoup le cinéma de Guillermo Del Toro. Humainement, je me sens vraiment plus proche du cinéma d'Almodovar. J'aime beaucoup le cinéma de Bergman et ses personnages parfois insaisissables de par leurs multiples facettes psychologiques (je pense à Persona ou Cris et Chuchotements). Plus récemment, Stalker de Tarkovski m'a chamboulée. Cette quête hantée et mystique vers un lieu sensé exhaucer les vœux de ceux qui y accède, le personnage principal qui se sacrifierait pour préserver l'idée de l'espoir de/en l'Humanité. C'est d'une beauté folle ! Dans le cinéma de David Lynch, il y a aussi cette ambivalence des personnages presque cauchemardesque.

Tes racines espagnoles sont-elles importantes pour toi ? Le nom du groupe EnfantLoup, ton nom de scène, la chanson « La Verdad » avec le passage parlé en espagnol …

Oui, mes origines espagnoles sont importantes. On se demande pourquoi l'on fait les choses, qu'est ce qui nous a amené où l'on est ? Pourquoi je chante ? En fait j'ai toujours entendu ma grand-mère (et ma mère) chanter dans sa langue. C'est aussi une femme extrêmement volontaire. Elle est arrivée d'Espagne avec une valise, sans connaître un seul mot de français et elle a su dépasser les difficultés d'intégration à force de volonté, de bonne humeur et de générosité. Je l'ai toujours admirée et j'essaie de puiser ma force en m'inspirant d'elle. Je crois que c'est pour cela que la langue espagnole surgit de temps en temps dans mes textes. Et c'est aussi une langue agréable à chanter qui ouvre de nouvelles possibilités d'expression.

Comment te viennent les idées d'arrangements ? Comment t'es-tu construite comme multi-instrumentiste ?

Pour ce qui est des arrangements, ce sont souvent les mélodies qui viennent à ma voix. En fonction de la texture que j'imagine, je les reproduis ensuite avec les instruments à ma disposition, avec ce qui fonctionne le mieux. Comme je n'ai pas de formation académique, je n'écris pas selon une logique mathématique. C'est plutôt un processus empirique et intuitif. Je m'amuse beaucoup aussi au moment de l'édition, où je vais expérimenter en découpant, transposant, dépitchant ou décalant les choses. C'est vraiment pour moi l'avantage de travailler en home-studio. On peut prendre le temps d'expérimenter, une fois la matière enregistrée. Cela permet une grande créativité et aussi de pouvoir aller dans une direction que l'on n'aurait pas imaginée au départ : créer des ruptures, des passerelles au sein des morceaux.

Cette approche multi-instrumentiste est surtout prégnante dans le cadre de la production phonographique. Les instruments sont comme des outils, des crayons de couleurs. Je ne prétends pas pouvoir tout jouer sur scène. Jusqu'à cet album, j'ai ressenti le besoin de tout maitriser dans l'écriture afin de me réapproprier mon propos artistique et d'essayer sans entrave. En ce moment je travaille sur de nouveaux enregistrements et j'ai de nouveau envie de solliciter des musiciens avec qui collaborer et qui pourraient me surprendre par leurs propositions.

Justement peux-tu nous parler de tes collaborateurs : Julien Varnier à la batterie et Cédric Oléon, Mixage/Mastering ?

Cédric Oléon, l'ingénieur du son avec qui j'ai travaillé, a été d'une aide précieuse. Je crois qu'il a su respecter mon approche DIY tout en restituant un son cohérent. J'avais déjà enregistré en studio avec mes groupes précédents, donc je me suis un peu inspirée de cela, à tâtons. J'ai posé mes micros devant mon ampli et envoyer du son. C'était très grisant. J'ai ensuite posé mes voix et fait progressivement arrangements et éditions. Il a su valoriser mes prises, même si les conditions d'enregistrement n'étaient pas toujours été optimales. Il est aussi force de proposition dans le choix de certains effets sur les voix et les instruments. Nous travaillons à distance car son studio est à Clermont-Ferrand. Cela nous oblige à avoir des échanges précis et structurés et cela laisse le temps de prendre de recul sur les mix qu'il m'envoie, avant de faire un retour. Je sens qu'il comprend dans quelle direction je veux aller et c'est un énorme gain de temps et d'énergie.

Avec Julien Varnier, cela s'est passé autrement. Je suis partie toute seule dans une maison de campagne pour enregistrer cinq des titres de l'album guitare/voix. Les morceaux étaient assez âpres et dépouillés et dégageaient une énergie qui me plaisait bien. Je voulais les sortir comme ça, puis j'ai fait écouter les morceaux à Julien et il était motivé pour m'accompagner sur scène. On a alors travaillé en essayant de trouver les parties rythmiques les plus justes, de laisser respirer les morceaux. J'avais aussi des motifs en tête auxquels il est venu donner corps. Puis l'énergie partagée sur scène ma convaincue d'ajouter ses batteries sur le disque.

Comment fais-tu pour retranscrire l'éventail de tes possibilités sans groupe sur scène ? Vis-tu cela comme une contrainte ou une liberté ?

En allant m'installer en Belgique, j'avais l'intention de chercher un(e) nouveau batteur. Puis j'ai considéré les choses sous un autre angle et je me suis dit que ce serait l'occasion de travailler un set en solo (je l'avais déjà fait au début du projet mais dans une forme moins aboutie). Afin d'avoir une configuration confortable et moins complexe à gérer sur scène, j'ai centré mon set autour du clavier, en retranscrivant certaines parties de guitare au piano. J'ai longtemps hésité à intégrer aussi de la guitare, mais j'avais besoin d'une installation plus compacte. Cela a influé sur l'expression scénique en me permettant de créer un rapport plus intimiste avec le public. Évidemment, cela implique de faire des choix et dans mon cas, d'intégrer un looper pour sampler clavier et voix et de lancer parfois des éléments de production.

J'adore l'énergie et la complicité partagées avec d'autres musiciens sur scène et la richesse que cela peut apporter musicalement et scéniquement… mais c'est aussi une grande fierté d'assumer son projet en solo. Pour enrichir cette démarche, j'ai collaboré avec la vidéaste liégeoise Lily Rensonnet qui a réalisé une vidéo très graphique qui donne une dimension esthétique et immersive au set. J'imagine que la formule va évoluer avec le temps et avec mes prochains enregistrements. Cette expérience est en tout cas très enrichissante et je crois que cela touche les personnes qui viennent m'écouter.

Comment as-tu choisi tes pochettes qui sont des œuvres peintes qui s'opposent presque : l'une très colorée, l'autre d'un bleu lumineux ?

J'ai une sorte de retenue à l'idée de montrer mon visage tel quel sur les pochettes. En faisant de la musique, je crois que l'on explore d'autres facettes de soi, parfois mystérieuses à soi-même. Pour « Tu m'as manqué mon amour », c'est une amie peintre qui m'a offert mon portrait. Je ne m'y reconnais pas totalement mais j'aime l'idée que c'est comme cela qu'elle m'imagine. Le titre de l'EP m'est venu de là d'ailleurs. J'avais envie de me parler comme à quelqu'un que je reverrais après plusieurs années, pour me donner la force d'assumer ce que je pouvais exprimer en tant que musicienne. La pochette de La Verdad résulte d'une séance photo avec Albertine Guillaume. J'avais déjà choisi le titre (La Vérité) et j'avais envie de travailler avec la photo, mais en détournant cette captation de la réalité. Nous avons essayé différentes choses et l'une des photos était presque mystique. Elle l'a ensuite retravaillée avec des encres et cela donne une sensation aquatique où l'on ne reconnaît pas mon visage.

Dans ton rétro tour de l'année 2019, tu dis que « grâce au réalisateur Julien Kartheuser, j'ai coréalisé 10 vidéos qui accompagnent l'album, publiées ou à venir ». Peux-tu nous en dire plus ?

Pour mon premier EP, j'étais partie avec l'idée de faire un clip pour chaque chanson, ce que l'on a fait avec Albertine Guillaume, photographe de formation mais qui s'est prêtée à la coréalisation pour l'occasion, dans une démarche d'expérimentation. J'ai toujours eu le gout de la vidéo. Je n'envisage pas cela seulement comme une manière de mettre la musique en image mais l'occasion de faire une rencontre avec un autre artiste, une autre vision et de proposer une extension à la musique. A Liège, j'ai fait la connaissance de Julien Kartheuser qui prépare son entrée dans une école de cinéma et nos sensibilités se sont bien trouvées. J'avais le fantasme de faire une nouvelle fois une vidéo par chanson mais je n'avais pas le budget ni le temps nécessaire. Nous sommes donc partis sur l'idée d'un clip pour « Superhero » et d'une série de capsules vidéo, comme de courts tableaux pour chacun des autres morceaux. Cela a été intéressant d'y réfléchir ensemble. Au moment de tourner, certaines choses ont bien marché, d'autres ont été créées sur le terrain. Les capsules ne sont pas vraiment des teasers puisqu'il n'y a pas de clip complet derrière ce qui fait que dans cette logique de communication réseau sociaux et compagnie, il n'est pas facile de mettre ce travail en avant…mais je suis contente qu'il existe aussi pour la richesse de cette rencontre.

Propos recueillis par Cathimini avant le confinement

Partiellement parus dans Abus Dangereux 153 (mars 2020)

"La Verdad" CD/Digital (Verdad Rds/Elles en ont)

Photo (c) Albertine Guillaume

Paul Roland

Cathimini — 2018-01-04T09:54:21Z

Paul Roland est l'un des secrets les mieux gardés d'Angleterre, invisible en France depuis 1992 alors que son hyperactivité en a fait un musicien, écrivain, journaliste, historien, biographe, cartomancien (et père de famille) des plus prolifiques de sa génération !

Il faut lire l'italien ou l'allemand pour pouvoir prendre des nouvelles régulièrement de cet infatigable créateur d'histoires à dormir debout, amateur de rock et de musique baroque, nourri de de littérature et de cinéma fantastique… ou alors être abonné au fanzine Abus Dangereux qui se fait son relais depuis l'époque New Rose et le délicieux Cabinet of curiosities jusqu'à l'impeccable Bitter and Twisted qui a squatté la platine des amateurs de rock psychédélique avertis tout 2015.

Paul Roland a sorti son 20ème album, inspiré par le vaudou auquel l'a initié Dr John himself. Un projet qui lui a pris trois ans de sa vie et marque un tournant dans sa carrière grâce à la rencontre d'une équipe de producteurs et de musiciens italiens qui l'ont poussé à bout, lui révélant de nouvelles manières de travailler, de nouvelles sonorités à explorer et de nouvelles perspectives aussi excitantes qu'exigeantes pour le compositeur accompli qu'il est devenu.

Ainsi en écoutant White Zombie, on comprend que Paul Roland a trouvé un nouveau terrain de jeu où il va faire coexister le garage 60's et l'inspiration classique qui lui sont chers avec un univers nouveau qui lui a été révélé en se prêtant au jeu de l'incantation vaudou. De cette expérience assez traumatisante mais bien réelle, il a gardé un florilège de percussions africaines et des psalmodies rituelles dans une sorte de créole inspiré du français. Quelques chansons comme « The Summoner of souls » avec sa flute ensorceleuse, la lumineuse ballade psychédélique « Wake Madalena, Wake » et le non moins baroque « 20 years ago » sont autant de balises puisées dans le registre baroque du chantre anglais. Mais ce ne sont que des pics rocheux trouant la canopée de l'album, car tout le reste est empreint de la lourde moiteur de la jungle résonant de sonorités maléfiques et de voix caverneuses, aux pouvoirs incertains. Tout est génialement cinématique jusqu'au terrible « Mambo Jo » avec ses solos hardos de guitare électrique en arrière-plan qui fait à peu près le même effet que la chanson du générique du Dracula de Coppola après deux heures d'enchantement éveillé. Vous l'aurez compris, White Zombie est un album à part dans la carrière de Paul Roland, qui aurait pu être une musique de film mais qui n'en est pas une, bien que le 7ème art soit une source d'inspiration non négligeable, comme le prouve l'entretien qui suit.

Noël est un moment privilégié pour regarder des films qui font peur sous la couette. Que nous recommanderais-tu pour passer de 2017 à 2018 en bonne compagnie ?

1) La 9ème Porte de Polanski (The Ninth Gate) où Johnny Depp part à la recherche d'un grimoire aux pouvoirs magiques.

2) Les Vierges de Satan de Terrence Fisher (The Devil Rides Out), un des rares films de la Hammer à prendre la magie au sérieux.

3) Rendez-vous avec la peur de Jacques Tourneur (The Curse of the Demon aka Night of the Demon). Mr Meek m'a inspiré la chanson « Walter the Occultist ».

4) Pacte avec le Diable de Cyril Frankel (The Witches), un autre film de la Hammer qui m'a inspiré une autre chanson.

5) Les Sévices de Dracula de John Hough (Twins of Evil). Encore un film gothique de la Hammer à regarder, ne serait-ce que pour la messe noire et la résurrection de la comtesse.

6) Au coeur de la nuit (film à sketches réalisé par Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden et Robert Hamer), connu surtout pour l'épisode du ventriloque qui est devenu une source intarissable d'inspiration depuis 1945.

7) La Maison de Frankenstein de Erle C. Kenton (House of Frankenstein). Le premier film d'horreur que j'ai vu de ma vie et qui m'a fait tomber amoureux du genre, même si c'est un Universal 'B' movie.

8) Dr Jekyll et Sister Hyde de Roy Ward Baker (Dr Jekyll and Sister Hyde). Encore un film de la Hammer plein d'ironie et de tonnes de clichés victoriens.

9) Meurtre par décret de Bob Clark (Murder By Decree), une excellente enquête de Holmes sur Jack l'éventreur, inspirée du livre de Stephen Knight Jack The Ripper, the final solution.

10) La Compagnie des loups de Neil Jordan (Company of Wolves). Plus un conte de fée qu'un veritable film d'horreur mais je vous défie de regarder la transformation de l'homme en loup pendant le réveillon.

White Zombie n'est pas dans la liste ? Comment expliques-tu qu'il t'ait inspiré au point de vouloir lui écrire une bande originale ?

Il est vrai que c'est un peu lent, le jeu est guindé et ce n'est pas un film muet. Mais je trouve que certaines scènes sont incroyables d'un point de vue visuel. Il y a une atmosphère onirique, certainement due au fait qu'ils ont dû utiliser les décors du Dracula que Tod Browning venait juste de finir pour pouvoir tenir le budget. Le vrai problème est la bande son, tellement mauvaise qu'on entend à peine ce que disent les acteurs et puis il n'y a pas de musique digne de ce nom. Il me semblait que c'est ce qui manquait pour donner toute sa dimension à la présence de Bela Lugosi dans ces magnifiques décors gothiques. J'ai donc voulu m'y essayer !

Avec Max Marchini.

En comparaison à d'autres films sur le vaudou, il offre peu de scènes sur les rites, excepté la poupée que sculpte le personnage qu'incarne Bela Lugosi. Avais-tu envie de combler ce vide avec les « chants » que tu as créés ?

Les chants et la musique qui les accompagne avaient pour but de créer une atmosphère sinistre, une présence menaçante qui est bizarrement absente du film lui-même. J'ai attiré ces « chants » à moi – au départ sans paroles – grâce à un shaman. Il m'a expliqué qu'il s'agissait de « power songs » créées de manière inconsciente pour nous permettre de communiquer avec les anciens dieux et les esprits de la nature, comme le faisaient nos ancêtres avant d'inventer les instruments de musique chromatiques. Donc ces chants ne sont pas juste des thèmes pour film d'horreur, mais de véritables incantations magiques et je trouvais qu'ils convenaient parfaitement à un film qui évoque les rites tribaux primitifs. Cependant je n'ai gardé que très occasionnellement ma voix d'origine, les flûtes et les marimbas qui les accompagnaient. Max Marchini, le patron du label The Dark Companion Record et Alberto Caligari, le producteur, trouvaient que les démos que je leur avais fournies étaient trop « électroniques ». Ils ont tout réenregistré avec de vraies percussions pour que ça sonne vraiment tribal et ils avaient totalement raison.

Si j'ai bien compris la personne qui invoque les esprits (« Summoner of souls ») est Bela Lugosi que l'on entend de ci de là dans le disque. Lui ou ses personnages reviennent assez souvent dans tes chansons, qu'est ce qui te fascine chez lui ?

C'était un acteur de théâtre célèbre et respecté en Hongrie. Je ne sais pas exactement quelles circonstances l'ont amené à jouer dans des films de seconde zone qui n'ont pas rendu justice à ses compétences et nous ont donné une fausse image de lui. Regarde-le interpréter Igor dans Le fils de Frankenstein ! Tu te rends compte combien il pouvait être un acteur accompli, pour peu qu'il ait un bon scénario et soit bien dirigé. Mais il maîtrisait mal l'anglais et devait apprendre son texte phonétiquement, ce qui a donné ce débit saccadé allié à un fort accent étranger… qui a fait son succès dans les films d'horreur anglais et américains de l'époque.

La promotion du disque tourne autour de White zombie, mais il me semble que certaines chansons t'ont été inspirées par d'autres sources que le film …

Mon intention au départ était de compléter les instrumentaux uniquement avec des morceaux chantés par des personnes de couleur, adaptés des « power songs » dont nous avons parlé plus haut. Mais Max Marchini m'a persuadé d'écrire des chansons et de les interpréter moi-même pour que cet album tienne debout tout seul et ne soit pas juste une bande son désincarnée. J'avais bien les images du film en tête quand je m'y suis mis, mais je trouvais restrictif de n'écrire que sur les personnages ou les scènes les plus emblématiques du film. Donc « Wake Madeleine Wake » fait référence à l'héroïne sous l'emprise de Bela Lugosi, qui est le fameux « Summoner of souls ». « 20 years ago » m'a été inspiré par le pasteur tandis que « Sugar Mill scene » a un titre suffisamment explicite pour que tu saches à quelle scène je me réfère. Je crois que si j'avais voulu me cantonner au film, je serais vite arrivé à court d'idées et je serais encore en train de chercher des textes pour mes chansons. Du coup j'ai déterré quelques vieilles démos que j'ai adaptées, j'ai fouillé dans de vieux morceaux blues pour renouveler mon inspiration et revu quelques autres films comme The Skeleton Key (La Porte des secrets de Iain Softley sorti en 2005 ndla), de manière à obtenir une certaine unité destinée à évoquer l'atmosphère particulière de Haïti et ses mystères.

Peux-tu préciser la différence que tu as faite entre les chansons et les « chants » dont les paroles ne sont pas retranscrites dans le livret ?

Les chants sont des motifs répétitifs basés sur une seule phrase mélodique qui ne permettent pas de développement. J'ai fait un CD pour les membres de mon fan club (Paul Roland Appreciation Society) sur lequel j'ai ajouté d'autres instruments et ai alterné des phrases chantées avec de petits instrumentaux qui peuvent s'entendre comme des morceaux. Elles tournent en boucle, ce qui donne un effet hypnotique très efficace, mais je ne peux pas appeler ça des chansons. Les chansons utilisent des suites d'accords de manière à créer une histoire ou décrire une scène car la musique change continuellement. La plus grande partie du processus de départ est intuitif mais de bonnes paroles demandent un peu plus de travail pour être de qualité. J'ai lu que Dylan Thomas pouvait passer un an sur un seul vers jusqu'à ce qu'il trouve les mots et l'ordonnancement parfait (pendant qu'il travaillait sur d'autres poèmes en parallèle bien sûr) Je n'en suis jamais arrivé à de telles extrémités, mais je sais être persévérant aussi car trouver le mot juste vaut toute la peine qu'on peut se donner pour lui. J'ai toujours mené mes recherches avec sérieux et cela a toujours eu un effet bénéfique sur la force de mes chansons et l'imaginaire qu'elles suscitent. J'ai enregistré la musique de l'équivalent de deux albums qui attendent juste que je trouve le bon sujet pour écrire leurs paroles.

Qui est Paola Tagliaferro qui joue la prêtresse. Comment avez-vous travaillé ensemble pour qu'elle soit aussi crédible dans son rôle ?

C'est une révélation, n'est-ce pas ? Je ne la connaissais pas avant de démarrer le projet. C'est Max qui s'est occupé du choix des musiciens et des chanteurs. Pratiquement tout le monde connaissait ma musique avant de commencer à travailler avec moi, et moi je ne connaissais personne. C'était assez étrange comme sentiment… Dès que j'ai entendu cette voix grave et envoûtante, j'ai su qu'elle allait jouer un rôle important dans ce disque ! Elle était très emballée par la possibilité de chanter en créole et en français et a travaillé dur pour s'approprier les intonations justes. Elle a atteint un degré d'implication qui a transcendé son travail et l'a surprise au point de ne pas reconnaître sa voix, car on lui a demandé de dépasser les limites qu'elle croyait avoir au départ. Ce qui est moins drôle, c'est la tension dans laquelle nous avons baigné pendant ces deux ans qui a affecté un peu chacun d'entre nous, en multipliant les petits accidents de la vie courante. Paola a fini par interpréter ce qui lui arrivait comme des « signes » d'un sort qui lui aurait été jeté parce qu'elle s'était trop investie dans le disque et a disparu depuis plusieurs mois de la circulation. Le modèle de la pochette qui représente le Baron Samedi avait failli être tué dans un accident improbable avant notre rencontre. Je ne sais si on peut parler de destin ou d'étranges coïncidences tout au long de la préparation de cet album. Je suis le seul à en être sorti sans une égratignure, certainement parce que Baron Samedi m'a toujours protégé.

Justement pourquoi l'avoir choisi pour illustrer la pochette ?

C'est Max et ses experts graphiques qui se sont occupés de tout ça. Ils ont trouvé un grand gaillard noir qui voulait bien jouer le Baron Samedi si je le protégeais par ma magie. Pendant la séance de maquillage, Max s'est rendu compte qu'il avait des croix tatouées sur les bras. C'était des gages de remerciement pour Baron Samedi qui, d'après lui, avait permis au chirurgien de le recoudre, suite à un terrible accident de moto où il avait failli perde un bras. Il voulait montrer sa gratitude aux esprits car il était très superstitieux.

Tu as très peu écrit sur le vaudou. Penses-tu qu'il y a certains sujets sur lesquels il vaut mieux ne pas trop en dire ?

J'ai écrit sur l'étrange cas de Felicia Felix-Mentor qui a été vue en 1936 par plusieurs témoins haïtiens, des mois après son enterrement dans mon livre, The Dark Side of the Occult. Mais en effet j'adhère aux principes sacrés de tout mage en activité qui demande que l'on soit « entreprenant, courageux et discret ». J'ai révélé beaucoup de secrets de la Kabbale dans mes livres et dans mon jeu de cartes, mais uniquement parce qu'on m'en avait donné la permission. Le monde a tellement besoin de s'appuyer sur des connaissances positives ! Mais il y a tellement de désinformation et de manipulation des émotions qui créent la confusion et la peur. Les médias ont une grande part de responsabilité dans tout cela à cause de leur manière de faire du sensationnel avec le surnaturel, alors que j'essaie de combattre la peur de l'inconnu avec mes livres et mes ateliers de développement psychique. J'ai toujours bien fait la distinction entre mon travail de chercheur sur le spirituel et les éléments fantaisistes qui nourrissent ma musique. J'espère que les gens savent quand faire la part des choses entre le sérieux et l'humour.

Est-il vrai que le livre Selected lyrics & more que tu as sorti en même temps a été imprimé à Haïti ?

Je ne peux pas le certifier mais je sais que le capitaine qui l'a ramené à notre distributeur italien et une partie de son équipage ont été mis en quarantaine à cause d'une maladie de peau inconnue. Il vaut mieux peut-être faire une petite prière avant de manipuler le livre.

Comment as-tu choisi les textes de tes chansons ? Quel effet cela faisait de les commenter, parfois plus de vingt ans après les avoir écrits ?

J'ai un instinct sûr quant au choix des textes intéressant à lire seuls, sans l'aide de la musique. La plupart de mes chansons de jeunesse n'ont pas passé le test de l'impression, à part « Captain Blood » peut-être. C'était un plaisir de se remémorer toutes les anecdotes associées et d'écrire ces explications sur leur sujet. Par exemple « Nosferatu » touche aux thèmes du regret, de la vieillesse, la débauche, la lâcheté, la maladie et l'addiction qu'une simple chanson sur le vampirisme aurait certainement ignorés. Il paraît que j'ai une mémoire prodigieuse pour les détails et j'ai des trucs mnémotechniques pour mes paroles, donc je n'ai pas oublié mes idées originales, ni mes sources d'inspiration... alors que je ne me rappelle pas le nom d'une personne que j'ai rencontrée il y a dix minutes. Je n'imaginais pas combien ce travail serait long et prenant. J'ai dû y passer des semaines – à peu près autant qu'une nouvelle – car il y avait aussi toutes ces expressions en vieil anglais qui avaient besoin d'être expliquées. Je me demande comment ma musique a pu avoir autant de succès en Grèce et en Italie où ce n'est même pas la deuxième langue. Il est vrai qu'aujourd'hui peu d'Anglais peuvent se targuer de savoir écrire ou parler dans « le langage de la reine » comme on dit chez nous.

Il paraîtrait que White Zombie t'a appris à créer tes propres arrangements alors que cela fait longtemps que beaucoup de tes morceaux sont orchestrés de manière baroque ou classique. Peux-tu préciser ce point ?

J'avais écrit les partitions des musiciens sur Gargoyles en 1996, c'était la première fois que je faisais des démos. Avant, je m'enregistrais à la guitare sur une cassette et je la donnais au groupe. Chacun se débrouillait avec sa partie et mon pianiste/arrangeur écrivait les partitions pour cordes et bois quand j'en voulais pour un morceau. À partir de Pavane en 2004, je me suis senti suffisamment à l'aise pour jouer moi-même des claviers, mais je ne me considérais pas encore comme un « vrai » musicien. Je ne savais ni lire, ni écrire la musique – je ne savais que composer.

C'est en travaillant sur la bande son du film d'horreur Hexen (film muet tourné 1922 par Benjamin Christensen ) que j'ai dû évoluer. J'habitais à l'époque en Allemagne et j'ai dû jouer et rejouer inlassablement les mêmes parties de piano jusqu'à ce que je devienne enfin familier avec le clavier et plus agile de mes doigts. J'ai écrit et enregistré Grimm l'année suivante et j'ai enfin pu jouer de tous les instruments moi-même en pur autodidacte. J'ai donc pu créer mes propres arrangements sans m'appuyer sur les connaissances d'autres musiciens. Ce n'est qu'en 2015, quand j'ai rejoint le label The Dark Companion et que je me suis retrouvé en compagnie de musiciens de jazz aussi talentueux que Keith Tippett, John Greaves (Henry Cow) et Paolo Tofani, que j'ai dû m'y mettre sérieusement. On m'a donné l'opportunité de composer une pièce musicale pour un orchestre de chambre qui avait travaillé avec Zappa, dont certains membres venaient du Philarmonique de Berlin et d'autres de l'orchestre de La Scala. J'ai compris qu'on me donnait la chance de ma vie de devenir un vrai compositeur et qu'il fallait que je la saisisse. J'ai donc pris des cours de solfège et appris tout ce qu'il fallait pour pouvoir écrire proprement une pièce de 30 minutes et retranscrire ce qui était nécessaire pour l'interprétation des musiciens, ce qui m'a beaucoup aidé à développer mes idées.

Avec Alberto Caligari.

Je trouve le mix de White Zombie très bien fait, avec de l'espace pour les voix, les instruments et les percussions. Tu donnes l'impression que l'on est au milieu des chanteurs, c'est très convaincant.

Il faut remercier Alberto Caligari qui a réenregistré tous les chants. J'ai passé deux ans d'allées et venues entre l'Angleterre et l'Italie pour couper ce que je n'aimais pas, réenregistrer tel couplet qui devait faire trois vers et non pas quatre, éditer à la bonne longueur ligne à ligne ce que je voulais entendre. C'était un travail collaboratif, mais ça avançait tellement lentement qu'il m'a fallu aller me rafraîchir l'esprit avec un autre projet que j'ai enregistré avec mon groupe de rock en Angleterre. Il s'agit d'un double album qui mélange psych/garage/folk/rock et sur lequel j'avais un contrôle total. White Zombie avait besoin d'être enregistré de manière différente mais il a fallu que je m'en éloigne un certain temps au risque de devenir fou.

Est-ce toi qui a eu l'idée des flûtes qui insufflent un esprit particulier un peu partout ?

Je jouais quelques parties de flûtes sur les démos mais c'est Lorenzo Trecordi, un multi-instrumentiste hors pair, qui a tout réenregistré sur les conseils de Max. Il joue aussi de la guitare, électrique et acoustique, de la mandoline et fait des chœurs avec Anna Barbazza qui est une multi-instrumentiste extraordinaire et écrit également ses propres chansons. Elle a chanté toutes les parties de voix que ni Paola ni moi ne pouvions interpréter. Je les ai enrôlés tous les deux dans mon groupe acoustique depuis car c'est un vrai bonheur de jouer avec eux.

Tu as toujours été tiraillé entre rock, folk et musique baroque, ce qui s'entend clairement sur White Zombie qui explore une grande variété de sonorités et de styles, flirtant même avec le hard rock.

J'aime composer des musiques saugrenues, de la musique classique délicate ou des mélodies pop évidentes. Mais il y a une part en moi qui est stimulée par le hard rock mélodique ! Je ne peux pas écrire des chansons folk sans exorciser mon amour pour Marc Bolan, Led Zeppelin et Johnny Burnette au moins une fois par jour. J'ai hérité cela de Marc Bolan qui avait des morceaux acoustiques et électriques sur le même disque et je n'ai jamais pensé qu'il aurait dû choisir l'un ou l'autre. Je dirais même que quand il a opté pour le tout rock, il a perdu quelque chose en route. Je fais très attention à l'ordre des chansons dans mes disques pour que chacun soit entendu dans son contexte le plus avantageux. C'est pourquoi il est si frustrant de savoir que la plupart des gens aujourd'hui téléchargent des morceaux isolés ou les écoutent sur des playlists aléatoires qui ne leur permettent pas de se plonger dans l'univers d'un artiste. C'est comme enchaîner des scènes de films différents ou faire un tour dans une galerie et ne s'arrêter que sur un tableau avant de repartir. C'est un des symptômes d'une nouvelle maladie que j'appelle la « déficience de l'attention musicale ». C'est très inquiétant et plutôt triste pour nous autres compositeurs.

J'ai lu quelque part que tu avais écrit les chansons de Bates Motel pour apprendre aux jeunes générations le blues et le rock. N'est-ce pas l'espoir secret de tout père que transmettre ses goûts et ses couleurs à ses propres enfants ?

Tu as sûre que j'ai dit cela ? Je ne suis pas assez présomptueux pour penser que je pourrai apprendre quelque chose à quelqu'un – encore moins mes propres enfants qui ne prennent personne au sérieux dès lors qu'il dépasse trente ans. Mais il est vrai que j'ai à un moment senti qu'une vraie menace planait sur les disques, les livres et les films avec lesquels j'avais grandi, ma génération et celles d'avant. Il y a tellement de jeunes gens qui pensent que le cinéma a commencé avec Star Wars et que toute forme de musique avant le punk est archaïque et idiote ! Que j'aie tort ou raison, cela m'a libéré du carcan dans lequel je m'étais enfermé en n'écrivant quasiment que sur des histoires surnaturelles ou issues de l'Histoire. En enregistrant pour Bates Motel les chansons que j'avais écrites à la fin des années 80 pour Nico, Moe Tucker et Sterling Morrison – avant qu'elles soient mises sur une étagère et oubliées – je me suis autorisé à faire allusion à toutes ces références de la pop culture de mon enfance comme les séries télé, les comics, les films de série B… Et j'ai par la même occasion redécouvert la musique qui allait avec, du garage rock au psyché, que je me suis empressé d'utiliser aussi.

Le double album que j'ai enregistré en parallèle de White Zombie s'appellera 1313 Mocking Bird Lane (clin d'œil à la série The Munsters) et inclut des chansons sur Joe Strummer, Chet Baker et Charlie Manson, pour ne citer que les trois plus connus. Je crois que je n'ai pas été aussi excité par mes nouvelles chansons depuis que j'ai commencé en 1979, même si je suis satisfait de tous mes albums. Peut-être cela vient-il du fait que j'ai un studio de première classe , un producteur top et des musiciens d'un calibre auquel je ne faisais que rêver auparavant (allusion aux Elfo studios et à l'équipe qui gravite autour du label Dark Companion ndla). D'ailleurs j'ai l'intention de réenregistrer en partie 1313 Mocking Bird Lane car je le trouve un peu trop « policé » par rapport à ce que je sais pouvoir faire maintenant. White Zombie me sert de nouveau mètre étalon !

Je suis en train d'écrire également des chansons pour d'autres artistes que j'ai pu rencontrer là-bas, comme Peter Hammill ou Dave Cousins (The Strawbs). Je suis en train de terminer un album avec de longues chansons de type plus narratif inspirées des histoires de fantômes de M. R. James. J'ai même réussi à composer une pièce pour le grand pianiste jazz Keith Tippett qui mélange classique/jazz/avant-garde. J'espère qu'il la choisira pour son prochain album à paraître.

Je suis une personne qui se révèle sur le tard mais je crois sincèrement que le meilleur est à venir. En même temps j'ai l'impression qu'on vit dans un monde qui rétrécit ses centres d'intérêt et uniformise toutes les formes d'art dans une perspective mercantile. Mais comme le disait autrefois Fairport Convention : « Le temps montrera qui est le plus sage. »

White Zombie - LP/CD (Dark Companion)

Selected Lyrics & More – Livre (Dark Companion)

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For Heaven's Sake

Cathimini — 2016-10-04T11:41:07Z

Par Stanislas de Guillebon et Cathimini.

Découvrir For Heaven's Sake le jour de l'an, c'est comme se rappeler que ça peut être Noël tous les jours si l'on veut s'en donner la peine.

L'image renvoyée par le site du groupe est une approche noire et dorée, étoilée de lumières floues et de clichés qui finissent par nous faire comprendre que For Heaven's Sake est le projet d'un seul homme, blond, tatoué et discrètement romantique, quel que soit l'habit qu'il revête. Une fois cliqué sur le chapitre musique, se déploie une douce litanie électrique, agrémentée d'instruments et de percussions étrangères qui tourne en boucle dans nos oreilles éperdues de la liberté sonique prise et des mots pas comme les autres qui viennent remettre en cause la suprématie de la bonne vieille recette couplet/refrain. Cette musique n'est proche d'aucun sentier battu par la chanson française ou le rock'n'roll. Elle se tient toute seule à la croisée des mondes fantasmés par un grand lecteur et peut être voyageur - qui sait - qui aime à remonter les cultures et les rivières jusqu'à leur source.

Du coup, un mois plus tard nous nous retrouvons dans le studio/musée cosy « Lumière 13 » que Guillaume Nicolas a reconstruit à partir d'un haras pour y accueillir ses démons et ses fantaisies quand elles surgissent à la pointe de la nuit. A moins que ce soient celles d'autres musiciens qui aiment à venir dans ce havre de paix, hors de la course après le temps et des exigences du monde artificiel, de la peur et de l'ennui. Ici, tout est rempli de pianos, d'amplis et de guitares. Tout est tapissé de disques, d'affiches et d'objets anciens dans un rouge et noir tamisé, propice à la confidence. Il ne restait plus qu'à laisser tourner l'enregistreur.

Question bateau mais indispensable pour mieux comprendre le monde que tu as créé, que ce soit musicalement ou ici au Studio 13 : d'où-es-tu originaire ?

Je suis originaire d'Auvergne, j'ai fait ma scolarité à Riom où je suis resté jusqu'à mes dix-sept ans. Puis quand j'ai eu mon bac, je suis monté à Paris où j'ai commencé à travailler. Et de là, je me suis retrouvé à New-York, où j'ai travaillé à Woodstock auprès de Kevin Salem. Je me suis marié là-bas, j'y ai divorcé et je suis revenu ici avec pour projet d'ouvrir un studio résidentiel comme ceux que j'avais vus aux États-Unis ; un endroit où tu vis une aventure musicale avec les autres gens de la communauté puisque tu travailles avec eux, tu manges avec eux et tu dors avec eux. En France nous avons eu le château d'Hérouville en Normandie et le studio de Miraval dans le Sud qui ont été des expériences fortes de grands studios d'enregistrement communautaires. C'est complètement différent d'un enregistrement en ville où tu prends le métro pour y aller puis tu rentres à l'hôtel après. J'aime être un peu isolé à la campagne tout en n'étant qu'à une demi-heure de Paris. Tout ce que j'ai à faire c'est d'être dans ma bulle artistique pour travailler.

Quand tu étais à Clermont fréquentais-tu Spliff Records et les groupes du coin ?

Bien sûr ! Même si je suis un peu jeune pour être de la génération des Thugs, je connaissais les Real Cool Killers, le studio Black Box… Je travaillais pour la radio indépendante associative de la région qui s'appelait Radio Arverne. Entre mes 10 et 17 ans je participais à deux émissions de radio : une sur le blues et une sur le métal. Je faisais aussi partie d'une association qui organisait des concerts mais nous n'avions pas de salle pour faire jouer les groupes. Il y avait la Maison des sports qui était une sorte de Zénith avant le Zénith, mais Clermont ne faisait pas partie des dates bookées par les artistes.

Tu parles d'avoir fait de la radio dès l'âge de 10 ans, c'est très jeune. Comment es-tu tombé dans la musique ?

Par chance j'avais un ami plus âgé à l'école. En 1991, il a apporté le walkman de son frère à l'école et j'ai pris une claque en écoutant le Black Album de Metallica et Use Your Illusion 1 des Guns'n'Roses. C'est à partir de ce choc, de cette journée, quand j'avais neuf ans, que ma voie était tracée. Ce Black Album était assez expérimental pour l'époque avec beaucoup de vide et de silence, même s'il avait un côté moins agressif que les précédents… et plus commercial. Encore aujourd'hui mon album préféré d'eux est Master of Puppets mais j'aurais difficilement pu commencer par celui-là. Il y a aussi eu Nevermind de Nirvana cette année-là. Donc voilà, à la base je viens du métal et grâce à la radio je me suis ouvert au blues. Parce qu'AC/DC c'est juste du blues avec de la distorsion donc après, tu remontes vers Muddy Waters et Buddy Guy… Aujourd'hui je suis un amoureux fou de toutes les musiques : je peux écouter du jazz des années 20 comme du black métal scandinave, de la musique expérimentale ou du drone… Tout ce que je demande c'est qu'il y ait de la sincérité, beaucoup d'intégrité et de la qualité. Le bruit peut être très musical ! Ce que fait Trent Reznor avec Nine Inch Nails est plein de samples industriels qui, pris à part, pourraient être désagréables, mais sont somptueux utilisés comme cela . C'est la même chose avec le monde métallique des percussions de l'album Mule Variations de Tom Waits.

Quelqu'un comme Scott Walker doit te parler ?

Oui il a fait un disque avec Sunn O))… J'ai un gros penchant pour la scène psychédélique des années sixties-seventies, même si pour moi le psychédélisme est plus un état d'esprit qu'un son. Le psychédélisme peut être quasi folk acoustique avec les mellotrons, les flûtes, soit quelque chose de très éthéré et spirituel, comme il peut être quasi stoner, doom avec ces rythmes tribaux et une grosse fuzz dans des morceaux de quinze minutes avec un riff obsédant qui tourne. Aujourd'hui il y a des labels comme Light in the Attic, l'italien Akarma ou Numero Group qui sortent des trucs jamais édités à l'époque ou restés confidentiels…

Ta manière de parler de ce courant psychédélique me semble être une manière de parler de toi. Tu es parti de quelque chose de très précis pour ensuite t'ouvrir à des choses très différentes ?

Tout à fait, car la scène hard est extrêmement ouverte et peut t'amener à tout. Kurt Cobain citait souvent les Beatles. Et si je suis tombé dans la musique indienne c'est grâce à eux. Mes artistes de prédilection aujourd'hui sont Springsteen, Dylan et Neil Young. La bonne musique quand tu es un peu curieux t'ouvre l'esprit. Tu te dis « cet artiste m'a touché, quels sont les groupes qui ont touché cet artiste-là ? » Et de là tu fais de l'archéologie pour élargir tes horizons et tu te rends compte que ça part dans tous les sens.

Sur la page d'intention de ton studio, tu déclares que le plus important pour faire de la musique c'est de prendre le temps pour trouver une voie naturelle…

Quand on veut, on peut ! Le temps, je le trouve toujours quand j'en ai besoin. Le jour où je sentirai que je perds pieds là-dessus et que quelque chose rattrape ma notion du temps je saurai tout arrêter. C'est crucial, sinon tu exploses ou tu deviens une machine et ça ne m'intéresse pas. Je prends le temps de voir où les artistes qui viennent dans mon studio veulent aller, après ça va très vite. Par exemple mes albums ont été enregistrés en une journée ou deux. J'aime ce côté très instinctif, l'école de Steve Albini. In Utero a été fait en moins de sept jours. Je travaille tout à la première prise, j'enregistre en analogique sur bandes car j'aime l'erreur en musique, j'aime ce qui flotte. Le moment venu, les morceaux sortent d'un coup. Je les sens au fond de moi, donc quand mes chansons sont prêtes je me cale deux jours pour mon projet. Quand je travaille pour les autres j'aime beaucoup faire des sessions de cinq jours, laisser reposer, puis revenir dessus plus tard rajouter des couches. Pour ma musique qui est assez complexe et assez riche, je veux que les gens écoutent ce que j'aurai donné dans mon approche la plus pure. L'album est un instantané du moment de l'enregistrement. Ce n'est peut-être pas ma meilleure interprétation mais c'est celle qui aura eu lieu ce soir-là.

Mais la plupart de tes morceaux superposent deux-trois voix. La même nuit tu vas rechanter trois fois le même morceau ?

Ça c'est une sorte de marque de fabrique en plus qui donne un côté un peu hypnotique grâce à des harmonies légèrement différentes. Car si je veux quatre voix sur ma chanson j'en enregistre quatre une fois, je ne me sample pas. Je suis très dur avec moi-même dans le sens où je me dis que si je l'ai chantée ce soir-là de cette manière il devait y avoir une raison. C'est presque un instinct live. C'est brut et beau de la garder telle quelle, je ne retouche jamais rien. De plus travailler avec des bandes ça oblige à être bon. Ça ne te donne pas le droit à l'erreur et ça t'ouvre à une certaine discipline. Si tu as besoin de cinq, six, sept prises : soit ta chanson n'est pas très bonne, soit toi tu n'es pas prêt. La magie doit être là ! Mais tu as le droit d'être dans un mauvais soir ; si tu vois qu'il ne se passe rien, il ne faut pas forcer.

Et comment te viennent les idées des arrangements ?

Ça me vient quasi naturellement. Toutes mes chansons sont écrites pour une voix et une guitare acoustique. J'écoute le squelette du morceau et je me dis qu'il a un feeling qui va aller dans telle direction donc j'ajoute un banjo, un sitar ou plutôt un orgue, un piano. C'est le morceau qui me dicte les arrangements qui vont suivre. Dès que j'écoute la prise, instinctivement - et avec un peu d'expérience - je devine ce que je dois faire après.

Tu utilises un français très lettré et des mots de langues rares qui donnent un charme particulier à tes chansons. Je ne sais pas si tu parles toutes ces langues ou si tu les évoques parce que les mots surgissent comme ça, par pur esthétisme...

Il n'y a rien qui soit vraiment de l'ordre du hasard. Les textes sont un sujet sensible pour moi. Ça me fait très plaisir que tu sois réceptif à ce français un petit peu recherché et à ces mots étrangers, même si tu ne les comprends pas. Je suis passionné de musiques chamaniques donc j'utilise des mots chamaniques parce que j'aime ce à quoi ils renvoient. Et puis je lis beaucoup de choses sur des dialectes anciens donc je pioche les mots qui sonneraient bien mis en musiques. À partir de là, si je vois que le fond du mot parle à ma chanson et que la forme du mot lui parle elle aussi, je le prends. Parfois au sein d'une même chanson je vais utiliser un dialecte amérindien puis quelque chose de l'Europe de l'Est. J'aime bien ce côté pioche, comme dans un jeu de cartes finalement. Mais dis-toi qu'à chaque fois il y a du répondant entre les mots. Par exemple « Paha Sapa Mako Sika » c'est une espèce d'affrontement entre les terres saintes et les terres moins fertiles.

Sur Ophelia, la plupart des titres sont des noms propres. Du coup c'est très évocateur, presque litanique, non ?

Ophelia est un album à part, vu que je l'ai écrit suite à mon divorce et que tous les titres renvoient à des lieux précis de cette histoire-là. Mais si tu ne le sais pas, en aucun cas tu peux le deviner. C'est-à-dire que j'ai essayé de faire un album très intime, impudique et personnel, tout en laissant grande ouverte la porte à tout le monde. Donc les textes sont cryptés, mais pour moi ils le sont moins que sur les autres albums. Chaque mot répond à un autre mot, il y a beaucoup de jeux de mots. Il y a même des rimes. Les chansons sont plus simples et plus dépouillées parce que je me disais que ça allait mieux avec mon propos. Mais ce n'est pas ma manière habituelle de faire. Jamais je n'utilise le « je » dans mon écriture, sinon je trouve que ça implique de fermer une porte. Je veux que chacun s'approprie les mots que j'emploie.

On peut noter des passages sur certains albums qui tranchent avec l'univers ambiant, comme « Bhajan » sur Jérusalem…

Il y a quelques années de cela, Albert Dupontel m'avait demandé de faire une musique pour le making-of de Bernie. « Bhajan » en est le générique et j'y ai rajouté des paroles. Parce que Jérusalem est un album extrêmement particulier puisqu'entièrement écrit là-bas et enregistré ici, la nuit de mon retour. J'avais quatre morceaux longs et denses et je trouvais qu'il me manquait une transition courte, un truc quasi instrumental, dur et sombre pour contrebalancer le côté spirituel du reste.

Peux-tu nous parler de ce voyage à Jérusalem ?

Ca faisait des années que je voulais y aller, mais je n'étais pas encore prêt à vivre l'expérience. Je n'aime pas du tout le mot "spirituel" parce qu'il a été tellement galvaudé, avec une dimension kitsch qui me dérange… Mais depuis tout petit, c'est ce que je porte en moi et les valeurs qui me font vibrer tournent autour de cela. Moi qui ai lu la Bible, le Coran et la Torah, il était nécessaire que j'aille dans la ville de ces trois religions monothéistes. Évidemment cela m'a pris du temps pour avoir la maturité intellectuelle et spirituelle pour vraiment comprendre les textes et pouvoir ressentir leur portée. Il s'est trouvé que j'arrivais à un moment de ma vie où je méritais d'y aller. Pour moi il y avait une démarche presque respectueuse, en sachant pourquoi j'y allais et qu'est-ce que j'attendais que ça remue en moi. C'est facile d'aller à Jérusalem pratiquement : tu prends l'avion jusqu'à Tel Aviv, puis un bus et tu y es.

Une fois là-bas, ca a été un choc ! J'étais connecté à tout ce que la ville porte en elle, je suis devenu une véritable éponge émotionnelle aux spiritualités des uns et des autres. Je sentais à la fois toute la douleur de ce peuple, réveillée par les contrôles militaires à chaque changement de quartier, et un espoir que la foi rechargeait en moi. J'y suis resté quatre jours et j'ai écrit l'album sur ce temps-là. Par exemple le morceau de trente minutes au départ est un guitare/voix de quatre minutes auquel j'ai rajouté beaucoup de drones, de fuzz, d'instruments spirituels… C'est devenu une espèce de court-métrage sonore où je me suis laissé porter. J'ai voulu communiquer ce que la ville me faisait ressentir, soit que la moindre rue pouvait raconter dix histoires. Mais cela m'a fait mal au cœur aussi de voir que les gens coexistent mais ne s'entendent pas. Il manque juste une étincelle pour que tout explose. Le danger est palpable. C'est triste parce que le message d'origine de ces trois religions - et ce qui me fait tenir - c'est l'Amour, la compréhension de l'autre.

Au VIème siècle, les Soufis avaient compris que cette dimension-là était liée à la Lumière. On a du mal à imaginer aujourd'hui que les gens accédaient autrefois à la connaissance grâce aux universités religieuses, comme le décrit Umberto Eco dans Le Nom de la Rose.

Aujourd'hui la foi, la spiritualité et l'amour qu'on peut/doit porter à l'autre sont des sujets extrêmement sensibles à aborder avec les gens. Il y a énormément de spiritualité dans la musique métal mais j'ai l'impression que cette foi très profonde n'existe plus autour de moi. Les gens ont beaucoup perdu d'espoir et sont devenus trop cyniques. La plupart ont fait un amalgame entre tout ce qu'ils entendent à la télé et dans les journaux et ne veulent même plus en entendre parler. Ils sont mal informés là-dessus, ils n'ont pour la plupart rien lu de véritable et ne s'intéressent qu'à l'aspect qu'on veut bien leur montrer. Du coup quand j'essaye de mettre le sujet sur la table, ça connecte très peu avec très peu de gens. Alors que toutes les religions sont intéressantes à partir du moment où tu reviens au discours originel : une histoire d'amour et de compréhension.

La pochette du disque reprend des photos prises là-bas. Comment t'es-tu mis à l'argentique ?

Par accident complet ! On m'a offert un appareil, j'ai trouvé un rouleau de pellicule, je l'ai chargé et j'ai commencé à faire de la superposition de vues et de détails. Je l'ai fait développer et ça a donné des photos un peu atmosphériques. C'est devenu un vrai passe-temps qui me sert en premier lieu à illustrer mes albums, puisqu'on n'est jamais mieux servi que par soi-même. Je n'y connais rien du tout techniquement et je ne veux pas savoir comment ça marche. J'ai trente-trois ans et j'ai les mêmes rêves qu'à douze ans, les mêmes attentes de la vie, même si en musique j'ai dû tuer un peu cette innocence… J'essaie de garder une immense part de naïveté.

Pour découvrir ses albums : https://www.forheavenssake.fr/

Pour découvrir son studio : http://www.lumiere13.fr/fr/

Portraits (c) Cathimini, photos de Jérusalem (c) Guillaume Nicolas.

Paul Roland

Cathimini — 2015-09-22T15:52:52Z

Voici l'un des tout meilleurs disques de Paul Roland que la plupart des fans français ont perdu de vue depuis la fin des années New Rose. Le musicien est aujourd'hui un auteur reconnu dans les mondes du fantastique, de l'ésotérisme et de l'investigation historique (voir le dossier Rock et Littérature du fanzine Abus Dangereux - face 111) et certains petits curieux ont commandé en Angleterre son dernier livre richement illustré The Curious Case of H.P. Lovecraft. Mais c'est bien le musicien que cette modeste chronique va tenter de vous faire découvrir ou retrouver.

Né dans les années 60 dont il a bien sûr hérité l'amour de la pop et du garage et tout imbibé des films de la Hammer, notre homme a toujours surfé sur une veine gothique du point de vue textes et rock excentrique du point de vue musical. Avec des titres d'albums tels que Danse Macabre, Le Cabinet des Curiosités ou encore Les confessions d'un mangeur d'opium, pas de doute, ce songwriter anglais jusqu'au bout des ongles faisait bien partie de la même famille que les chantres d'un certain renouveau du psychédélisme (Robyn Hitchcock, Andy Ellison ou Bevis Frond). Le mariage de sonorités classiques (clavecin, violoncelle, tambourins) et modernes (guitares fantomatiques, orgue, distorsion sur la voix) qu'il expérimente depuis les années 80 a rarement été aussi bien maitrisé. Le bien nommé « I've been hearing voices » nous piège dans un tourbillon de notes, de sons et de voix que n'aurait pas renié le Pink Floyd période Medal.

Mais loin de s'enferrer dans un style, Paul Roland pimente ses 14 nouveaux morceaux d'incursions dans le blues du delta qu'il affectionne aussi, la musique médiévale, le post punk et le dark folk. Un voile pudiquement posé sur sa voix, parfois accompagné de chœurs improbables, il prend à plaisir à murmurer des horreurs sur le résultat d'expérimentations humaines et à chanter les affres que seuls les fous et les morts vivants peuvent lui avoir soufflé à l'oreille. Le résultat est bien à l'image de son titre Bitter and Twisted, un régal pour les âmes sensibles qui aiment souffrir au fil de belles chansons en accords mineurs.

The Young Gods

Cathimini — 2011-11-27T11:22:00Z

And Also The Trees

Cathimini — 2009-11-23T14:25:52Z

The National

Cathimini — 2008-04-01T00:00:00Z

Valerie Leulliot

Cathimini — 2008-03-31T00:00:00Z

Tender Forever

Cathimini — 2008-03-29T00:00:00Z

Mark Lanegan

Cathimini — 2008-03-26T00:00:00Z