Le Cargo !

Magyar Posse

yves — 2006-06-07T03:09:00Z

Comment le nouvel album de Magyar Posse pouvait-il être autre chose qu'une réussite ? Plus je me remémore mon impatience fébrile à attendre des nouvelles des six finlandais, plus l'évidence me saute aujourd'hui à la gorge. Ils avaient tout : l'instinct mélodique, une originalité de forme dans un créneau musical encombré par les poncifs, la puissance et une pureté remarquable dans les prises de son, qualités que nous avions déjà pu savourer en live et sur leurs deux précédents opera.

Solennité

We Will Carry You Over The Mountains, sorte de bande-son cinématographique urbaine, faisait coexister dans un petit miracle Ennio Morricone et Arca avec pour objectif la recherche de mélodies tendues, répétées en boucles sinueuses. Kings Of Time était plus épique, toutes guitares dehors et bourré de cavalcades plus étourdissantes les unes que les autres. Les deux albums, différents dans leurs sonorités mais indéniablement les oeuvres d'un même groupe, se complétaient sans que l'un soit fondamentalement meilleur que l'autre dans un diptyque d'une solennité saisissante.

Vélocité

En arbitre avisé, Random Avenger rassemble et sublime les qualités de ses deux précédesseurs : encore présente, l'inexplicable facilité à bâtir des boucles mélodiques entêtantes dignes d'un Morricone slave (les guitares crunchy de “Popzag” faisant écho au thème de Un Citoyen Au Dessus De Tout Soupçon, l'utilisation de la voix comme une texture mélodique). Toujours là cette fougue, déversée précipitemment dès “Whirlpool Of Terror And Tension” et qui ne se calmera qu'au cours de deux courts intermèdes. Pas de détours, on fonce dans le tas ! Les rythmes de batterie martelés, presque « cassés », renforcent ce sentiment d'urgence haletante ; avec une incroyable vélocité, Magyar Posse court comme si le diable était à ses trousses. Si le style du groupe n'a pas tellement changé, leur technique d'enregistrement s'est peaufinée et les morceaux ont gagné en densité. C'est dans la compacité que Magyar se distingue, et ce depuis leurs débuts. Du rock instrumental épique, OK, mais avec concision et efficacité. Les passages les plus calmes, soigneusement intecalés, exudent une tension sourde, comme pour laisser à l'auditeur un instant pour reprendre un semblant de souffle (“Black Procession” et “One By One”).

Crépuscule

Au beau milieu de cette course de semi-fond, le Tubular Belles de Mike Olfield trouve juste le temps de se frayer une place dans les références seventies assumées (les claviers scintillants d'intro et de conclusion de “Sudden Death” ou plus loin sur “European Lover”), avant de se faire bouffer l'espace par des voix entonnant des vocalises d'un lyrisme crépusculaire. Car il est bien question de cela : pas tout à fait nocturne, Random Avenger diffuse une lumière rasante comme il doit il y en avoir au-delà du cercle polaire ; une sorte de dernier éclat qui éblouit avant de laisser place à la nuit.

NLF3 Trio

yves — 2006-06-04T09:07:00Z

Il y a des albums que l'on attend, que l'on espère et qui finalement nous déçoivent. « Il n'en méritait pas tant », se dit-on amer. Et il y a les outsiders magnifiques, inconnus au bataillon qui se révelent à vous totalement par hasard : une pochette, une citation dans un article, vingt secondes d'écoute dans un magasin de disques. C'est ainsi que discrètement, insidieusement, le dernier album du NLF3 Trio acheté sur un coup de tête a squatté ma platine pour ne plus s'en déloger.

Patine

Music For Que Viva Mexico ! a un agréable goût de patine, sent légèrement la poussière mais ses poutres sont solides. Conçu comme une BO posthume du film d'Eisenstein, l'album affiche une ambition tant thématique que musicale : le support disque ne se veut qu'un moyen de diffusion, la musique de Que Viva Mexico ! a été créée pour être jouée en live, le son accompagnant les images. Personnellement, je n'ai pas vu le film. Qu'importe, le disque est si dense et cohérent que son écoute est une expérience cinématographique à part entière. Amateurs de sonorités hispanisantes, passez votre chemin ; les influences du trio lorgnent plutôt vers le jazz, l'ambient vaguement synthétique et des expérimentations instrumentales à la Tortoise. Comme dans toute BO qui se respecte, un thème principal est décliné en plusieurs versions disséminées le long de l'album, mais l'exercice est mené ici avec brio, sans paresse ni redite.

Piano Rhodes

L'auditeur inexpérimenté s'accrochera donc d'abord aux bouées les plus visibles (“La Boda”, “Adversidad”), avant de savourer les trésors qui lui auront échappé au début : “Tension En La Camara Lenta”, formidable plongée dans un abîme cotonneux, le chaotique “Martires En La Tierra”, ou “Las Campanas” et ses magnifiques arpèges de Fender Rhodes, instrument abondamment utilisé sur le disque.

Avec Que Viva Mexico !, Nicolas Laureau, son frère Fabrice et Ludovic Morillon font hommage à un réalisateur qu'ils admirent. A moi maintenant de faire ma révérence : chapeau bas messieurs, votre album s'annonce déjà comme l'un des plus beaux de l'année.

Max Richter

yves — 2006-06-01T09:05:00Z

Ôtons tout de suite le doute dans l'esprit du lecteur : Max Richter fait partie des surdoués, ceux dont le talent de composition naturel repose non pas sur une sorte d'instinct, de pressentiment tâtonnant de la musique influencé par des références plus ou moins conscientes, mais bien sur une érudition solide, presque indimidante. De formation classique, l'Anglais d'origine Allemande a officié au sein de Piano Circus, projet à douze mains et six pianos, avant de composer en solo une œuvre-rétrospective sur le 20ème siècle (rien que ça) intitulée Memoryhouse.

Erudition

The Blue Notebooks, son second et dernier album en date, possède un cadre formel plus intimiste que son grandiloquent prédécesseur ; l'orchestre symphonique de la BBC s'y est réduit à un quintette de musique de chambre. On ne s'arrêtera pas sur la prétention vaguement littéraire de l'album, car les monologues à peine audibles qui parsèment le disque (extraits de l'Hymne sur la Perle de Milosz et des Cahiers Bleus de Kafka, concept) sentent légèrement l'élitisme gratuit, et ne présentent au bout du compte qu'un intérêt dérisoire. On préfèrera savourer la musique pour son onctuosité, avec un ravissement peut-être ignorant, naïf, plutôt que de s'éreinter les cellules grises. Les compositions classiques de Richter sont à rapprocher clairement de celles de Philip Glass, pour leur minimalisme subtil et le spleen qui s'en dégage. Le lien de parenté apparaît tantôt mimétique (“Vladimir's Blues”, jusque dans les moindres détails), tantôt plus lointain (“Iconography”), sans jamais sombrer dans les redondances pénibles de l'Américain. Encore, Richter démontre son art de la nuance, des changement de tonalité mineur-majeur. “On The Nature Of Daylight”, un des sommets de l'album, fait furieusement penser à un Rachel's à son meilleur (penser à réécouter Systems/Layers, vite).

Les percées de Richter vers une sorte de musique électronique de chambre s'avèrent être les plus intéressantes : il parvient à marier avec goût des instruments traditionnels (cordes pincées, frottées, frappées) à des bruits et sons d' une origine beacoup moins claire, car synthétiques. Les genres se juxtaposent, s'entrelacent, se mélangent à merveille : concerto pour violon et trip-hop sur “Shadow Journal”, electronica, piano et violoncelle sur “Arboretum”... tout semble couler de source sans que jamais l'effet de contraste ne détourne abusivement l'attention.

classicisme et technologie

The Blue Notebooks revêt donc un aspect symbolique fort : il incarne le croisement parfait entre tradition et modernité, aussi bien dans les procédés d'enregistrement que dans les sonorités de l'œuvre elle-même. Quand la plupart des acquisitions d'œuvres classiques sont réalisées en une seule prise, à l'ancienne et sans post-production forcenée, Richter, lui, enregistre sa musique classique sur son ordinateur portable, en utilisant tout ce que la technologie moderne peut lui offrir. Séquenceurs, multipistes, méga-octets de données, l'homme vit indéniablement dans l'ère du numérique, où l'exécution d'une partition n'est plus l'enjeu unique de la réussite d'une œuvre, mais dépend - de manière critique - du travail de transformation du son lors de son enregistrement. Phil Spector, Steve Albini, Dave Friedmann, autant de personnages qui suscitent aujourd'hui autant d'attention que les musiciens pour lesquels ils ont travaillé. Max Richter a donc dû compléter ses connaissances de la partition de techniques de mixage diverses. Chose remarquable, c'est à de la musique classique émancipée que nous avons affaire ici, et non à son inverse plus commun, lorsque c'est le profane qui lorgne vers un certain faste orchestral (Chauveau, Tiersen). Trop rares sont en effet les érudits de la trempe de Richter qui acceptent de sortir de leur caste pour se mettre en danger, risque ici doublement récompensé : même si The Blue Notebooks est d'une finesse et d'une intelligence supérieures, ce n'est pas uniquement à un microcosme de connaisseurs que cet album s'adresse. Amateurs de musique de chambre, de boucles electronica, de sonates ou de trip-hop, tous trouveront leur compte. Chef d'oeuvre.

Twee Pop

yves — 2006-03-12T14:57:53Z

Mettre les artistes dans des cases, on a toujours adoré ça. Pour mieux se récrier ensuite devant les appellations absurdes et catégorisations extrêmes de ses groupes préférés.

"T'es fou, Sigur Ros c'est pas du post-rock, tu pues."

"Nine Inch Nails ? Du metal prog à tendance electro-indus, je dirais."

Aujourd'hui, j'ai l'impression qu'il est clairement de bon ton de mépriser cela, en tout cas chez les plus passionnés. Mais moi, j'adore classer par sous-genre. Je suis pragmatique.

D'une, ça me permet de faire des dossiers dans mes fichiers d'échange sousleek. Ce serait bien le bazar sinon, merde quoi.

De deux, on peut mettre tout et n'importe quoi dans un sous-genre, c'est assez pratique.
Enfin, ça me permet de briller en société, comme en témoigne le dialogue qui suit, inspiré de faits réels :

"Ho mais qu'écoutes-tu donc comme musique dans la vie ?"

- En ce moment j'écoute du math rock.

- Ah.... (hésitation) Ah heu ouais, ouais, super, j'adore aussi. (hochements de tête presque convaincants).

Sonnez tambours et trompettes, le petit monde branchouille de la musique indie a accouché d'un nouveau sous-genre : la twee-pop. Vous savez, tous ces groupes un peu enfantins, un peu bancals et mignons à qui on pardonne les imperfections pour leur caractère déluré et innovant. Ces groupes qui empilent les instruments comme des cartes à jouer, qui ont une prédilection pour les pochettes multicolores et les paroles absurdes. Comment ça vaine, ma description ? Bref j'en écoute à balle ces mois-derniers. Je vous fais donc part de mon petit Panthéon personnel : Of Montreal - Satanic Panic In The Attic

P:ano - Brigadoon

The Unicorns - Who Will Cut Our Hair When We're Gone ?

Islands - Return To The Sea

Architecture In Helsinki - Fingers Crossed

The Fiery Furnaces - Blueberry Boat

J'écrirai un petit article pour chacun d'entre eux dans des posts spécifiques dans les semaines à venir.

Bisouxxxx

Sufjan Stevens

yves — 2005-11-22T22:00:00Z

Sufjan Stevens est assis au bord du canal Saint-Martin en train de dessiner quand j'arrive devant la salle du Point Ephémère. Je suis impatient et intimidé à l'idée de rencontrer l'auteur du formidable “Illinois”, véritable coup de coeur (de maître ?) tombé du ciel en Juin dernier. Le personnage correspond exactement à l'image qu'il dégage sur ses disques : posé, intelligent, et d'une grande classe. Discussion autour de son travail passé, de ses projets futurs, de Woody Allen et de littérature, juste avant son premier concert en France, évènement à marquer d'un pierre blanche.

Lien vers le compte-rendu du concert au Point Ephémère

Lien vers la discographie partielle de Sufjan Stevens

Merci à Nicolas de PIAS pour avoir organisé cette rencontre. Et au Cargo de m'avoir embarqué dans cette aventure...

Le Cargo - Parlons de ton dernier album “Come On Feel The Illinoise”. Il est musicalement très dense, fait 74 minutes de long ; « Sevens Swans » est sorti il y a seulement un an et quelques. Pourquoi as-tu tenu à sortir un nouveau disque aussi rapidement ?

Sufjan Stevens - Hé bien... je crois que j'avais beaucoup d'idées. j'ai été inspiré par tous les documents que j'ai lu à propos de l'état d'Illinois. En fait, je crois que je fonctionne par saisons. En ce moment, je traverse une période très prolifique, et j'en profite au maximum ; je me fais presque un devoir de travailler et d'enregistrer autant que possible.

Le Cargo - beaucoup de personnes ont manifestement participé à l'enregistement de l'album : les Illinoisemakers [1], un quatuor à cordes, etc. Toutes ces personnes ont participé à la composition ou tu l'as fait tout seul ?

Sufjan - J'ai passé la plupart de mon temps à écrire de mon coté. En fait, j'ai tendance à vouloir tout diriger et contrôler les orchestrations. Des musiciens sont venus jouer et je leur écrivais même les partitions. Je voulais aussi superviser l'enregistrement de la batterie, et mettre au point le son des toms avec le batteur.

Le Cargo - Apparemment, tu étais très content du son de la batterie !

Sufjan - Oui, je trouve qu'elle sonne vraiment bien ! En fait ç'a été le premier album sur lequel je ne jouais pas la batterie moi-même, c'était donc assez excitant... mais oui, j'ai passé beaucoup de temps à écrire les orchestrations.

Le Cargo - Aussi les parties de cordes ?

Sufjan - Oui, j'ai tout écrit. Pour ces parties, les sessions d'enregistrement ne duraient que deux heures. Heureusement, les musiciens qui venaient jouer étaient vraiment talentueux, ils assimilaient très rapidement mes partitions et suivaient à la lettre toutes mes indications. C'était assez facile de leur expliquer ce que je voulais vraiment.

Le Cargo - Quand j'ai écouté “Illinois” pour la première fois, j'ai pensé que l'Illinois devait être un endroit génial à habiter. L'album est très gai, extatique. Il me semble avoir lu que tu avais vécu un peu là-bas. Je me demandais si la gaîté de cet album était liée à des bons souvenirs de ton séjour en Illinois, ou si elle reflète simplement l'état dans lequel tu étais cette année, quand tu as écrit ces chansons.

Sufjan - En fait je n'ai jamais vécu là-bas ! (sourire.) Je pense que beaucoup de l'enthousiasme de la musique vient spécifiquement de mon expérience de Chicago et de ma perception extérieure de l'état lui-même. La plupart de ces chansons louent le développement de l'industrie, des personnages héroïques comme Superman ou Carl Sandburg, qui sont des icônes locales... et Chicago, une ville rayonnante et vibrante. Toutes ces choses contribuent à l'esprit de célébration de l'album.

Le Cargo - Tu dis t'être beaucoup documenté sur l'Illinois. Quand je lis la tracklist, j'ai l'impression que l'album est agencé comme un livre, très construit, avec des chapitres, des interludes, etc. J'ai aussi lu que tu avais l'intention d'écrire un roman. Où en es-tu ?

Sufjan - L'écriture est mon premier amour. C'est la raison pour laquelle je suis parti vivre à New-York, pour suivre des études de littérature. A l'époque, la musique était juste un hobby, mais elle est ensuite devenue une sorte de distraction pour exercer ma plume. Je crois que j'utilise aujourd'hui beaucoup de techniques littéraires dans l'écriture de mes chansons. J'utilise des éléments fictionnels pour créer des personnages que je combine afin de construire une intrigue structurée. Les chansons elles-mêmes sont, je pense, très descriptives, riches en informations sensorielles. Donc oui, je pense vraiment qu'“Illinois” veut d'une certaine manière sonner comme un roman. Mais l'album reste avant tout une collection de pop-songs.

Le Cargo - Il est souvent difficile de savoir si tu es en train de parler de ce que tu ressens, ou si tu es en train de raconter une histoire à la première personne. Par exemple, sur “John Wayne Gacy Jr”, tu arrives quand même à te comparer à un tueur en série. Tu n'as pas peur de te lasser de ce genre de pirouette stylistique pour les prochains albums de ton « 50 States Project » [2] ?

Sufjan - Non, pas du tout. Ca dépend comment tu vois les choses. Je ne me force pas à être pertinent ou précis à propos de la culture locale de l'état dont je parle. je pense simplement que ce projet est un excellent contexte émotionnel. Difficile de spéculer sur l'avenir, mais je peux au moins parler des deux albums que j'ai déjà fait. Le premier, “Michigan”, parlait de l'état dans lequel je suis né ; les chansons racontent des expérience personnnelles, des souvenirs. J'ai en quelque sorte idéalisé mon vécu, et c'est ça qui a constitué la matière brute de “Michigan”. Pour “Illinois”, c'est différent, car je n'ai jamais vécu là-bas. J'ai voulu... « traduire » les choses. Peut-être ai-je voulu communiquer mes expériences avec un état d'esprit particulier. Mais je pense que j'y suis parvenu. Les morceaux parlent finalement beaucoup plus de moi que de l'Illinois. J'utilise juste la géographie et l'histoire comme un contexte. Je crois même que c'est plus facile sur le plan émotionnel d'écrire des chansons sur des choses particulière de ma vie, en modifiant le ton : il y a un effet de distanciation. En fait, j'ai été beaucuoup plus objectif sur ce nouvel album, j'avais plus confiance en moi et en mes chansons. Elles prennent beaucoup de liberté avec les faits... et versent souvent dans l'imaginaire. je pense que c'est un bon exercice. Tu vois, une poignée de chansons émouvantes et personnelles, c'est le genre de choses que tout le monde peut faire. J'ai en ai fait avant, et j'aime toujours en faire d'ailleurs. Mais ce projet est un cadre de travail très construit, qui me sert de guide. Je peux expérimenter avec les structures des chansons autant que je veux.

Il y a plus de challenge ?

Sufjan - Oui, exactement ! c'est très ouvert, je ne crois pas que le concept soit restrictif.

Le Cargo - C'est la première fois que tu viens jouer en France et dans une bonne partie de l'Europe. Craignais-tu que les européens puissent passer à côté des nuances de tes textes ?

Sufjan - Oui, je pense que les gens dont l'anglais est une seconde langue perdent réellement quelque chose. C'est un peu comme dans un Woody Allen. Tu regardes le film et il y a certains éléments directs qui amusent le grand public parce que c'est de la comédie burlesque. Les gags sont soudains, explicites, directs... mais il y a un autre niveau d'humour dans ses films. Par exemple, il fait fréquemment des allusions amusantes sur New York, sa ville natale. Si tu es de ce coin, tu as une sorte de vision interne de ces blagues. Je prends un autre exemple... Woody Allen est Juif. il se moque beaucoup de certains clichés, du fait d'être Juif, etc. Donc si tu es Juif, tu ressentiras cet humour avec plus d'acuité... Il creuse plus profondément dans les sous-cultures sociales. Si tu fais partie de cette sous-culture, tu peux alors comprendre des subtilités qui peuvent échapper aux autres. Mais tu n'as pas besoin de vivre à New-York ou d'être Juif pour aimer les films de Woody Allen. Je pense que c'est vrai pour la musique et toute forme d'art se référant à un lieu précis. Pour moi, une chanson bien faite parvient naturellement à évoquer un contexte émotionnel qui aura une résonance dans l'esprit de chacun. Les détails, la géographie, les référence à des figures héroïques créent des détails intéressants, mais tout ça n'est pas vraiment nécessaire en fin de compte. Ils sont accidentels. Par exemple, mes chansons sur des personnalités célèbres s'intéressent au rôle historique que ces héros peuvent avoir dans la société actuelle : des modèles porteurs d'un message, des symboles d'espoir, etc... Je crois que les gens peuvent saisir cela, même s'ils n'ont pas les références exactes en tête.

Le Cargo - Les gens ont tendance à te considérer comme un artiste folk. Tu sais jouer de pas mal d'instruments : le banjo, la guitare, le piano, etc. Tu as fait des trucs assez expérimentaux sur “Enjoy Your Rabbit” par exemple. « Illinois »,lui, sonne à mon sens très pop. Est-ce qu'aujourd'hui, il y a d'autres styles musicaux que tu as envie d'essayer ?

Sufjan - Oui, j'aimerais bien travailler avec des instruments symphoniques... faire des arrangements de violons. J'aimerais bien faire du rock'n'roll sinon. Plusieurs de mes groupes favoris sont des des groupes de rock. J'adore Polvo, par exemple... The Ex aussi. Et Sonic Youth.

Le Cargo - Tu as écouté le dernier album, “Sonic Nurse” ?

Sufjan - Non, je ne l'ai pas écouté. J'adore surtout leurs albums des débuts, les trucs comme “Daydream Nation” ou “Sister”. En fait, je me suis arrêté à “Murray Street”.

Le Cargo - Il est un peu dans le même genre que Murray Street, en plus énergique, je trouve. Les chansons sont très mélodiques et carrément plus accessibles.

Sufjan - Ah, okay. Je suis vraiment admiratif de ces gars, ils ont duré si longtemps et ont fait tellement de choses intéressantes ! j'aimerais bien faire un album de rock exclusif. Mais je crois que je dois d'abord trouver un moyen de m'en approcher, d'adapter ma voix à une musique plus rock... il y a tellement de groupes qui font ça bien, persque trop bien, cette espèce de style écorché. Je voudrais bien faire quelque chose de très bruitiste.

Le Cargo - Bruitiste ??

Je joue beaucoup de trucs dans le genre pendant mon temps libre. Je branche ma guitare avec le son saturé à fond, et j'expérimente. Je me défoule en faisant beaucoup de bruit pendant quelques heures, tout seul en studio. Pour moi, c'est une expérience géniale de mettre de côté les mélodies, les harmonies et se focaliser uniquement sur l'énergie et l'agressivité.

Le Cargo - Ta voix est plutôt douce... tu penses que qu'elle irait bien à un son plus noisy ?

Oui je sais, je crois que je vais devoir changer la manière dont je chante. Ou bien fumer des tonnes de cigarettes et commencer à boire du whisky au petit-déjeuner... (rires.)

Le Cargo - Bonne idée. Sinon, savais-tu qu'il y a une version drum'n'bass de ton album “Illinoise” qui circule actuellement sur Internet ?

Ah bon ?? Non, je ne savais pas ! Ca sonne comment ?

Le Cargo - En fait ça sonne assez kitsch... Apparemment, c'est un DJ new-yorkais qui a fait ça, il a pris une douzaine de morceaux de l'album et les as remixés. il a appelé ça “Illin-noise” !

Sufjan - Non, c'est pas vrai, tu plaisantes, là ! (il se marre.) Tu connais l'adresse de son site ?

Le Cargo - Non, je ne rigole pas, j'ai oublié l'adresse du site [3] mais je suis sûr que tu peux trouver ça facilement avec Google.

Sufjan - Génial, je vais chercher ça.

Le Cargo - J'ai appris hier qu'un de tes amis d'Asthmatic Kitty, John Ringhofer, est sur le point de sortir sous le nom de son groupe Half-Handed Cloud un EP, “What's The Remedy ?”, auquel tu as participé. Il s'git de chansons que vous avez écrit ensemble il y a deux ou trois ans, d'après le site du label. Sais-tu pourquoi il a attendu tant de temps avant de le sortir ?

En fait, il avait d'autres albums sur le feu qu'il voulait sortir avant. A l'origine, c'était supposé être un split-EP, avec des morceaux qu'il avait écrit et d'autres que j'étais censé apporter. Après avoir achevé l'enregistrement de ses chansons, j'ai trouvé que ça tenait la route comme ça.

Tu as donc juste joué sur ses chansons, mais pas composé.

Oui. J'ai fait des overdubs, et joué de divers instruments. Au début, on s'était dit que chacun composerait cinq chansons que l'autre arrangerait ensuite à sa convenance. C'est très intéressant : John va généralement te proposer un morceau d'une minute de long, compact, et très pop. Il fait dans l'économie. Mes chansons, elles, tendent à être beaucoup plus longues, comme mes albums. Les siens excèdent rarement les 30 minutes... J'adore travailler avec lui parce qu'on s'apporte beaucoup mutuellement. Il joue du trombone dans mon groupe aussi, tu le verras ce soir si tu viens au concert.

Le Cargo - J'y serai. A propos de la durée de tes chansons... il y a un certain nombre d'interludes courts sur “Illinois”, tout de même. Justement, je voulais t'en parler : plusieurs d'entre eux sonnent comme des improvisations. C'est quelque chose que tu aimes faire ?

Sufjan - c'est vrai, il y a de brefs moments qui ont l'air d'être totalement improvisés. A plusieurs moments, tu peux entendre le batteur jouer des parties assez libres. Mais dans l'ensemble, c'était très contrôlé. Par contre, j'aime bien abandonner cette rigidité, être plus spontané et improviser de temps en temps pendant mes concerts. Tu verras, il y a des moments pendant lesquels on fait d'ailleurs un peu n'importe quoi...

Le Cargo - J'ai une dernière question. Désolé, elle est un peu nulle. Tu aimes bien The Cure ?

Sufjan - Oh oui, j'adore The Cure !

Le Cargo - Je suppose que tu vois où je veux en venir. Il y a un très court moment du titre “Come On ! Feel The Illinoise !” qui me fait penser à “Close To Me”. C'est un hommage ?

Sufjan - Oui, c'était intentionnel. Au départ ça ne sonnait pas comme The Cure de manière aussi évidente. C'est au bout de quelques temps que j'ai été frappé par la ressemblance ; j'ai alors décidé de l'accentuer, de la rendre plus explicite.

Le Cargo - Merci beaucoup et bon courage pour ta tournée en Europe !

[1] les musiciens qui accompagnent Sufjan Stevens en tournée, et fervants supporters de l'Illinois.

[2] Projet visant à écrire un album par Etat des US, entamé par Michigan

Voir la discographie partielle de Sufjan Stevens. pour plus de détails.

[3] Pouf, pouf, la voilà

Sufjan Stevens

yves — 2005-11-22T22:00:00Z

Lien vers la discographie partielle de Sufjan Stevens

Lien vers l'interview du 26/10/2005

17h30. Le concert ne commence que 3 heures plus tard, mais déjà, une masse de fans s'amoncelle sur le quai du canal Saint-Martin qui fait face au Point Ephémère. La salle affiche complet depuis plusieurs semaines, et pour cause, il s'agit du tout premier passage de Sufjan Stevens en France. Impatience, fébrilité même, de la part du public français curieux de savoir comment vont sonner sur scène les morceaux super-produits du monumental “Illinois”.

La première partie est assurée par plusieurs membres des Illinoisemakers, le groupe qui accompagne Sufjan Stevens en tournée. D'ailleurs, C'est lui-même qui vient présenter le groupe au public, avec les manières cérémonieuses et fanfaronnes d'un M. Loyal de cirque et cet humour pince-sans-rire que l'on retrouve sur les titres exubérants de ses disques (“Sufjan Stevens Presents : Come On ! Feel The Illinoise !”). La chanteuse-guitariste de My Brightest Diamond commence le set seule à la guitare avec une reprise de Nina Simone, légèrement titubante mais souriant jusqu'aux oreilles. Son jeu approximatif et rêche est contrebalancé par un joli brin de voix et une sacrée présence, drôle (surtout lorsqu'elle chante en français des paroles complètement absurdes) et sans artifice. A partir du troisième morceau, les autre membres du groupe viennent lui prêter main-forte et apportent une assise à ce côté légèrement brouillon. Sufjan lui aussi vient, pour le geste, jouer des percus sur le dernier morceau. Voilà un groupe à retenir.

Poésie en pompoms et jogging

C'est au début de la seconde partie, celle que le public attend, que tout bascule. Les 7 musiciens (re)viennent vêtus de joggings oranges, de t-shirts ornés d'un I tonitruant et de bracelets de sport jaunes (détail qui tue). Ca y est, on nage en plein délire, Sufjan a rameuté sa team et ses pom-poms girls pour défendre les couleurs de l'Illinois, singeant l'Amérique dans ce qu'elle a de plus beauf, mais aussi de plus attachant. Le groupe entonne l'hymne des 50 Etats. Le public suit immédiatement, très réceptif (tout le monde connaît visiblement les chansons par cœur). Sufjan déroule son univers de fête foraine à coups d'intermèdes chorégraphiés délirants, d'anecdotes explicatives sur certaines chansons cryptiques, et de goodies en tout genres (fanions, drapeaux, et même un Superman gonflable que l'on est pas près d'oublier). Le son est excellent, à la hauteur des compositions majestueuses dont on s'est abreuvé sur les albums. La voix de Sufjan, bien que soutenue par sa guitariste, apparaît fragile (quelques décrochages dans les aigus), mais n'empêche pas la magie d'opérer, de son timbre clair et délicat.

I ! L ! L ! I ! N ! O ! I ! S !

Tout au long du set, le calme du songwriter, très concentré sur l'interprétation de ses morceaux, contraste curieusement avec l'exubérance affichée de la plupart de ses musiciens. « Prenez des individus normaux, donnez-leur un costume, et ils commenceront à faire n'importe-quoi », dira t-il, amusé par la candeur de sa jolie guitariste, sortant ses pompoms à tout bout de chant. “John Wayne Gacy Jr” est un des rares moments pendant lequels le groupe devient sérieux, sans doute par respect pour la gravité du sujet (le portrait d'un tueur en série ayant fait de nombreuses victimes en Illinois). Avant de se lancer dans une version épique de “Seven Swans”, prenante mais un peu longue, qui sera le titre « aventureux » du concert. Malgré la chaleur étouffante de la salle, Le public exulte. Le groupe reviendra pour un unique rappel, “Chicago”. Un show étrange, magnifique et marquant.

Setlist

50 States
The Tallest Man, The Broadest Shoulders
Peoria
They Are Night Zombies !
Jacksonville
The Predatory Wasp Of The Palisades Is Out To Get Us !
Decatur
Casimir Pulaski Day
John Wayne Gacy Jr.
A Good Man Is Hard To Find
Seven Swans
The Man Of Metropolis Steals Our Hearts
Chicago

Photos de Charly Meignan, merci à lui ! D'autres photos du concert sur son site.

Sufjan Stevens

yves — 2005-11-22T22:00:00Z

> accédez ici à la présentation du dossier

Lien vers l'interview avec Sufjan Stevens

Lien vers le compte rendu du concert du 26/10/2005 au Point Ephémère

Lien vers la chronique de Sevens Swans

D'après la biographie de son site, Sufjan Stevens a été trouvé à Detroit dans une caisse emballé dans du cellophane le 1er juillet 1975. Son prénom serait une référence à Abu Sufjan Muhammad, un guerrier Arménien légendaire qui tua 10000 dragons pour délivrer sa bien-aimée. Hum.

à naissance romanesque, destin héroïque. Si les armes du jeune américain préfèrent la rondeur au tranchant, sa renommée n'a cessé de grandir dans son pays s'adoption. En 2000 est sorti son premier album solo, “A Sun Came”, qui porte en lui les prémisses d'un talent de composition alors en pleine expansion. “Enjoy your rabbit” (2001) dessine un crochet vers des sonorités plus expérimentales, à bases de samples et de sons électroniques. En compagnie de la Danielson Family, il composera trois ans plus tard le superbe Seven Swans, placé sous le signe de la spiritualité et du recueillement. Lire la chronique.

Le “50 States Project”

En 2003, Sufjan Stevens décide de se lancer dans un projet démesuré : enregistrer un disque pour chacun des 50 Etats d'Amérique. Avant lui, Brian Wilson s'était imposé le même genre de cadre formel pour son album mythique SMiLE (une traversée des Etats-Unis à vélo avec des textes de Van Dyke Parks). « Ce projet est un excellent contexte émotionnel », explique t-il dans une interview avec le Cargo. « C'est un cadre de travail très construit, qui me sert de guide. Je peux expérimenter avec les structures des chansons autant que je veux. Je ne pense pas que le cadre soit restrictif. » A l'heure où j'écris ces lignes, Sufjan a déjà traversé deux Etats du Nord-Ouest, le Michigan et l'Illinois. Rétrospective.

“Greetings From Michigan, The Great Lake State” (2003)

Un disque intimiste et délicat, qui pose les fondements du son de l'artiste. Sufjan parle de sa région natale : de l'extérieur, un état du nord froid, en prise à des problèmes de dépeuplement et de chômage ; sous la plume de l'auteur, un paysage plein de charme, avec ses zones d'ombre et de lumière.

S'improvisant reporter, il dresse une carte de son périple à l'aide d'instantanés aux dimensions variables :
panoramiques, pour capturer la richesse de la faune et la flore Michiganaise (une vraie ménagerie),
grand angle pour l'analyse de problèmes de société : le chômage à Flint, la solitude des personnes âgées, le délabrement urbain de Detroit.
des petites focales, plus adaptées au récit de drames familiaux (la mort de parents et de conjoints).

Souvent, ces clichés sont dépeints à l'aide de portraits de personnages imaginaires, dont Sufjan raconte l'histoire à la première personne, avec ambition (étant donnés la variété et le nombre de sujets abordés), mais aussi humilité. Car son talent majeur réside certainement dans sa capacité à éprouver de la sympathie pour la douleur d'autrui. Le disque parle également beaucoup de spiritualité, Sufjan s'interroge sur sa foi de chrétien dans des incantations à Dieu (“Vito's Ordination”, « Oh God, Where Are You Now »).

Sur cet album, Sufjan cumule les casquettes : auteur, compositeur, arrangeur, interprète. Quelques musiciens viennent apporter une petite contribution mais il enregistre lui-même presque tous les instruments : plus de vingts énumérés dans les crédits !

NOTE : l'édition vinyle de Michigan contient 6 morceaux additionnels non présents sur la version CD.

“Come On ! Feel The Illinoise !” (2005)

La consécration. On reconnaît immédiatement une continuité avec “Michigan”, dans la charte visuelle adoptée - pochette de disque peinturlurée façon carte postale, tracklisting tonitruant et bardé de titres aussi délirants que longs - et sonore, les chansons reposant sur le trio habituel banjo-guitare-piano. Cependant, un cap est franchi. Le cadre formel (l'histoire locale de l'Illinois, ses figures héroïques, sa géographie) n'est qu'un prétexte pour exprimer ses sentiments de manière distanciée (“John Wayne Gacy Jr”). Le génie est là, indiscutablement : l'érudition rencontre la poésie.

Sur cet album, de nombreux musiciens viennent prêter main-forte à Sufjan, qui se concentre alors sur la composition et la chant, ce qui ne l'empêche pas de continuer à jouer les hommes-orchestre. Les structures des morceaux deviennent très denses et complexes (le titre éponyme) et un choeur, The Illinoisemaker Choir, vient donner la réplique à sa voix claire ; les cuivres, toujours présents, sont cette fois accompagnés d'un quatuor à cordes. Alors que “Michigan” était empreint d'une sorte de mélancolie, de nostalgie, “Illinois” exhale le bonheur sous toutes ses formes. Le résultat est époustouflant : dans cette explosion de sentiments, de l'introspection à l'exaltation, Sufjan Stevens parvient à un degré de finesse incomparable dans son écriture, qui sonne presque comme un aboutissement. Un chef d'oeuvre.

Anecdote : le Superman figurant sur la pochette originelle du disque a dû être supprimé, suite à des menaces de poursuites de la part de DC Comics pour violation de droits d'image. Les aficionados pourront cependant trouver le collector en vente sur Internet...

“The God Love Bird”

Sujet : « la découverte d'une espèce de piverts portée disparue dans l'Arkansas ». Top vous avez trois-quarts d'heure. Réactif, Sufjan enregistre en quelques semaines ce titre de commande pour une radio américaine, peu de temps après la sortie de l'album “Illinois”.

Mp3 à télécharger ici.

Un album entier sur l'Arkansas n'est pas prévu pour tout de suite ; Sufjan se serait paraît-il lancé dans l'Oregon, Etat de la Côte Ouest. « Les plus majestueux paysages des Etats-Unis », confie t-il au Guardian, « Rocailleux et sablonneux, très agressifs mais aussi très sereins. l'Oregon, c'est la Grande Frontière, celle que tout un peuple a traversée pour s'installer et conquérir un pays. » Le monsieur aurait également commencé à se documenter sur le New Jersey et Rhodes Island... On attend tout cela de pied ferme.

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Ladytron

yves — 2005-11-07T00:50:00Z

Au fond, posons-nous la question. Qu'est-ce que la crédibilité artistique ? Une forme de pérennité ? La capacité à se renouveler, quitte à larguer en cours de route des paquets de fans sédentaires ? Ou bien, de manière plus cynique, parvenir à être suffisamment consensuel pour s'attirer les louanges d'une majeure partie de la presse ? Un peu de tout ça sans aucun doute.

Toutes ces questions métaphysiques devaient certainement être le cadet des soucis de Ladytron quand le groupe s'est formé en 1998 à Liverpool. Ou plus exactement dans un train Bulgare (ça fait tout de suite plus branché dans une bio), lorsque les DJs Daniel Hunt et Reuben Wu rencontrent leurs muses androïdes, Helen Marnie et Mira Aroyo. Les deux compères, plutôt malins, mettent alors au point une sorte de combo electroclash à succès, version « mode » et édulcorée de la régression Punk, puisant dans un imaginaire rétrofuturiste. La musique est minimaliste, sèche comme un coup de trique, le visuel, très « cyber 80's », ringard juste ce qu'il faut pour lancer une mode : à coups de beats étriqués et de synthés balai-dans-le-cul, Ladytron se taille un joli succès avec leur premier album 604. La déroute survient sur le second, celui qui n'aurait evidemment jamais dû voir le jour ; Ladytron n'aurait pas dû prétendre à être autre chose que ce qu'elle était, une petite distraction à consommation rapide pour bobos décadents. Car si fortement ancrée dans une époque, la musique se ringardise, irrémédiablement datée. Avec le recul, on se dit que les deux DJs auraient certainement gagné à se reconvertir en producteurs de tubes à combustion rapide. Mais non, la sorte de canular semi-avoué qu'était le projet Ladytron a finalement raison de leurs prétentions.

Fin ? Pas vraiment. 3 ans passent, juste ce qu'il faut pour se faire oublier et remonter sur le ring avec l'envie d'en découdre. On craint alors la resuçée merdique, soubresaut malvenu d'un âge d'or poussiéreux vers lequel on s'autorise en cachette quelques réminiscences coupables. Mais... quel plaisir rare et vivace de s'apercevoir que ce retour, dont on n'attendait strictement rien, s'avère parfaitement génial.

Dans Ladytron, il y a Lady.

Jusqu'ici, les performances de Helen Marnie et Mira Aroyo se voulaient asexuées, artificielles, glaciales. Il aura fallu attendre ce nouvel album Witching Hour pour que fleurisse avec grâce la féminité des deux chanteuses : premièrement, en contemplant la pochette, d'un goût classieux, et deuxièmement, en écoutant leurs voix de velours, sorte de réponse croisée à un Broadcast tourné aujourd'hui vers un minimalisme noisy. Les vocalises des demoiselles ont gagné du corps et de la rondeur (White Light Generation, All The Way), se drapent d'une sensualité troublante (Soft Power) à des kilomètres de la raideur plastique sculptée par leurs deux Pygmalions.

Course-poursuite en Light-cycle.

Le son a lui aussi muté, pris du volume. Les organes bio de Ladytron, étouffés, atrophiés par l'absence d'activité se délient, brisent leur corset rigide de circuits électroniques : moment de grâce pendant lequel la Machine se découvre une âme. “High Rise” plonge le Ladytron d'antan, statique, dans un abîme vertigineux ; sur ce contre-la-montre, la guitare et la batterie se tirent la bourre en moto-lumière. Tout aussi supersonique, “Sugar” s'oriente vers un rock nerveux et brutal, compensé par des morceaux d'une souplesse de félin (“Last One Standing”, “All The Way”). Outre le retournage de veste réussi, c'est la constance, l'équilibre artistique de Witching Hour qui impressionne. Tous les morceaux se fendent d'une espèce d'aura lumineuse et glacée, froide mais définitivement plus humaine. Cet album, lui, n'aurait pas volé de s'appeller Light & Magic, car c'est exactement ce qu'il est : irradiant une lumière boréale, et d'un charme surnaturel.

Plus besoin de se cacher pour grignoter, la mine coupable, ce Witching Hour, comme on aura pu le faire sur les roboteries sucrées auquel le groupe nous a habitués. Ladytron a renoncé à la pose, et sa spontanéité a toute les allures du talent. A consommer sans modération.