Le Cargo !

Ne coupez pas

Nikola Kesic — 2019-05-05T13:29:02Z

Ovni improbable et inattendu, Ne Coupez Pas ! (plus connu sous le titre international One Cut of the Dead) a tout du miracle, tellement son parcours force le respect et l'admiration. Ce film au budget minuscule de 25000 Euros et tourné en 8 jours (…), sort tout d'abord dans deux salles au Japon, avant de remporter, grâce à un bouche à oreille épidémique, un succès explosif (15 millions de dollars au Japon seulement). Après plusieurs festivals à travers le monde où le film enflamme les spectateurs et les critiques, le film débarque en France. Et après visionnage de la chose, on comprend pourquoi le film emporte une adhésion aussi générale.

Le métrage commence en un plan-séquence qui se situe pendant le tournage d'un film de zombies à petit budget. On suit sans interruption, pendant une grosse demi-heure, l'équipe être véritablement attaquée par des zombies. Le ton et l'ambiance, volontairement comiques, font écho aux débordements gores et aux folies visuelles de Brain Dead de Peter Jackson, pour ne citer que cette référence. Mais avec une ambiance beaucoup plus Z et avec des errances de jeu qui nous font penser que, même si c'est sans cynisme aucun, on est juste face une grosse blague visuelle à petit budget. Là où le film commence comme un exercice de style (le plan-séquence) parodiant un cinéma bis usé jusqu'à la corde (le film de zombies), de surcroit sur un mode démonstratif ancré dans le genre ces dernières années (le found footage), on pense avoir cerné le propos et on accepte le délire sans se poser de questions. Jusqu'à la « fin » du film qui arrive au bout de 37mn donc, générique faisant foi. Et pourtant ,contre toute attente, le film continue. Ou plutôt, le vrai film commence, en explosant des barrières et des repères que l'on n'avait pas vu arriver.

Ce qu'il va se passer par la suite est une telle surprise et transpire un tel amour du cinéma, que la mise en place du cœur de l'histoire va vous retourner les sens et balayer ce que vous aviez cru voir ou comprendre. Le seul exemple de manipulation similaire qui me vient à l'esprit, c'est Retour vers le Futur 2. Ici aussi il y aura un jeu sur le point de vue qui vous fait remettre en perspective ce que vous avez vu précédemment. A la différence que cela se joue sur un niveau supplémentaire. Là où le film de Zemeckis faisait se croiser les mêmes protagonistes en jouant sur le paradoxe temporel, ici on vient briser le mur de la fiction par l'angle de la narration. C'est une expérience assez étrange car le procédé bouleverse votre perception et modifie la dimension de l'œuvre, qui prend pour le coup une autre tournure. Les personnages deviennent réels (alors qu'ils sont pourtant dans la même œuvre fictive) et l'histoire nous embarque dans une bataille complètement folle sur le thème de la création en général et sur la réalisation en particulier.

Jouissif dans son approche ludique mais sans une once de futilité, le film s'avère être au final une magnifique lettre d'amour au cinéma, écrite avec folie et énergie certes, mais surtout avec une maîtrise du propos et des moyens mis en place tels, qu'on en ressort ébahi et le sourire aux lèvres. Les dernières secondes arrivent même à nous émouvoir tellement l'apothéose formelle de cette œuvre méta en diable est conclue de manière touchante et maline. Et je ne parle même pas du générique de fin en forme de making off qui rajoute une strate de réalité/dimension au tout. Film dans le film dans le film. Une claque.

Cobra Kai

Nikola Kesic — 2019-05-03T15:42:58Z

« -La défaite n'existe pas dans ce dojo, n'est-ce pas ? -Non, Sensei ! » John Kreese/Karate Kid, 1984

La première saison de Cobra Kai, au miraculeux succès critique et public, plaçait d'emblée la barre très haut en termes d'attentes et d'exigences pour la suite. Le trio de scénaristes/producteurs allait-il réitérer l'exploit et parvenir à maintenir la qualité du show et continuer sur cette voie ? Dans l'ensemble, oui.

Pour ce qui est de l'histoire, le fond est là et embraye intelligemment sur les acquis. Deux difficultés s'érigent en challenge pour les deux Senseis désormais : Pour Johnny Lawrence, c'est de ne pas basculer dans les vieux travers qui définissaient le Cobra Kai, et de s'en tenir à des valeurs récentes pour lui et qu'il voudrait représentatives de sa nouvelle façon de voir les choses. Modifier les bases de son karaté afin de le rendre plus honorable. Pour Daniel Larusso, c'est d'arriver à transmettre les leçons qu'il a apprises avec Maître Miyagi, tout en les renouvelant afin de s'affranchir partiellement du lourd héritage que cela représente pour lui. Comme lui conseille sa femme dans le deuxième épisode : « Tu n'as pas besoin d'être M. Miyagi. Sois juste M. Larusso ». Ils vivent donc désormais tous deux avec un poids personnel sur les épaules : être à la hauteur des valeurs qu'ils veulent dispenser. Mais comme tous deux voient leur école comme une solution à ce qu'ils considèrent être une agression venant du dojo adverse, née d'une animosité alimentée par des souvenirs de jeunesse qui les a marqués au fer rouge, ce sera difficile pour eux de prendre du recul et de faire abstraction d'une rancœur aussi vieille que tenace.

Cet équilibre précaire entre les deux écoles sera d'ailleurs sérieusement menacé par un vieil ennemi dont l'arrivée à la toute fin de la saison 1 laissait présager le pire. Tel le serpent emblématique du Cobra Kai, la présence du vieux sensei John Kreese déstabilise sournoisement les velléités de rédemption de Lawrence. Un fantôme du passé, reflet de ce que Johnny ne veut plus être désormais mais à qui il doit ironiquement sa gloire d'antan. Ses actions au cours de la saison sont assez bien amenées pour qu'on se méfie de lui de manière instinctive, bien qu'en ayant par moment de la pitié, voire de l'empathie, pour l'être abîmé et vieillissant qu'il semble être devenu. Le traitement du personnage, sans le rendre forcément sympathique, lui confère une fragilité et une patine plus humaine que dans la trilogie ciné. La vérité sur son passé notamment, permet de craqueler l'aspect monolithique et sans nuances du personnage. Cependant, son influence néfaste continuera à transformer le personnage instable de Hawk, dont la mutation agressive atteindra son apogée lors du dixième épisode.

L'autre bonne idée de cette saison est d'avoir centré l'intrigue pendant les vacances d'été suivant le tournoi (à l'image du deuxième film d'ailleurs) et de ne pas avoir fait un calque des enjeux précédents. Pas de tournoi ici mais plutôt une volonté de renforcer la mise en place des personnages pour les laisser vivre leur évolution récente et les faire s'épanouir. Les histoires dans chaque camp vont se développer en reflet ici aussi : deux senseis en prise avec la difficulté d'enseigner, deux nouvelles histoires d'amour, deux personnages comiques décalés. Comme si, encore une fois, on avait droit à deux facettes d'une même histoire.

Et surtout, l'évolution de Johnny, son constat d'échec en tant que père et son impossibilité à réparer sa relation avec son fils qui a basculé du côté Miyagi-Do dojo, continue à être la grande réussite de la série. Le personnage essaye toujours de se racheter une conduite malgré des mauvaises racines assez tenaces, notamment en s'occupant de Miguel qui est plus un fils de substitution qu'un élève et qu'il essaye d'éloigner des anciens préceptes belliqueux du Cobra Kai. Par conséquent, sa manière de s'ouvrir à Miguel et l'importance qu'il donne à placer les bons curseurs d'enseignement le rendent très attachant.

Cependant, à l'image des deux héros qui se cherchent, la série joue parfois dangereusement avec la forme pour se renouveler. Elle se cherche au risque de basculer dans la facilité. Trouver autre chose que lustrer/frotter, chercher le gimmick à tout prix et il n'y a qu'un pas pour basculer dans la caricature. Les « trucs » d'entraînements sont un peu plus grossiers et demandent une suspension d'incrédulité et une bienveillance bien plus grandes que dans la saison passée. Le 7e épisode est ainsi le plus maladroit de la saison en cours, les entraînements respectifs des deux écoles frisent le ridicule (une variation du jeu du drapeau en forêt pour le Cobra Kai et un entrainement en chambre froide pour le Miyagi-Do). La démonstration fonctionne mal visuellement car peu crédible et trop facile. C'est d'autant plus dommage que le ton adulte et grave de l'épisode précédant proposait une parenthèse assez émouvante, on y voyait Johnny retrouver les anciens membres de son gang et partir dans une virée à moto profondément nostalgique. Un constat touchant sur un passé révolu et sur la fragilité de la condition humaine.

Mais ces quelques maladresses ne nuisent pas trop au show tellement il est, encore une fois,respectueux de son héritage. Cette saison (bien plus que la précédente) est blindée de références plus ou moins évidentes aux films précédents. Que ce soit la musique, les situations, les références visuelles ou certaines lignes de dialogues, les easter eggs – ou références cachées en français – sont imbriqués dans la structure narrative de manière tellement évidente qu'ils participent à l'ADN de la série. A la fois un cadeau aux fans hardcore mais aussi une manière d'ancrer cette histoire dans une boucle qui semble se répéter comme une malédiction.

Si la première saison a obtenu son 1er Dan haut la main et avec les honneurs, le 2ème Dan ici est validé avec quelques approximations. Mais ce que la saison a un peu perdu en fluidité et en homogénéité, elle l'a gagné en dureté. Les confrontations s'enchainant et montant en intensité créent une tension qui ne demande qu'à exploser. Entre les élèves comme entre les deux rivaux principaux. La mèche sera allumée lors d'un final explosif à la conclusion tristement dramatique. Ironiquement, même les bonnes décisions peuvent provoquer les pires dénouements. C'est en cela que la série continue à surprendre, de manière moins éclatante car parsemée de moments virant un peu plus vers le teen soap opéra, mais préservant un univers et une galerie de personnages qui se construisent entre équilibre et chaos.

Cobra Kai

Nikola Kesic — 2018-05-07T18:22:22Z

La réussite de la série Cobra Kai, une suite de la trilogie ciné Karaté Kid, tient du miracle. Le projet casse-gueule au possible, visant à faire revenir les deux antagonistes principaux du film originel (c'est a dire 34 ans plus tard) avait peu de chance de faire mouche, voire faisait mal au cœur sur le papier tant la légitimité d'un tel come-back semblait hors propos. Car il ne suffit pas de reprendre les mêmes acteurs et les remettre sur le devant de la scène, pour donner une crédibilité à l'ensemble. Surtout en les faisant revenir timidement par la petite lucarne, encore plus petite que par la télé puisque via le streaming payant de YouTube : YouTube Red. Mais ces craintes et ces a priori sont balayés dès le premier épisode. Et laissent progressivement la place à une jubilation inespérée qui dépasse les plus grandes attentes.

La réussite et l'initiative de ce projet revient en grande partie au trio de scénaristes, et amis d'enfance, fans de la première heure venus pitcher avec un enthousiasme sans faille l'idée de ce potentiel retour à l'acteur principal Ralph Macchio. Mais non contents de le faire revenir, ils décident surtout contre toute attente de proposer le rôle principal à son adversaire de l'époque, William Zabka alias Johnny Lawrence. Le titre de la série prend du coup tout son sens, évitant la facilité et prenant le parti de l'opportunité plutôt que de l'opportunisme.

Et c'est là que toute l'intelligence du projet repose. Ne pas seulement repartir sur un revival ancré dans ces années 80 tellement tendance ces temps-ci (cf le succès de Stranger Things) mais proposer une nouvelle histoire reposant sur ce moment charnière de la vie de ces deux gamins devenus adultes et parents, faisant face aux démons du passé. Des adultes avec la vulnérabilité qui leur est propre, loin des archétypes attendus, avec un parcours dans la vie qui leur a fait perdre l'innocence de l'adolescence. Johnny marqué par les événements qu'il a vécu apparaît incroyablement humain. Brisé, abattu, cynique, roulant sa bosse de loser en ruminant éternellement sa gloire perdue, il efface d'emblée cette image de bad guy qui le caractérisait. A l'opposé, Daniel à qui tout a réussi depuis ces fameuses aventures de l'été 1984, est devenu un parent, homme d'affaires pépère, balayant cette image de héros du passé. Chacun d'eux est une facette de la même pièce, plus vraiment le ying ou le yang de l'autre, plutôt un reflet avec un léger décalage dû à un parcours différent.

Et quand le destin les fait à nouveau se rencontrer, chacun voyant l'autre à travers le prisme du passé, on aura du mal à prendre parti car tous deux ont leur propre point de vue avec sa légitimité et donc ses conclusions.

Les dix épisodes de cette saison vont donc réussir à nous faire vivre cette confrontation inévitable mais avec une subtilité qu'on n'attendait pas, en usant d'idées narratives subtiles. Des extraits du film servent de flashback, les gimmicks/références sont des clins d'œil savamment distillés mais jamais des appels lourdingues du pied. Plusieurs scènes font directement écho au premier film mais jamais de façon racoleuse ni complètement ou seulement avec nostalgie mais plutôt comme un témoignage de l'héritage de ce film entré dans la pop culture et usant de ces références pour ancrer sa mythologie.

Même les absents ont leur rôle. Miyagi joué par Pat Morita, depuis décédé, apparaît lors des flashbacks et nous rappelle l'importance qu'il a eu et a encore pour Daniel San. La scène au cimetière, tout en recueillement et en dignité, est un moment d'émotion d'une justesse évidente. Quant aux intrigues annexes, elles ne le sont finalement pas, du fait qu'elles s'entrecroisent et alimentent l'intrigue principale. Les histoires développées vont sonner comme une réincarnation du passé, une impression d'éternel recommencement, quelque part entre l'héritage et la malédiction. L'autre thème abordé, qui domine et qui amorce les actes et les décisions, est celui de la figure paternelle, absente ou de substitution. Elle a forgé différemment nos anciens héros par le passé et influencera logiquement le destin des nouveaux.

La narration va aussi jouer en filigrane sur des thèmes universels : l'histoire d'amour contrariée façon Roméo et Juliette, l'enseignement maître/élève faisant à la fois référence au premier film mais aussi à la relation Yoda/Luke Skywalker pour le côté spirituel et dépassement de soi. Un autre thème traité propre à Star Wars (mais étant déjà l'axe principal de Karaté Kid 3) est celui de l'équilibre précaire, et la possibilité de passer du côté obscur. Une menace qui grandit en cours de saison, pas seulement pour l'élève mais aussi pour le maître : le danger de laisser la colère motiver et justifier ses actes.

Tout cela pour finir en beauté lors du fameux tournoi, où l'on attend tout en le craignant, le Happy end facile et convenu, ce qui ne sera pas le cas grâce à la tournure finale intelligemment orchestrée, fidèle à tout ce qui a fait la réussite de cette mini série, tirant toujours vers le haut en évitant quasiment tous les pièges d'un récit qui aurait pu n'être que manichéen et se révèle finalement bien plus ramifié et nuancé que prévu, ainsi que profondément humain.

Et finalement, là où ce retour inattendu aurait pu n'être qu'un éphémère one shot vintage, sacrifié sur l'autel de la liste des interminables reboots dont Hollywood nous inonde depuis quelques années, au cinéma comme à la télé, on a finalement droit à une proposition respectueuse de son matériau d'origine, ouverte aux fans comme aux non initiés et conçue intelligemment malgré (où peut-être grâce à) un format qui semblait trop étriqué. C'est pourtant cette formule qui a permis de traiter ce come-back de la meilleure façon, posant les jalons d'un univers bien plus vaste et riche que prévu, laissant présager une inévitable deuxième saison qui devrait encore monter en puissance, si elle est abordée avec cette même logique de création.

Si vous avez fini la saison 1, nous vous proposons aussi la chronique de la saison 2 de Cobra Kai ici-même : https://www.lecargo.org/spip/cobra-...

The Fits

Nikola Kesic — 2016-11-11T15:01:17Z

Auréolé en 2016 du prix de la critique au Festival du Cinéma Américain de Deauville et après avoir fait parler de lui au Festival de Venise et SunDance, The Fits est le premier film de la réalisatrice Anna Rose Holmer, inconnue du grand public mais ayant à son actif la production de documentaires tel que Ballet 422 (sur la prestigieuse compagnie New York City Ballet). Le film, ayant de nouveau pour thème la danse mais traité sous forme de fiction cette fois, avait tout de la petite pépite.

L'histoire tient en quelques lignes : Toni une jeune fille de 11 ans, rejoint un groupe de danse. Alors qu'elle essaye de s'intégrer artistiquement et socialement, une épidémie semble se propager et toucher chaque danseuse, les faisant avoir des crises d'origine inconnue. Et… voilà.

Voilà car à part cette intrigue qui étirera l'histoire jusqu'à sa conclusion, il ne faudra pas aller chercher grand-chose. Juste accepter. Accepter de suivre la jeune actrice principale (qui s'en sort plutôt bien vu le rôle qui lui est attribué) qui va frayer cette troupe de jeunes danseuses, déambuler comme poussée par la caméra (qui ne la lache pas et utilise seulement le point de vue de la fille). Accepter des situations minimalistes juste ponctuées par cette mystérieuse épidémie qui n'a de sens et de but que celui voulu par la réalisatrice. Et sans vouloir révéler le mystère entourant ces incidents, on pourra juste dire que leur légitimité scénaristique découle plus d'une vision artistique propre à la réalisatrice (lui attribuant un sens qui tient de l'expression corporelle) que d'une logique véritablement cinématographique.

Ce qui élagué aurait pu donner un court-métrage intéressant, nous donne finalement un film qui synthétise les plus gros défauts du cinéma indépendant américain. 1h12mn de film interminables, où les dialogues sont rares car l'image est censée parler d'elle-même, où l'élément étrange qui perturbe et alimente le récit est en fait une métaphore qu'on doit accepter comme telle. Une œuvre qui se la raconte mais ne raconte pas grand chose, de longs plans sur des personnages n'ayant rien à dire ni à faire véritablement, ponctués d'une musique jazzy horripilante servant à cautionner et générer l'identité arty de l'œuvre. Quand on se permet une telle licence poétique et artistique, il faudrait avoir un sacré talent pour ne pas accoucher fatalement d'un film d'une vacuité aussi plombante.

Creed

Nikola Kesic — 2016-01-04T18:49:14Z

S'il est bien une création emblématique d'une certaine Hollywood maintenant disparue, c'est bien celle accouchée par Stallone dans les années 70. A savoir Rocky Balboa, l'alter ego cinématographique de la star du cinéma d'action des années 80. Un personnage que l'on a pu voir revenir plus ou moins régulièrement au cours de cinq décennies maintenant. Aucun acteur ne peut se targuer d'avoir pu personnifier si fortement un héros tel que celui-ci, au point de l'avoir fait vivre aussi longtemps que ça. Et même s'il a pu marquer le cinéma d'action avec d'autres figures héroïques telles que Rambo par exemple, aucune ne peut arriver à la cheville de cette représentation du rêve Américain. D'abord parce que c'était sa création. Et parce qu'en créant ce personnage, il s'est créé lui-même en temps qu'homme et artiste.

Le parcours de Rocky, c'est le parcours de Stallone. Ce n'est même pas une métaphore, c'est un fait. Parti de rien, arrivé au sommet par la seule force de sa volonté, déchu par excès de vanité, puis régulièrement de retour non pour la gloire mais par amour du combat. Afin de rester debout, continuer à avancer en dépit de la douleur causée par la perte de ses proches, en dépit de l'âge et du temps qui passe. Parce que dans la vie on passe par la volonté, par la fierté, et on se doit de finir par la sagesse. Du moins c'est comme ça que l'on peut s'accomplir et se réconcilier avec ses erreurs et ses blessures.

La dernière aventure cinématographique de l'étalon Italien (Rocky Balboa - 2006), résonnait comme l'aboutissement de ce combat mené contre la vie. Rocky y apparaissait résigné à une vie de gloire déchue, presque seul. Mais avec cette étincelle toujours en lui, lui demandant de s'accomplir une dernière fois. Ce qu'il fit de manière si touchante et si catégorique que l'on ne pouvait imaginer un autre film reprendre après ce qui semblait être un dernier baroud d'honneur. D'où la surprise générée par la mise en chantier de ce Creed, vendu comme un spin-off et qui au bout du compte se révèle être tellement plus que ça.

Pour la première fois, l'instigateur du projet n'était pas Stallone mais un jeune duo, le réalisateur et l'acteur du film Fruitvale Station (Grand prix du jury du Festival de Sundance 2013). Ils décident de développer l'histoire du fils d'Apollo Creed, écrivent le scénario, le proposent à Stallone qui accepte de passer le relai et de jouer dans le film. Et c'est là qu'on voit la différence entre une suite motivée par l'envie de deux jeunes artistes/fans d'apporter un film que personne n'espérait et une autre comme le dernier Star Wars, que tout le monde attendait et qui n'est finalement qu'un film voulu par les studios afin de rentabiliser le rachat de la franchise créée par George Lucas.

Car Creed est tout ce que le Réveil de la Force n'est pas. A savoir un film continuant à construire un mythe et non à l'utiliser. Un film témoignant un profond respect envers l'oeuvre originale tout en reprenant le flambeau de manière personnelle. Il n'y a pas de copier/coller, Rocky continue son parcours et ne fait pas office faire valoir. Il fait partie intégrante de l'histoire et son combat personnel (que je ne spoilerai pas) ne fait qu'augmenter d'un cran l'admiration que l'on avait pour lui depuis le dernier film. Toujours debout, touchant dans ses paroles et dans ses décisions, Rocky y est plus émouvant que jamais. Et Stallone aussi par la même occasion.

Et ce film continue à montrer que l'intérêt de cette saga n'était ni la boxe, ni même la victoire mais le combat contre soi-même. Car comme le dit Rocky en face d'un miroir pendant le film, "Ce mec en face, c'est ton adversaire le plus coriace. C'est vrai sur le ring et c'est vrai dans la vie".

Le réalisateur (Ryan Coogler) et l'acteur principal (Michael B. Jordan) nous offrent donc le plus beau cadeau : le film qu'on n'attendait pas. Un élargissement de l'univers développé par Stallone : on y retrouve ses repères, illustrés par la ville, les rues, le gymnase, le cimetière où sont enterrés ses proches. Tout y est intelligemment amené afin de renforcer la filiation. Et le lien entre Adonis Creed et Rocky, se battit émotionnellement en parallèle de leur parcours. Voir ces deux personnages se découvrir et se rendre essentiels l'un à l'autre est l'une des plus belles réussites du film. Car sans l'empathie générée par la relation qui unit les deux boxeurs, personne ne serait bouleversé comme vous allez l'être pendant la "classique" séance d'entrainement sur fond musical, commune à tous les films de la série.

En ces temps de suites/remakes/reboots, ça aurait pu être le film de trop. Et il est finalement indispensable à la série. Car non ça n'est pas un film dérivé. C'est bel et bien le nouvel épisode de Rocky. Pas besoin de faire un gros effort pour voir apparaître un prénom de légende au même nombre de lettres, de consonnes et de voyelles en haut de l'affiche de Creed.

vous pourrez aussi retrouver régulièrement les articles de Nikola sur son blog : Zone de Con(.)fort

Le Monde fantastique d'Oz

Nikola Kesic — 2013-03-18T11:10:43Z

Voici que débarque sur nos écrans Le Monde fantastique d'Oz de Sam Raimi. Réalisateur mythique pour la (donc ma) génération VHS, auteur du démentiel Evil Dead et de sa suite Tex Averiesque, Evil Dead 2 (je laisse de côté le 3ème volet, raté malgré une touchante intention de réinventer le concept). Sam Raimi donc qui après s'être concentré pendant une décennie sur la trilogie Spiderman, et avoir su crédibiliser l'univers comic book au cinéma avant toute la vague Marvel, décide de tourner la page. Voire les pages. Celle bien gore du Necronomicon, le livre des morts de sa trilogie horrifique. Ainsi que la page pleine d'actions trépidantes de son héros de BD tisse partout. Et nous voici face à une nouvelle page, celle d'un conte merveilleux, sorti tout droit d'un conte de fées, s'inspirant d'un ouvrage et d'un film bien connus mais nous en offrant les origines fantasmées par un réalisateur en quête de renouveau. Et le résultat est tout simplement catastrophique.

Car malgré un début assez original (en 4/3 et noir et blanc), le film bascule assez rapidement (et naïvement pour ne pas dire niaisement) dans le merveilleux. Merveilleux… Si vous aimez les décors façon Tim Burton raté (le remake de la planète des Singes, Alice aux pays des Merveilles) vous allez être servi. La réalisation passe constamment de plans serrés sur un plateau de tournage à des plans larges sur des décors en images de synthèse, le tout ne s'intégrant jamais vraiment. Une réalisation sans réel dynamisme ni inventivité, le comble pour l'auteur des films cités précédemment. Tout est plat, l'histoire est linéaire au possible, les personnages n'ont aucune profondeur, tout comme la 3D d'ailleurs qui se fait vite oublier tant elle est anecdotique. Plat je vous dis. Seuls quelques petits clins d'œil aux fans pourront vous sortir de l'ennui, voire la gêne, dans lequel vous aurez plongé en pénétrant dans ce monde fantastique…ment raté. Comme la naissance de la sorcière par exemple.

Mais ce qui est finalement le plus troublant quand on s'y attarde un peu, ce sont les similitudes entre ce film et le fameux 3ème volet de sa série Evil Dead. Comme si le réalisateur avait voulu raconter différemment ce qu'il n'avait pas réussi à accoucher à l'époque, dû à un budget trop serré notamment. Car que racontait Evil Dead 3 finalement ? Un homme happé par une tornade passe dans une autre dimension, et par un quiproquo est accueilli comme le messie d'une vieille prédiction l'annonçant comme le sauveur du palais et de son peuple, assaillis par un sorcier et son armée maléfique. Ce héros malgré lui va finalement se révéler à travers les épreuves qu'il va traverser, sauver la princesse et devenir le roi tant attendu. Eh ben Sammy tu nous l'as fait un peu à l'envers ici hein ??!! Si le grand public passera à côté de l'évidence (trouvez quelqu'un qui a vu ce 3ème Evil Dead...), le fan de la première heure risque d'avoir un goût amer dans la bouche en voyant le réalisateur refaire un de ses films précédent au profit d'une préquelle d'un film ancien probablement remaké dans le 2ème volet. Ou quand Hollywood continue sans cesse de recycler sous des faux airs novateurs.

Un grand pouvoir implique de grandes responsabilités disait Benjamin Parker dans Spiderman. Puisque Sam Raimi avait tous les pouvoirs artistiques, il est donc responsable de ce terrible fiasco. Le Monde fantastique d'Oz ou quand le réal de la trilogie Evil Dead délaisse les films d'horreur pour faire un film horrible.

Girl Next Door

Nikola Kesic — 2004-12-16T20:28:27Z

Cycles

Il est intéressant de constater que le cinéma - Américain, dans le cas présent -, fonctionne par cycles voire par décennies et les deux genres que sont la comédie et le film d'horreur en sont les preuves les plus flagrantes. Les années 80 ont vu fleurir des comédies en phase avec la jeunesse américaine, grâce notamment (certains diront essentiellement) à John Hugues qui de 1984 à 1989 fit évoluer les personnages de ses films en les faisant passer de l'adolescence (Breakfast Club, Ferris Bueller) à l'âge adulte (Un ticket pour deux, La vie en plus). Non content de s'être imposé comme référence du teen-movie en appliquant un traitement sérieux et nuancé à un genre qui avait plutôt tendance à cligner lourdement de l'œil au public, il décida en 1991 après un dernier film (la petite arnaqueuse) de mettre un terme à sa carrière de réalisateur, ayant bouclé la boucle et n'ayant plus rien à dire sur le sujet (ou en tout cas, se contentant de le faire désormais en tant que scénariste et producteur). Parallèlement à ça, le film d'horreur connut ses heures de gloires grâce au slasher-movie, en mettant en scène des croque-mitaines venus punir - souvent pour cause d'adultère - la jeunesse américaine (Halloween, Vendredi 13, la série des Freddy).

Nouvelles références

Puis, la tendance changea. Ne parvenant pas à se renouveler et se libérant cinématographiquement parlant d'un certain puritanisme qui laissa libre cours à tous les excès, arrivèrent les nouvelles références (sic) qui permirent d'atteindre des abysses contradictoirement salvateurs (il faut descendre pour rebondir). L'irrévérence innocente des comédies « d'antan » laissèrent la place à la vulgarité assumée et brandie en guise d'étendard par une génération shootée au South Park et autres Dumb & Dumber. La série des American Pie finissait de glorifier cette crétinerie de bon aloi. Quant au 1er degré pourtant appréciable des films d'horreur de l'époque, il fit peu à peu place à un cynisme teinté de moquerie qui atteint son apogée avec la série des Scream, phénomène de société qui pouvait se targuer de faire bouffer la soupe dans laquelle il crachait avec un dédain suffisant. Cet énorme gloubiboulga atteignant les confins de la schizophrénie en confondant les genres dans les parodiques Scary Movie ou encore Sex Academy (au titre original beaucoup plus parlant de Not Another Teen Movie) .

Le vent tourne

Ces derniers temps, on sent que le vent tourne. Le cinéma horrifique retrouve paradoxalement du sang neuf grâce à de nouvelles icones (Jeepers Creepers 1 et 2), mais aussi en remakant des classiques du genre. Massacre à la tronçonneuse, l'Armée des morts (bientôt Amityville) qui loin d'être que de simples copies, proposent une relecture intéressante, certainement moins profonde mais assurément honnête (autant qu'une opération mercantile puisse l'être en tout cas). La comédie quant à elle, retrouve les voies de la comédie familiale sans que cela tourne obligatoirement à la niaiserie confondante, comme le montrent les petites réussites que sont Freaky Friday et 30 ans sinon rien. L'arrivée de Girl next door, ne fait que confirmer cette tendance.

Film initiatique

En plongeant le spectateur dans la situation typiquement fantasmatique de l'adolescent timide confronté à une bombe sexuelle qui va le faire sortir de son carcan, le réalisateur nous livre un petit film initiatique sur l'accomplissement de soi (au sein du film et de sa thématique en tout cas). Le scénario, même s'il est prévisible dans ses grandes lignes, se permet des extravagances savamment ficelées. Et surtout, il évite les écueils de la grossièreté et de l'humour gras avec une toile de fond ( le porno) pourtant propice à bien plus qu'un fourrage de tarte aux pommes. Le casting est à l'image du film ; sexy : Elisha Cuthbert (pourtant à baffer dans la série 24 heures chrono) est mignonne à croquer ; nuancé : Timothy Olyphant campe un personnage ambigu à souhait. ; frais : Emile Hirsch, avec sa bouille à la Leonardo di Caprio et son jeu en retenue est la révélation du film. Et c'est là que réside l'essentiel de la réussite du film, dans la crédibilité des personnages au sein d'un genre qui a tendance à les caricaturer ces dernières années. Une manière de dire que l'on peut s'adresser à la jeunesse (Américaine en particulier) sans pour autant la gaver d'un fast food cinéma et lui éviter ainsi le systématisme d'un MTV sur grand écran.

Sortie France : 29 Décembre 2004

Le secret des poignards volants

Nikola Kesic — 2004-11-28T17:14:44Z

Fenêtre sur l'Asie

Fin des années 80, début des années 90. Le cinéma asiatique explose ses frontières et réduit les codes du cinéma d'action en bouillie (même si John MC Tiernan avait déjà bien préparé le terrain). Sous les yeux de spectateurs incrédules viennent s'étaler les gunfights chorégraphiés par John Woo bien sûr, mais aussi les délires visuels de Tsui Hark et de Ching Siu Tung, aidés en cela par des icones tels que Chow Yun Fat ou Jet Li. Cette fenêtre sur l'Asie permis aussi de faire découvrir des auteurs plus intimistes tels que Wong Kar Wai et Zhang Yimou. Ce dernier se fit connaître avec son style réaliste et contemplatif et ses drames sociaux firent le tour du monde et des festivals (Berlin, Venise, Cannes). Il faut dire que sa femme et actrice principale de l'époque, à savoir Gong Li, était pour beaucoup dans la réussite de ses films (6 au total dont Le Sorgho Rouge et Epouses et Concubines). Yimou lui offrait des rôles à la hauteur de son talent et de sa plastique et leur cinéma se nourrissait de cette relation muse-pygmalion jusqu'à leur divorce. Dans ce tournant de sa vie d'homme et de réalisateur, l'homme se remet en question et se cherche le temps de trois films dont The Road Home qui va lui donner l'occasion de trouver sa nouvelle muse, Zhang Ziyi et de faire rebondir sa carrière d'une manière totalement inattendue.

Les clés du succès

Comment expliquer en effet son attachement soudain à ce genre, à priori à l'opposé de ses habituels drames intimistes, qu'est le Wu Xian Pan (film de sabre traditionnel chinois), reflétant de manière fantasmée le passé du pays grâce à des icones historiques fortes (l'équivalent du western pour le cinéma Américain) ? Peut-être qu'à l'image d'un M. Night Shyamalan, a-t-il voulu orienter son cinéma vers quelque chose de plus populaire et s'assurer les clés du succès (commercial j'entends) en offrant au public des drames profondément humains, mais à l'aide d'un genre plus spectaculaire. En 2003 débarquait donc sur nos écrans, Hero, au casting prestigieux : Jet Li, Maggie Cheung, Tony Leung Chiu Wai et Zhang Ziyi révélée 3 ans auparavant par un Tigres et Dragons au succès international (le film rapporta plus de 100 millions de dollars aux Etats-Unis, du jamais vu pour un film « étranger »). Le film, s'il était politiquement douteux (en filigrane on y excuse en quelque sorte le massacre de masse afin que le pays sorte de son marasme et puisse évoluer) se révèle plastiquement réussi. Les combats, dans la plus pure tradition du film de sabre, sont chorégraphiés de main de maître. Venu prêter main forte, Ching Siu Tung (Histoires de fantômes chinois) n'est pas pour rien dans la grâce des personnages lors de leurs joutes en apesanteur. Le succès étant au rendez-vous, Zhang Yimou décide de remettre le couvert en réalisant un autre Wu Xian Pan. Qu'en est-il donc de ce Secret des Poignards Volants ?

Faux-semblants

Tout en restant dans la lignée du précédent, le réalisateur épure le fond afin de mettre en avant ce qui faisait la force de ses « films d'auteur ». Exit la polémique politique et historique, Zhang Yimou centre l'intérêt du film sur les personnages mais surtout sur le sentiment amoureux. Rien de bien nouveau sous le soleil me direz-vous, si ce n'est que, comme pour Hero, les apparences sont trompeuses. Les faits relatés, les actions des personnages, leur identité, tout n'est que faux-semblants. Le réalisateur a bien retenu que ce qui fait la force d'un cinéaste comme M. Night Shyamalan, c'est sa capacité à berner le public. Aussi use t-il de ce stratagème, mais contrairement aux révélations finales des films tels que Sixième Sens ou encore Le Village, Zhang Yimou distille ses rebondissements de manière beaucoup moins assénante. Ils sont à l'image des protagonistes, dont les sentiments se révèlent progressivement jusqu'à les faire se confronter au nom des basiques que sont l'amour et la jalousie. La forme au service du fond, alternant les morceaux de bravoure (les scènes de combats sont assez jouissives, les fameux poignards volants sont d'une mobilité surprenante) et les passages intimistes (la base de son cinéma), le cinéaste semble avoir pris sa vitesse de croisière dans le cinéma à grand spectacle. En allégeant son propos et en recentrant la forme (le légendaire et le chevaleresque attirent à priori plus de spectateurs que n'importe quel drame social), le réalisateur chinois s'est à coup sûr condamné l'accès aux salles d'art et essais pour s'ouvrir celles des cinémas multiplex.

Emouvoir l'humain

Alimentant de plus belle un basculement d'identité cinématographique totalement assumé, Zhang Yimou nous livre un film esthétiquement réussi mais lisse (le film n'a pas de « patte »). En s'immisçant derechef dans la catégorie des blockbusters, il décide de nouveau de distraire les foules plutôt que d'émouvoir l'humain, comme il avait si bien su le faire avec ses premiers films. Peut-être sujet à une fatigue d'auteur engagé (il était régulièrement confronté aux autorités politiques en vigueur dans son pays), son film n'en parait que plus fragile pour ne pas dire vain. Mais au-delà de ces appréhensions, ne faut-il pas simplement faire comme lui et tourner la page afin de se divertir et ressortir du film pas forcément enrichi certes, mais certainement diverti. N'est-ce pas le minimum qu'on demande au septième Art ?

Open Water

Nikola Kesic — 2004-11-21T21:23:14Z

cinéma guerilla

Tourné en DV pour la ridicule somme de 300 000 dollars, un budget déjà léger pour un film ne nécessitant pas d'effets particuliers, Open Water fait office de nouvel emblème d'un certain cinéma guerilla dont Blair Witch semblait être l'ultime représentant en regard de son rapport qualité prix et surtout prix-recette (35 000 dollars de budget pour 250 millions de dollars de bénéfice/monde). Armé d'un scénario au pitch alléchant (un couple en vacances aux Bahamas est oublié en pleine mer lors d'une excursion et doit faire face aux prédateurs les encerclant) et d'une volonté de « faire », le réalisateur Chris Kentis embarque pour un pari très risqué : tourner en pleine mer, en équipe réduite (humainement et techniquement parlant) et surtout opter pour un choix logistique plutôt casse-gueule en ce qui concerne les animaux.

au fond de l'eau

Oubliez les requins digitaux-rigolos de Peur Bleue ainsi que le requin mécanique du film de Spielberg, ici le réalisateur part à la pêche au casting. Il va aller chercher ses vedettes là où elles se trouvent : au fond de l'eau. Car c'est ce qui surprend le plus à la vision du film, ce réalisme dans les quelques plans (serrés ou large) mettant en scène ce monstre cinégénique au possible. La menace est omniprésente et rôde autour de nos deux protagonistes sujets (tout comme le spectateur) à cette peur atavique qui se déclenche au moindre remous à la surface de l'eau. Et c'est vrai qu'à chacune de leur apparition on a plus l'impression d'assister à un snuff-movie qu'à une œuvre de fiction, tant la réaction des personnages est vraie et tant la mise en scène ne fait que montrer le drame sans artifice. Il met à profit la faune ambiante afin de filmer à l'arrache des plans d'insert, un peu comme si Wong Kar-Wai décidait de tourner un sujet pour Ushuaïa, le danger en plus.

veine réaliste

Parallèlement à ça, le film souffre un peu de la comparaison avec son prédécesseur : remplacez le trio perdu en forêt, par un couple abandonné en mer, une même dérive progressive vers la terreur, en passant par les mêmes étapes (on passe du groupe soudé et riant de la situation, au clash ponctué de larmes et de reproches). Mais heureusement, là où Blair Witch laissait les acteurs (surtout sa stridente actrice) partir en roue libre, Open Water bénéficie d'une direction d'acteurs salutaire tant le film repose entièrement sur leurs épaules et peut ainsi se targuer de retenir l'attention du spectateur avec deux têtes dépassant de l'eau pour seul décor pendant une heure de film (les deux premières bobines détaillent le couple en vacances puis leur excursion). Et si l'image vidéo peut rebuter au début du film, elle finit d'inscrire le film dans cette veine réaliste contribuant à la crédibilité de l'histoire.

expérience humaine

Alors Dents de la mer du pauvre ou Blair Witch du riche ? Cinéma-vérité ou vrai cinéma ?Quelque chose entre les deux. Clairement moins classe que le Spielberg mais moins roublard que son champêtre prédécesseur, Open Water se place comme un film minimaliste en terme de mise en scène et de décor (Lars Von Trier peut aller se rhabiller) mais riche en émotions. Une expérience humaine et un huis-clos à air libre à rapprocher d'un autre sorti cette année aussi : Gerry de Gus Van Sant, autre plongée dans l'horreur prouvant qu'il n'y a pas monstre plus terrible que la nature elle-même, lorsqu' elle applique sa sélection naturelle.