Le Cargo !

Nick Drake

gab — 2025-09-05T11:47:24Z

L'événement de l'été fut, en ce qui me concerne, la sortie de The making of Five Leaves Left, le coffret de 4 disques couvrant la longue période d'enregistrement du premier album mythique de Nike Drake. Ayant repéré sa sortie depuis fin juin, j'attendais de pied ému mais ferme sur le pont du cargo le 25 juillet sa mise à disposition sur les plateformes de streaming. Or je dois avouer que j'ai été déçu aux premières écoutes ce jour-là. Il faut dire que l'exercice s'est avéré un peu plus ardu de prime abord que prévu. Autant j'étais tout de suite tombé sous le charme de Family Tree à sa sortie en 2007 (chroniqué sur le cargo ici-même), le disque d'enregistrements de jeunesse de Nick Drake et de sa famille racontait une belle histoire et était émotionnellement très bien construit, autant cette fois les nombreuses versions des mêmes morceaux m'ont plongé dans une certaine confusion (mention spéciale aux trois "Day is done" qui se suivent sur le premier disque) voire une certaine lassitude. Et puis au même moment les réseaux sociaux m'apprenaient qu'une biographie très complète et validée par la sœur de Nick, Gabrielle, était sorti en 2023. Je m'empressais de commander ce Nick Drake The Life de Richard Morton Jack et de l'emmener en vacances à la plage sans me douter une seconde qu'il serait la clé d'entrée qu'il me manquait pour accéder à ce making of. Si on rajoute par-là dessus la découverte des morceaux manquants de l'album Made to love magic que je n'avais étrangement jamais écouté et l'approche des 20 ans de mon zoom précédent sur Nick Drake (consultable ici-même), j'étais indéniablement prêt à me lancer dans un nouveau zoom folkeux. Dont acte : clap, Nick Drake, deuxième !

déclencheur

Comme souvent avec Nick Drake, j'ai tendance à repasser à la première personne du singulier. Sujet sensible (Nick Drake, pas la première personne du singulier). Dans le dit Zoom, il y a 20 ans, je m'amusais à m'imaginer grand-père racontant ma jeunesse et ma découverte de Nick Drake à mes petits-enfants. Le cap de la cinquantaine maintenant passé, ce genre de facétie m'amuse nettement moins. Car si la petite-descendance n'est pas encore assurée, la chevelure blanche est, quant à elle, bel et bien en place. Ça sent l'heure des premiers bilans. Et je suis le premier atterré de constater que bien que mentionné dans ma conclusion, je n'ai toujours pas écouté Made to love magic et les derniers morceaux enregistrés par Nick Drake peu de temps avant sa mort. Comme pour le making of, ce sera ici aussi la biographie qui jouera l'élément déclencheur. Et d'ailleurs, on dira ce qu'on veut, mais d'avoir une plateforme de streaming bien fournie lors de la lecture d'une biographie comme celle-ci s'avère être un atout indéniable. Ce à quoi vous pourrez me répondre à juste titre que la version physique du coffret The making of Five Leaves Left contient un livret de 60 pages avec toutes les explications nécessaires à l'écoute du disque dans les meilleures conditions. Chacun trouvera écoute à son oreille et lecture à son œil.

immersive

Vous l'aurez compris, je ne peux que vous conseiller la lecture de Nick Drake The Life de Richard Morton Jack (en anglais dans le texte, il ne semble pas encore y avoir de traduction). La biographie est très détaillée, très bien écrite et permet de comprendre l'état d'esprit de Nick Drake tout au long des périodes importantes de sa vie. C'est particulièrement vrai des deux années précédant la sortie de son premier album, Five Leaves Left, de 1967 à 1969. Une période incertaine (il abandonnait progressivement ses études à Cambridge) mais heureuse et pleine d'espoir pour Nick. C'est là que l'album du making of devient passionnant en tant que bande son immersive du livre. On y retrouve les différentes versions, les essais d'habillages, les premiers jets guitare-chant (et on préfère de loin Nick Drake sans frou-frous), premiers enregistrements déjà impeccables avec son jeu de guitare si abouti et son chant si doux et maitrisé. Et d'un coup l'enchainement des trois versions de "Day is done" prennent vie (et sens). On y retrouve les tentatives d'orchestration par de vrais professionnels avant de finalement retenir celle du copain de Cambridge de 19 ans (Robert Kirby) dont personne n'avait jamais entendu parler. On y voit aussi le travail sur la durée, le morceau "Strange face" devient "Cello song", "Mayfair" disparait de l'album car trop à part. On y entend Nick parler entre (et parfois pendant) les morceaux, on y découvre qu'au-delà de sa maitrise musicale et malgré son introversion, il était totalement dans son élément quand il enregistrait et savait précisément ce qu'il voulait.

repli

Arrivé là, on se prend bien sûr à rêver d'une déclinaison du concept à ses deux autres disques. Le livre laisse entendre qu'il n'y aura malheureusement pas la possibilité de faire un making of Bryter Layter, toutes les bandes de travail ayant été effacées à la fin des enregistrements comme c'était la coutume à l'époque. C'est bien dommage, ça nous aurait peut-être réconcilié avec cet album qu'on n'arrive décidemment pas à adopter. Quant à l'album Pink moon, son enregistrement même, en deux nuits, et l'isolement mental de Nick Drake (déjà en cours depuis l'été 1970 et l'enregistrement de Bryter Layter) passant à un niveau bien supérieur, fait qu'il n'y a pas d'autres versions à découvrir (on y apprend tout de même à notre grande surprise que "Things behind the sun" date en réalité de la période Five leaves left mais que Nick Drake la considérait comme non achevée à l'époque). C'est bien sur la partie la plus poignante du livre, on accompagne Nick et ses parents dans l'enfer du trouble mental qui mènera à son suicide fin 1974. Trois années de décrochage progressif de la société et de la musique, de repli sur soi et de dépression.

inattendu

C'est donc avec une certaine appréhension qu'on se résout enfin à écouter les derniers morceaux enregistrés par Nick Drake en 1973-74 et qui se trouvent sur Made to love magic. Au fil des années, 4 morceaux sont devenus 5, "Tow the line" étant venu s'ajouter aux "Rider on the wheel", "Hanging on a star", "Black eyed dog" et "Voices". Chansons au chant mal assuré (contrastant fortement avec celui des albums officiels) mais qui, malgré les troubles, se révèlent à la fois poignantes et familières. "Black eyed dog" en particulier nous emmène assez profondément dans le trouble mental, que ce soit par la musique quasi-chamanique ou par le chant répétitif et haut perché. Mais finalement ce ne sont pas ces morceaux qui retiendront le plus notre attention sur ce disque, on ne s'y attendait pas vraiment mais on est cueilli par des morceaux datant des sessions de Five leaves left en 1968 : "Joey" et "Clothes of sand". Deux magnifiques chansons en arpèges, lentes, mélancoliques, douces, tout ce qu'on aime chez Nick Drake. "Clothes of sand" s'est notamment rapidement frayé une place de choix parmi nos morceaux préférés de Nick Drake. Et après tant d'années, c'était assez inattendu. L'autre très belle surprise est une version alternative de "Three hours" (qui n'a étonnamment pas trouvé sa place dans le making of) avec des percussions bien mises en avant, une guitare presque rageuse par moments et une flute d'une liberté inspirante (chez nous la flute, c'est tout ou rien, autant on ne supporte pas celle de "Thoughts of Mary Jane" autant sur ce morceau elle est magnifique).

devenir

Voilà, on est repassé sans s'en rendre compte à la 3ème personne du singulier en cours d'article et c'est assez naturel, Nick Drake est devenu universel. On parlait de bilan un peu plus haut, 20 ans ont passé, beaucoup de choses ont changé mais l'essentiel est toujours là. Le cargo vogue toujours, on est toujours à bord, ça parait assez incroyable vu d'ici. Et, plus proche de notre sujet, l'album Pink moon est toujours notre album n°1 de l'ile déserte. On ne voit plus trop comment il pourrait être détrôné maintenant mais on est ouvert à toute tentative, bien évidemment. On vous donnerait bien rendez-vous dans 20 ans pour un « Nick Drake, troisième ! », le zoom des zooms, mais ce serait sans doute pousser le bouchon un peu loin. On a a priori maintenant écouté tous ses morceaux existants et à moins de réussir à faire générer les cinq morceaux manquants de 1974 par l'IA (seules les paroles ont survécu) ou de cloner Nick Drake à partir de son ADN pour une 2ème vie de musique, cela devrait en rester là. On n'a certes pas vu tout ce qui se cachait derrière le soleil mais, en partie grâce à Nick et sa musique, on est devenu ce qu'on devait devenir et c'est déjà pas si mal.

Deportivo

gab — 2025-08-01T17:35:55Z

Deportivo s'était mis en veille depuis une bonne dizaine d'années. Discrètement. Oui, Deportivo s'était tu et puis finalement non, la vie c'est comme ça. Et de revenir aux affaires en deux temps, d'abord par la scène histoire de fêter le passé (les 20 ans de leur excellent premier album Parmi eux) puis pour préparer l'avenir avec un nouvel album, Reptile, début 2025. J'allais ajouter « discrètement » pour la bonne bouche mais je ne sais pas si 6 mois de teasing sur les réseaux pour leur retour sur scène peut vraiment passer pour de la discrétion. On se comprend, entre 2014 et 2024 le monde est a priori passé à autre chose, le rock s'est fait rouler dessus pour la nième fois, pas sur finalement que ce retour ait vraiment excité énormément de radars. Allez savoir, à ce fameux concert nous n'étions pas (c'est bien la peine de teaser). Par contre c'est avec grand plaisir qu'on a mis le nez dans leur nouvel album en début d'année, plaisir d'autant plus grand qu'on sent d'emblée que ce break leur a fait beaucoup de bien.

interlude

Pof, pof, on recommence (petit interlude à la guitare sèche). Il y a des albums marqués dans le temps, ce sont les plus courants, d'autres marqués dans l'espace, ils sont plus rare. Ces derniers sont le plus souvent liés à des voyages. Et empiriquement, on constate que ça marche particulièrement bien avec l'Italie. Il y a une vingtaine d'années Venise se parait du Moujik et sa femme de Jean-Louis Murat (avec "Foule romaine" évidemment, et en off le "Burano" de Dominique A). Cette année c'est l'album ultra-compact de Deportivo qui s'invite au pas de course à Rome (hasard du calendrier oblige mais sans leur classique "Roma"). Un album et 3-jours-pour-tout-voir qui nous ont conjointement laissés sans le souffle.

respiration

Ce nouvel album, Reptile, c'est donc 10 titres en 22 minutes et on radote au passage (c'est le grand age) qu'on apprécie décidemment de plus en plus ces formats courts et droit-au-but. Deportivo retrouve sa fougue adolescente (les guitares énervées du "Reptile" dans l'allée, la batterie de "Fiasco"), sa science de la formule (« je fomentais des révolutions dans mon Benco, dès les lundis c'était terrible ! ») et son chant joueur sur les bords (les intonations rieuses de "(L)égo"). Sans oublier les classiques petites ritournelles façon chanson française, espaces de respiration toujours réussis ("J'aurais dû t'en parler" et ses raptors, le double effet "Rubikscube" et la fin de disque brassenso-coin-du-feu "Avide"). Petite nouveauté cette fois, "Trainards" et un piano désaccordé qui vient transformer quelque peu l'ambiance, entretenant un petit malaise très bien senti autour de ces « comptes à régler avec l'ombre et l'éternité ». On en est tous un peu là au final.

service

Pour faire court nous aussi, en mode que-faut-il-retenir, notez juste qu'une grande fraicheur souffle sur ce disque. C'est le principal. Sans qu'on s'en rende vraiment compte, Deportivo nous avait manqué. Et demandez à votre fournisseur internet, rien de tel qu'une bonne interruption de service pour reprendre du poil de la bête, retrouver ses marques et repartir de l'avant.

Throwing Muses

gab — 2025-07-25T12:17:06Z

Fut un temps où la frontière entre les albums de Kristin Hersh et ceux des Throwing Muses était parfaitement claire. A Kristin Hersh le minimalisme acoustique et aux Throwing Muses la puissance électrique. Et à ce jeu-là, malgré un gros faible pour les vieux albums des Throwing Muses (les classiques The real ramona et University), on penchait vers Kristin Hersh, inexorablement. Pendant des années Kristin a navigué à vue, au feeling, entre ses deux entités artistiques. Mais voilà, la ligne de démarcation semble se fissurer quelque peu ces derniers temps. Kristin Hersh a sorti un très beau « Kristin Hersh », Clear Pond Road, en 2023 et la voici qui revient en groupe cette fois mais guitare acoustique en tête, avec Moonlight concessions. Deux univers complémentaires se rencontrent enfin, pour notre plus grand plaisir.

rêche

Ceci dit, on se doute que plus qu'une histoire de formule musicale, c'est plutôt une question de personnes (elle est accompagnée au sein des Throwing Muses de David Narcizo à la batterie et Bernard Georges à la basse depuis plus de 30 ans). C'est aussi une histoire de sonorités puisqu'on retrouve sur ce disque le son rêche qui nous avait tant plu sur Sunny border blue (de Kristin Hersh donc) et, élément très important, le violoncelle qui accompagne habituellement plutôt ses disques solo. C'est enfin, on l'espère, une question d'envie. Et de ce côté-là c'est à nouveau très réussi, Kristin étant d'un engagement total dans ses morceaux et l'envie étant communicative, on est très vite convaincus par la formule.

rauque

Sans compter qu'un violoncelle ça change tout. Une guitare acoustique aussi. "Summer of love" l'illustre parfaitement avec cette guitare percussive qu'on adore sur les couplets et les volutes de violoncelle soulignant les refrains. Plus étonnant, "Southcoast" nous montre que c'est aussi largement faisable avec des arpèges. En deux morceaux, avec ce chant rauque-dedans si caractéristique, le sort de l'album est scellé, les morceaux plus introspectifs (le planant "Theremini" et ses envolées de violoncelle, les mélancoliques "Sally's beauty" et "Moonlight concessions") n'y changeront rien, ce sera un album au dynamisme contagieux (le thé ou café "Libretto", le fier "Albatross", l'indy-sautillant "Drugstore drastic", le sombre "You're clouds").

mouvant

9 titres d'un album mouvant, entre les lignes. 30 minutes de liberté. En cette période plutôt compliquée, tout programme d'abolition de frontières et de fusions est décidemment à chérir.

Augusta

gab — 2025-07-21T17:26:10Z

Ce week-end c'était Lollapalooza pour les kids et le Festival Rosa Bonheur pour les moins kids. Il n'y a pas de raison que les cheveux blancs et clairsemés ne se détendent pas eux aussi après une longue semaine en mode panique au boulot. Et quoi de mieux qu'un transat dans le parc du ravissant château de Rosa Bonheur à Thomery dans notre campagne Seine-et-marnaise pour se prélasser en musique. C'est ce que nous propose ce festival sous-titré « création féminine et matrimoine » tous les samedis et dimanches de l'été à 18h30. Ce samedi Augusta est à l'affiche. Totalement inconnue pour nous, cette franco-britannique nous met tout de suite à l'aise avec une très belle musique entrecoupée de courtes explications d'une voix aussi douce que ne l'est sa musique.

Or si la musique d'Augusta est calme et reposante, dans la plus pure tradition folk anglaise, son chant quant à lui est bel et bien habité. Un chant qui nous fait parfois penser à Anna Tivel dans les moments les plus intenses, ce qui n'est pas pour nous déplaire.

S'il n'est pas évident d'emporter le spectateur avec comme seules armes une guitare et une musique lente, Augusta s'en sort parfaitement en ajoutant des petits changements de rythmes au cœur de ses chansons, des fins de morceaux a capella et, plus classiquement, en nous demandant de l'accompagner pour quelques refrains.

Nous sommes ressortis tout apaisés de ce moment un peu hors du temps que même le ciel capricieux nous a autorisé à vivre pleinement (à peine une petite averse qui retardera le début du concert). Et on ne saurait trop vous conseiller ce lieu et ce festival, d'autant que dès samedi prochain, les très cargo-compatibles Birds on wire (une des formations de Rosemary Standley) s'y produisent.

Shannon Wright

gab — 2025-07-11T18:43:45Z

“I want… I want… I want a reservoir of love”

En cette période d'échauffement international, on serait preneurs nous aussi. Voire prescripteurs. Monsieur Trump, vous prendrez bien un jerrican d'amour. Attention, ne forcez pas trop la dose, c'est un peu fort.

Et Shannon Wright de continuer imperturbable, intense comme toujours, émouvante comme souvent. La guitare tour à tour lente, dans l'expectative, puis l'instant suivant pesante et puissante. On sent bien son poids, en bandoulière, imposant, revenant sans cesse nous hanter (les flammes de "Weight of the sun"), se balançant d'arrière en avant, inexorablement (les montagnes russes de "Ballad of a heist").

Et Shannon Wright de maitriser en tous points l'alternance, les arpèges au son clair et aérien ("The hits" et son chant d'une sensibilité extrême), le classiquement Shannon-Wrightien Wurlitzer (la ritournelle "Countless days"), le mélange délicat guitare-piano (l'envoûtant "Mountains") quand ce n'est pas le piano-tout-court (le superbe final, "Something borrowed").

En ces périodes de fortes chaleurs, permettons-nous d'oublier un peu les tensions internationales et concentrons-nous, dégoulinants de sueur, sur nos petits tourments personnels. Et on se dit que finalement on se prélasserait bien. Oui, on se poserait bien au bord d'une bonne piscine remplie à raz-bord d'amour… c'est tout ce que l'on se/vous/lui souhaite pour cet été.

“I wanna, I wanna … swim in your reservoir of love”

DIIV

gab, Mickaël Adamadorassy — 2024-12-10T00:05:00Z

« I want to disappear » chantait DIIV sur "In amber" hier soir en ouverture de son concert au Bataclan. Et c'était quasiment chose faite en ce qui concerne le chant et, dans une moindre mesure, les guitares. On a tellement écouté leur album Frog in boiling water cette année qu'il nous a bien fallu une bonne demi-heure pour nous habituer à ce chant encore plus en arrière que sur disque et ce son brut de décoffrage au sein duquel les guitares cherchaient la sortie plus qu'elles ne s'imposaient comme on s'y serait attendu. Il faut dire qu'on avait placé d'immenses espoirs sur ce concert, ce devait être le concert de l'année dans tous les sens du terme (en quantité et en qualité), ils avaient donc intérêt à assurer. Et passé cette mise-en-jambes en demi-teinte, ce fut largement le cas.

arty

Nous nous attarderons à peine sur la première partie, les très expérimentaux Tim Kinsella & Jenny Pulse, si ce n'est pour dire qu'ils sont bien barrés, positionnés entre poésie et grosse déconnade (cet incroyable karaoké chanté ultra faux en fin de set). Le genre de groupe arty dont on ne sait vraiment pas quoi penser au final mais qui nous est extrêmement sympathique, comme ça en première partie, parce qu'il offre une vision et un univers très personnels.

corde

Mais revenons à DIIV et nos attentes. Une fois détendu et accoutumé au parti-pris sonore du groupe sur scène, on a adoré. En 1h30 ils ont fait l'intégralité (ou presque) du dernier album et beaucoup de morceaux du précédent dont on ne se lasse pas non-plus. Mention spéciale à "Blankenship" bien sur mais aussi à un solide "Horsehead" en rappel. Ils ont aussi été faire quelques morceaux plus anciens qui ont beaucoup fait réagir le public mais pour ma part, m'ont un peu sorti de l'ambiance (très momentanément). J'ai décidément beaucoup plus de mal avec les lignes mélodiques limite indochiniennes des deux premiers disques malgré leur côté plutôt dansant, il est vrai. Heureusement, c'est bien la ligne sombre qui globalement tenait la corde hier soir.

communion

Entre les morceaux, pendant les changements de guitares, le groupe joue le x-ième degré à coup de vidéos promotionnelles façon corporate pour annoncer les morceaux. Le chanteur-guitariste, Zachary Cole Smith, va même jusqu'à faire une fausse promo très réaliste d'ExxonMobil, cherchant (et trouvant) le malaise du spectateur. D'ailleurs le concert sera en entier sur fond de vidéos avec les paroles des morceaux à l'image des vidéos promotionnelles sorties cette année. C'est plutôt une bonne idée pour une musique souvent planante et introspective, et puis ça aide à retrouver le chant derrière les guitares. Ça permet aussi d'alterner un peu avec les mimiques du casquette-couettes-guitariste Andrew Bailey. Ceci dit, heureusement qu'il est là, plein centre, à danser, grimacer et accompagner les premiers rangs dans une communion qui ne fait que s'accentuer au fil de la soirée.

résonance

Et c'est ce qu'on retiendra au final de la soirée, plus on avançait dans le concert, plus on sentait le groupe s'échapper de ses poses légèrement hype et rentrer vraiment dans sa musique et en résonance avec le public qui lui rendait de plus en plus. Mission entièrement remplie en ce qui nous concerne.

petit cliché amateuro-smartphoneur pour un petit rendu d'ambiance

DIIV

gab — 2024-06-24T14:47:12Z

C'est la bonne nouvelle noisy-pop de l'année, un EP, même pas un disque. DIIV, groupe auquel on n'avait jamais vraiment prêté attention jusque-là (à tort), sort Frog in boiling water EP et réchauffe nos cœurs meurtris par le nouvel album de Ride auquel on n'arrive pas à se faire. Bon, on est plutôt dans la filiation Jesus and Mary Chain croisé avec My Bloody Valentine que Ride mais c'est très joliment fait et surtout ça fonctionne parfaitement bien. Nous revoici début des années 90 en jean et t-shirt x-large, ado d'hier habillé comme les ados d'aujourd'hui ; C'est très déstabilisant cette impression de déjà vu dans les habits de nos enfants en ce moment, même s'ils se passent allègrement de guitares, eux. Et parlant de guitares, ils ne savent pas ce qu'ils manquent puisque ce sont elles, précisément, qui font toute la différence sur cet EP avec leurs sonorités riches et puissantes.

malin

Pof, pof, on recommence. Depuis l'écriture de cette petite introduction, on a pris 2 (voire 4, voire bien plus) semaines pour finalement écrire la chronique du Ride en question et DIIV en a profité pour transformer Frog in boiling water en album 10 titres. C'est malin. Donc, plouf, plouf, c'est reparti.

charges

Ceci dit, l'introduction reste tout à fait valable pour l'album qui se tient autant sur 10 titres que sur 4 (c'est aussi la très bonne nouvelle). Un bonheur de guitares noisy, lancinantes ("Soul-net"), planantes ("Raining on your pillow"), acoustisantes ("Everyone out"), buzzante ("Little birds") ou lead-toute-en-retenue-isantes ("In amber"), des guitares sous toutes les formes mais toujours idéalement placées et grattées pour produire leur effet maximal. Le/les chants sont eux aussi très adaptés, plutôt sobres et en retrait, répondant parfaitement au cahier des charges. C'est d'ailleurs ce qui aurait dû raisonnablement faire capoter l'ensemble, les morceaux semblant répondre point pour point à l'idéal shoe-gaze, le genre de cahier des charges improbable qui serait tellement artificiel qu'il en ôterait toute vie au projet. Et puis non … de la vie il y en a à revendre.

inépuisable

Ensuite il y a les singles qui remplissent parfaitement leur rôle de single (pas comme chez d'autres …), qui sont en tous points addictifs et jouissifs. Le c'est-meilleur-quand-c'est-lent "Brown paper bag" dont les guitares planantes sur les parties instrumentales font notre bonheur complet, l'inépuisable "Frog in boiling water" justement qui donne furieusement envie d'empoigner sa guitare et d'entonner ce superbe refrain. Le tout sans creux ni coup de mou, l'album gardant son excellent niveau de bout en bout que ce soit dans les morceaux plus lents ou dans des ambiances plus pesantes ("Somber the drums"), on ne perd jamais le fil et on se sent bien dans ce disque du début à la fin. C'est d'ailleurs suffisamment rare pour être relevé, il s'agit d'un disque qui fait beaucoup de bien, physiquement. Un de ces (rares) disques qu'on sent pénétrer, parcourir et venir s'immiscer dans nos organes. Un disque réellement étonnant.

revue

Et comme un bonheur n'arrive jamais seul (de l'avantage de traîner dans la rédaction de ses articles), on est depuis tombé sous le charme de l'album précédent de DIIV, Deceiver sorti en 2019, qui possède globalement toutes les qualités susmentionnées et, ça ne gâche rien, un "Blankenship" qui nous scotche à chaque écoute (avec ce petit côté "The velvet cell" de Gravenhurst qu'on adore). Pour bien faire il aurait fallu changer cette chronique en zoom, comme d'autres évoluent d'EP en album, et passer en revue tous leurs albums (celui-ci est leur quatrième) mais on est déjà bien en retard dans nos publications, on en restera donc là pour aujourd'hui si on veut boucler avant l'été.

Ride

gab — 2024-05-27T12:24:28Z

Certains disques à leur sortie sont déjà datés et c'est rarement bon signe. Ça fait maintenant un bon mois qu'on tente de percer la carapace d'Interplay, le nouvel album de Ride, et plus le temps passe, plus on s'énerve. D'où la décision d'écrire la chronique sans trop tarder, avant de perdre tout contrôle de nos émotions (on ne supporte déjà plus l'intro de "Peace sign", le morceau d'ouverture). Il faut dire que pour nous, Ride, c'est le graal, le groupe de tous les groupes, et qu'on n'avait jamais je crois été aussi déçu à la première écoute d'un de leurs albums (à part sans doute Tarantula en 1996, mais il compte à peine celui-là). Certes, il s'agit d'un exercice de style, faire un disque total années '80, et de ce point de vue c'est sans doute réussi, mais franchement, pourquoi ? C'est d'ailleurs assez surprenant et révélateur qu'Andy Bell, interrogé par nos confrères de Gonzai*, classe ce disque en 5e position sur 7 (juste devant Carnival of light, le disque total seventies du groupe). On est frappé par ce réalisme auquel les groupes anglais ne nous ont pas habitués, loin de la rengaine promo habituelle du « c'est notre meilleur album à ce jour ». Ride assume donc … et pourquoi pas finalement. Tant qu'à partir dans une direction, autant y aller à fond.

boite

Et tout n'est pas à jeter dans ce disque, loin de là. Voyons le positif. Il faut pour ça commencer par soigneusement éviter les 3 morceaux sortis progressivement en single avant l'album et qui figurent aux meilleures places (1, 2 et 4). "Peace sign" et son intro pompière (seule la pseudo-cornemuse du refrain nous déride légèrement), "Last frontier" et son manque criant de relief, et "Monaco" qui nous avait pourtant fait plutôt bonne impression lors des lives entraperçus sur youtube mais dont le traitement eighties est repoussant au possible (franchement, quel est l'intérêt quand on a Loz Colbert sous la main de mettre une pauvre boite à rythme d'un autre âge ?). On ne vous cache pas qu'il vaut mieux aussi éviter le ventre mou du disque, les "Stay free" (pas désagréable mais il ne se passe pas grand chose), "Last night I went somewhere to dream" (légèrement irritante avec ses tics de fin de phrase), "Sunrise chaser" (plutôt pénible, on sent qu'ils se sont fait plaisir musicalement mais ils nous ont aussi complètement perdu en cours de route). Voila. Une fois qu'on a éliminé la moitié de l'album, on y voit un peu plus clair.

cahier

Ah, oui, le positif on a dit. Alors côté très positif, nous avons la fin de "Light in a quiet room", le seul moment noisy du disque (ce n'est pas qu'on s'accroche à leurs premiers disques mais ça fait franchement du bien au milieu des singles) qui par ricochet faire vraiment ressortir le morceau entier du lot. Il a un côté hypnotique grâce à la boucle de basse qui fonctionne très bien. Nous avons aussi l'excellent "I came to see the wreck", notre préféré, qui commence plutôt mal puisque l'intro est très fortement inspirée de "Shout" de Tears for fears (toujours pile dans le cahier des charges) mais qui réussit l'exploit de se transcender grâce à un chant habité et une intensité qui font globalement défaut au reste du disque. Ride nous raconte enfin une histoire, avec des sentiments, des tripes, du vivant. Le morceau est vraiment magnifique, un très juste reflet de notre monde actuel et de ses défaillances. L'autre morceau sur lequel on retrouvera ce niveau d'intensité est "Portland rocks" en 2e partie de disque. Celui-là a tout des grands classiques du groupe avec sa guitare lead et ses chœurs planants (influence période Going Blank Again) mais il a aussi un chant suffisamment accrocheur pour nous embarquer directement et durablement. Il devrait largement survivre à ce disque et rejoindre un morceau comme "Ox4" dans les réguliers en concert.

clé

Côté positif tout court, des morceaux moins emblématiques mais qui sont à la hauteur des attentes, les bonnes surprises pourrait-on dire au vu de notre déception générale. "Midnight rider" dans la moiteur d'une basse lancinante et avec des petits gimmicks de fond qui relèvent le tout, le trippant "Essaouira" qui nous fait penser dans l'esprit à certaines expérimentations de la période Carnival of light (le morceau "At the end of the universe" en particulier). On aime ces ambiances basse-au-centre, définitivement pas Ride mais qu'ils réussissent particulièrement bien. Ils terminent le disque en tout simplicité, et c'est peut-être la clé qu'il leur a le plus manqué finalement, avec "Yesterday is just a song". Quasiment pas de musique (un fond un peu new-age), quasiment pas de chant (paroles susurrées à l'oreille) mais un morceau juste et qui fait donc mouche.

pack

Que dire de plus sinon qu'on aura décidément tout raté avec la sortie de ce disque puisque, la lose nous poursuivant jusqu'au bout, on aura même manqué le pack avec le superbe t-shirt (photo de groupe du début '90) à notre taille. Que voulez-vous, quand ça ne veut pas, ça ne veut pas !

Ride s'est formé en école d'art et le groupe est toujours aussi fort visuellement, que ce soit côté pochette ou pour des visualizer youtube illustrant leurs singles

* Nous vous conseillons la très bonne interview d'Andy Bell par Gonzai

Tom McRae

gab — 2024-05-10T17:37:06Z

On avait un peu perdu Tom McRae de vue à vrai dire. Pas oublié puisque certaines des chansons de son premier album se rappellent régulièrement à notre souvenir et à notre guitare (les classiques "End of the world news" et "The boy with the bubblegun"), mais on n'avait plus écouté les nouveaux albums depuis son second disque Just like blood en 2003. Or lui n'a pas abandonné, loin de là, il en est même à son 9ème album et, comme on a pu le constater lors de son concert à la Maroquinerie en Mars, il est toujours bien en forme. Ce concert a d'ailleurs été l'occasion de découvrir en live certains morceaux de son nouveau disque de duos : Etrange hiver.

collègues

Certes, c'est la mode du moment d'aller chercher une nouvelle flamme auprès des collègues pour des disques de duos mais Tom McRae pousse le concept un peu plus loin en décidant de s'accoquiner exclusivement avec la scène française et parfois en français dans le texte. Ça a le mérite d'être plutôt original (ça change de Vianney qui va faire un duo avec Renaud). D'autant qu'on a pu s'en rendre compte lors du concert, certains de ces morceaux sont franchement très bon. D'ailleurs, s'il n'y a qu'un seul morceau à écouter, c'est "Ginkgo" avec Chien noir qu'on n'aime jamais autant que dans son plus simple appareil instrumental comme sur certains couplets de son ancien groupe A call at Nausicaa. Un magnifique morceau, petite ritournelle au piano habillée d'une superbe mélodie à deux voix, toute émotion dehors.

route

Et la bonne surprise, à la sortie du concert, est de constater que l'album entier tient extrêmement bien la route, que ce soit dans les balades ("Half of my mind" avec Alma Forrer) ou dans les morceaux plus enlevés (le très bon "Habit of you" avec Naya), que ce soit au piano solo (le délicat et poignant "Lover's souvenir" avec Rose) ou posé sur un piquant de cordes (le sur-un-fil "For my confessor" avec Aïtone). Et puis il y a les morceaux auxquels on revient plus souvent, dont l'imprégnation est plus durable. "Ginkgo" dont on a déjà parlé bien sûr mais aussi le morceau d'ouverture ("Wild love") avec Keren Ann. Un morceau plus complexe, plus construit, qui rappelle les grands duos tragiques d'antan (on ne peut s'empêcher de pense à Nick Cave et Kylie Minogue sur "Where the wild roses grow", sans doute en partie dû au lexique employé). Un morceau cinématographique même, avec une intensité qui grandit peu à peu et gagne sans faillir l'auditeur pour le déposer en douceur de l'autre côté en fin de chanson.

guitare

"Speeding cars" avec Clou est un moment aussi doux que fort sur une musique épurée. C'est sans doute le moment de mentionner qu'il est étonnant qu'il y ait si peu de guitare sur ce disque (le monsieur est connu pour sa guitare et ne s'en prive pas en concert). Les paroles quant à elles sont un peu obscures mais il y est nettement question de "Speed trials", un de plus beaux morceaux d'Elliott Smith, et rien que pour ça, il mériterait notre approbation (bien qu'il n'en ait pas besoin). Il faut aussi mentionner "Etrange hiver" avec Alex Beaupain qui fait la part belle au texte en français sur une petite guitare rythmique pour le coup. Nettement moins dans l'émotion mais extrêmement bien maitrisé et efficace comme on peut s'y attendre.

régal

A bien y réfléchir, il semblerait qu'on ait eu tort de laisser filer les années et les albums de Tom McRae. Avec les moyens actuels, il n'est jamais trop tard pour rattraper son retard après tout. Pour ceux d'entre vous qui auraient l'occasion de le voir en concert, c'est une belle expérience que nous vous recommandons chaudement. Sa façon de tenir la scène, seul, comme s'il était 4 ou 5 au moins, est un véritable régal.

World Party

gab — 2024-04-03T08:01:05Z

Karl Wallinger nous a quitté il y a quelques jours. La première pensée qui nous est venue en apprenant la nouvelle est le souvenir ému d'une superbe session acoustique de 3 titres de World Party chez Bernard Lenoir en 1993 au moment de la sortie du 3ème album, Bang ! Le chant haut perché, l'harmonie des voix, on y retrouvait toute l'émotion des chansons, encore plus que sur album dont les productions étaient déjà quelque peu datées à l'époque. Le morceau "Is it like today" notamment nous avait complètement scotché avec ce jeu de guitare et cette mélodie incroyables. Et si Karl Wallinger a eu plusieurs vies musicales (il a participé aux tournées et premiers albums des Waterboys, il a travaillé avec Sinéad O'Connor), il restera à jamais pour nous le multi-instrumentiste Monsieur World Party.

hit

Bien que plutôt courtes, nos années World Party furent particulièrement marquantes, s'articulant autour des deux premiers albums et de la session acoustique au tout-début des années '90. On découvre le groupe avec le second album Goodbye Jumbo (1990), sans doute le disque du groupe le plus homogène. Il reste de loin l'album qu'on préfère mais le premier album, Private revolution (1986), mérite qu'on s'y attarde puisqu'il contient le terreau de l'ensemble de la discographie de Karl Wallinger : ce recul et ce regard aiguisé sur la société, la religion, l'état du monde qui ne cesseront d'alimenter ses morceaux. Il contient aussi l'énormissime "Ship of fools", et ce n'est pas rien. Ce morceau a l'étoffe des plus grands, des couplets égrainés avec une assurance communicative, une montée pré-refrain comme on en a rarement entendues et évidemment des refrains stratosphériques, c'est à se demander pourquoi/comment il n'est pas devenu un hit mondial.

clip d'origine de "Ship of fools", décliné plus récemment sur des images d'actualités aussi hypnotisantes qu'effrayantes

faune

Mais ce qui frappe d'entrée en 2024 et qui frappait déjà me semble-t-il en 1990, c'est la production musicale très datée. C'est bien simple, l'éponyme "Private revolution" qui ouvre le disque semble tout droit sorti d'un album de Prince du début des années 80. Cette même funk-pop avec la petite voix haut-perchée et les beats eighties. Le moins qu'on puisse dire c'est que ça n'a pas très bien vieilli (mais ça donne toujours envie de danser). Ce qui a mieux vieilli, c'est le discours écologique avant l'heure (« Man's been killing the tigers, turned the green fields into sand ») et l'appel à faire sa propre révolution. Cette mise en avant du libre-arbitre et de la remise en question sera une constante dans les paroles de Wallinger sur la durée. Une fois habitué au son retro-funkuriste de certains titres, les morceaux font leur chemin et tiennent très bien la route avec ce mélange un peu bric-à-brac revendiqué par la pochette du disque. On y trouve déjà ces balades mélancoliques si caractéristiques ("All come true"), on y trouve aussi un intermède celtique ("Dance of the hoppy lads"), on y trouve même de la country avec slide-guitare ("Hawaiian island world") et des cuivres beatlesiens (sur la reprise de Dylan "All I really want to do"). On sort du disque tout à fait prêt à faire notre propre révolution, voire même, pourquoi pas, à rejoindre faune et flore dans la montagne pour une gigantesque fête mondiale (« Yes we're going to a world party, how can I say no ? »).

hymne

Mais pour nous la vraie fête a définitivement lieu sur le second album de World Party, Goodbye Jumbo. Ce n'est sans doute pas un hasard si le single "Way down now" avait été adopté à l'époque comme hymne hédoniste par mon frangin et ses potes. Il y a dans ce morceau tout ce qu'il faut pour, passé une certaine heure, déclencher folie et jeter vestimentaire : ces guitares euphorisantes, cette basse bondissante et le chant bien sur, avec ce débit rapide et assuré et ce qu'il faut de « ou-hous » en fin de morceau pour rallier tout le monde à la cause.

clip diy-zéro-budget, "Way down now" quoi...

exploit

Contrairement au premier album, le single cette fois-ci n'écrase pas le disque d'une présence trop forte. Les autres morceaux se sont hissés au niveau, que ce soit l'impeccable "Is it too late ?" qui ouvre le disque (avec ces attaques de guitare en contre-point du chant) ou le plus grand public "When the rainbow comes". Karl Wallinger se révèle d'ailleurs être très bon dans les balades mélancoliques de ce type dont il parsème le disque (le lumineux "God on my side", le tendre "Love street", le réconfortant "Sweet soul dream"). Il se surpasse notamment avec le magnifique "And I fell back alone", qui fera immanquablement pleurer dans les chaumières mais dont on ne se lasse jamais non plus. Il a aussi peaufiné sa recette ultra-pop et ultra-mélodique avec les "Put the message in a box" (dans la veine idéaliste), les "Take it up" (dans la veine hallucinations au petit-déjeuner). Tout lui réussit sur ce disque, même lorsqu'il lui reprend de petites envies funkies ("Show me to the top") ou hyper-aigues ("Ain't gonna come till I'm ready"), il réussit l'exploit de les dompter et les contenir dans l'état d'esprit du disque.

flamboyant

On décrochera finalement de World Party après la session, pour des raisons pratiques d'abord puisqu'on ne mettra la main sur Bang ! (le 3ème album) que bien années plus tard à l'occasion d'un passage par Londres (point d'internet à l'époque) et la production une fois encore très datée de l'album aura raison de nos tentatives d'apprivoisement. On ne retrouvera pas dans la version aseptisée de "Is it like today ?" les émotions qui nous avaient traversées en acoustique. Le moment était passé, sans aucun doute. Ce monde du début des années '90 avait laissé la place à d'autres sons et d'autres envies, on était inexorablement passé du beatles-flamboyant au belle-and-sebastien-twee-pop. Ce n'est pas bien grave, l'écoute des disques suivants cette semaine (Egyptology en 1997, Dumbing up en 2000 et le bien nommé Arkeology en 2012 -les fonds de tiroir, soit 5 heures de musique sur 5 disques, notre homme était du genre prolifique, encore un point commun avec Prince-) ne nous donnera pas l'impression d'avoir manqué une indispensable pépite mais, qui sait, peut-être faudra-t-il y revenir plus en profondeur sur la durée. En attendant, on terminera cette plage souvenir/hommage avec les mots de Karl lui-même, extraits du dernier morceau de Goodbye Jumbo : « Thank you World [Party] ».