Le Cargo !

Krakauer & Tagg's Mazel Tov Cocktail Party

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2024-07-15T18:36:22Z

Pour la première fois, le charismatique clarinettiste David Krakauer s'est produit sur la scène du théâtre antique dans le cadre du festival Jazz à Vienne, et il a proposé un concert festif et cosmopolite, célébrant le partage ainsi que les trépidations du bonheur.

Sur une scène transpercée par les derniers rayons du soleil de la journée, David Krakauer nous a présenté son projet "Krakauer & Tagg's good vibes explosion !" qui est la suite scénique de son album sorti en 2022, Mazel Tov Cocktail Party.

David Krakauer est une figure de proue de la scène jazz new-yorkaise aux inspirations klezmer et irradie également de son talent l'univers du classique (il a notamment évolué au sein du Philarmonique de Philadelphie). L'héritage juif de l'Europe de l'Est qui coule dans ses veines et imprime ses compositions n'est pas son unique source d'inspiration. Il fusionne à merveille les folklores et musiques traditionnelles des quatre coins du monde, remaniant avec virtuosité aussi bien du calypso que de la polka ou bien encore des thèmes inspirés de traditions canadiennes comme la "danse carrée" du Québec.

Une quête d'humanité à la fois intime en revisitant les trésors de son passé (à l'image du morceau "Love song for Lemberg/Lvov", un vibrant hommage à la ville natale austro-hongroise, devenue ensuite soviétique, puis ukrainienne [1], de son grand père né en 1902), et à la fois universelle avec des titres sans frontière. Un choc des cultures remarquablement écrit et interprété.

Pour cela, il est accompagné par le bassiste jazz new-yorkais Jerome Harris, par le batteur iranien Martin Shamoonpour, par Yoshie Fruchter à la guitare et au oud, par le flow soul de la chanteuse canadienne Sarah MK et, enfin, par la productrice et multi-instrumentaliste sud-africaine Kathleen Tagg. Tous sont issus d'univers différents, et cette pluralité donne naissance à une joyeuse excentricité dont seul David Krakauer a le secret.

Un projet au final inqualifiable tant il se nourrit de cultures diverses. Il résonne des sonorités balkaniques et yiddish, couplées à des instrumentations électro-funk, flirtant parfois avec le rap sous l'impulsion de Sarah MK. Un délice pour nos oreilles sur lequel virevolte l'enivrante clarinette de David Krakauer.

Un cocktail explosif et solaire qui a galvanisé le public viennois dans un esprit de joie et de tolérance, valeurs si chères à cette aventure musicale.

[1] C'est l'actuelle Lviv.

GoGo Penguin

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2024-07-07T11:00:00Z

Depuis une dizaine d'années, le trio GoGo Penguin s'impose comme l'un des groupes phare de la scène jazz britannique. C'est donc avec enthousiasme que nous les retrouvons pour la seconde fois sur la scène du théâtre antique pour Jazz à Vienne, après l'avoir foulée en 2019.

Ils nous présentent leur sixième album Everything is Going to Be OK. Très rapidement le décor est planté : des mélodies toujours aussi aériennes, des lignes rythmiques puissantes et un groove électro reconnaissable. Un alliage irrésistible servi par Chris Illingworth au piano, Nick Blacka à la contrebasse et Jon Scott à la batterie. Ce dernier a intégré l'aventure GoGo Penguin en 2021 et, amène une approche rythmique tout en force et délicatesse (il a notamment évolué aux côtés de Mulatu Astatke). Le trio nous embarque loin et haut avec une grisante énergie. Ils incorporent dans leur set quelques morceaux issus de précédents opus, comme "Bardo" ou encore "Branches Break". Ils revisitent ce dernier titre de manière magistrale et soulèvent le public de ferveur.

Leur musique aux aspects minimalistes se révèle être terriblement efficace et hypnotique. GoGo Penguin nous livre un magnifique concert salué par une standing ovation. Nick, le contrebassiste, évoque avec le sourire - et en français ! - l'espoir d'un titre d'album prophétique : "Tout ira bien". C'est tout ce que nous leur souhaitons !

Hugo Diaz Quartet

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2024-07-06T09:00:00Z

Dans le cadre du festival Jazz à Vienne, Le Cargo a eu un coup de cœur pour l'un des sept finalistes de l'incontournable tremplin ReZZo. Il s'agit d'Hugo Diaz Quartet.

Sélectionné parmi plus d'une centaine d'artistes pour cette édition 2024, ce groupe nous touche par son intelligence musicale et son lyrisme. Hugo Diaz, saxophoniste franc-comtois installé à Strasbourg, nous présente son album Confluences, une suite de compositions originales qu'il a écrites. Et quel plus bel écrin que de le voir évoluer sur la scène du jardin de Cybèle. En effet, il y a comme une résonnance entre Cybèle (déesse de l'Antiquité personnifiant toute la puissance sauvage et richesses de la Terre) et un artiste proche de la nature, dont les compositions s'inspirent du thème de l'eau. Sa musique d'une extrême sensibilité exprime toutes les émotions d'un voyage au fil de l'eau : tantôt une beauté calme et rassurante, tantôt une immensité en mouvement. Une parenthèse enchantée entre lenteur et puissance.

Entouré d'Alexandre Cahen au piano, de Vladimir Torres à la contrebasse et de Louis Cahen à la batterie, le quartet nous livre un set captivant. Chaque musicien s'exprime avec brio et s'épouse de manière harmonieuse. Un dialogue se tisse, ponctué de plages improvisées. Un fascinant jeu de miroirs s'opère entre les quatre compagnons : nous sentons une évidente complicité. La musique qui jaillit laisse entrevoir une qualité d'écriture et de jeu. Ceci est d'autant plus bluffant pour une jeune formation, puisque ce groupe a vu le jour en 2022, fruit de leur rencontre au cours de leurs études au Conservatoire.

Au travers de cet album, Hugo Diaz s'affranchit du classique (dont il est issu) ainsi que du jazz traditionnel avec singularité. Il maitrise élégamment toute la subtilité d'un saxophone soprano et en modifie parfois la sonorité avec des pédales d'effet. Son soprano arbore de nouvelles teintes et nous transporte dans un univers poétiquement doux et fort. Nul doute, ce brillant quartet explore une liberté musicale avec magie et un sens de la narration qui captive le public.

Hugo Diaz Quartet signe un premier album très prometteur à l'esthétique raffinée. Un groupe que nous conseillons vivement de découvrir sur scène (le Quartet sera notamment au Duc des Lombards le 18 novembre) et qui a su ravir nos cœurs et nos oreilles.

Louis Matute Large Ensemble

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2024-07-05T12:00:00Z

C'est la 43ème édition du festival Jazz à Vienne, pendant laquelle l'emblématique théâtre antique vibre du 27 juin au 12 juillet. Comme chaque année, ce festival nous régale avec une riche programmation en mettant à l'honneur des artistes venant d'horizons très différents, aussi bien d'envergure internationale que des talents en devenir.

La soirée d'ouverture s'inscrivait pleinement dans cette dynamique avec un focus sur la foisonnante scène jazz suisse, à savoir : Louis Matute [1] et son Large Ensemble. Ce groupe a brillamment relevé le défi de conquérir un public venu nombreux pour cette première soirée, puisque le concert affichait complet.

Devant un parterre de plus de 7000 personnes, le guitariste helvétique Louis Matute nous a présenté son quatrième album, Small Variations from the Previous Day. Pour ce projet, il a embarqué à ses côtés cinq talentueux complices : Léon Phal au saxophone, Zacharie Ksyk à la trompette, Andrew Audiger au piano, Virgile Rosselet à la contrebasse et Nathan Vandenbulcke à la batterie. Au croisement du jazz, de la folk aux effluves latines, leur musique se révèle raffinée et jubilatoire. Tel un magicien, Louis Matute revisite une Amérique latine fantasmée avec des lignes mélodiques subtiles et sans artifice. Les six musiciens font preuve d'une technique éblouissante au service de l'ensemble et nous embarquent avec ravissement. Ils nous livrent des morceaux dont la chaleur et la sincérité sont communicatives.

Un concert bluffant qui confirme largement la place de ce groupe parmi les étoiles montantes de la nouvelle génération jazz et ce, bien au-delà des frontières helvétiques.

Alors à noter dans vos agendas : Louis Matute Large Ensemble sera au New Morning le 22 octobre prochain !

[1] Voir nos articles sur Louis ici et là.

Yom x Ceccaldi, Le Rythme du Silence

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2024-05-06T18:00:00Z

Pour clôturer la 14ème édition du festival Détours de Babel, deux créations musicales furent proposées à Grenoble en ce mois d'avril. Focus sur l'une d'entre elles : Le Rythme du Silence, interprété par Yom et les frères Théo et Valentin Ceccaldi.

L'âme de ce trio a magistralement célébré l'esprit du festival, qui promeut le partage autour des musiques du monde et du jazz. Ils nous ont en effet offert deux envoûtants concerts avec un répertoire inédit.

Yom est un compositeur et clarinettiste nomade tant il nous surprend par la variété de ses créations. Depuis près d'une vingtaine d'années, chacun de ses projets nous embarque vers des contrées différentes, toutes ciselées par son souffle singulier qui aimante par sa beauté. Yom explore et revisite avec aisance de multiples univers musicaux : la musique juive traditionnelle, l'électronique, le rock, jusqu'à se rapprocher de la musique sacrée avec l'album Prière en 2018. Au gré de ses rencontres artistiques, il façonne une esthétique remarquée et remarquable dessinant un territoire sans limite. Son travail s'inscrit dans une soif de liberté, de sens et de transcendance. Cet artiste prolifique cumule à son actif plus d'une dizaine d'albums en tant qu'auteur, dont le dernier, Alone in the Light, sorti en octobre 2023. Il y évolue aux côtés du pianiste Léo Jassef et illustre cette quête spirituelle, mais jamais celle-ci n'a sonné plus juste et vibrante que sur Le Rythme du Silence. D'ailleurs, le titre à lui seul de cette création (titre inspiré par un grand maitre soufi pour définir la méditation) augure un voyage aussi intense que poétique. Promesse tenue avec brio par Yom et ses deux complices.

Trois silhouettes se dessinent dans le clair-obscur de la scène : Yom à la clarinette, Théo au violon et Valentin au violoncelle. Les premières notes frémissent et, nous plongent immédiatement dans une ambiance feutrée aux lumières intimistes. Valentin frappe les cordes de son violoncelle au rythme d'un battement, et les notes résonnent tels des bols tibétains. Puis le violon et la clarinette suivent. La sensation qu'une parenthèse hors du temps s'ouvre alors à nous, une parenthèse où l'imaginaire se joue du réel, où la légèreté l'emporte sur le poids des maux, où le superficiel disparait pour laisser place aux vérités des profondeurs. Une réelle complicité et osmose se dégagent de ces trois musiciens virtuoses. La fougue de Théo, le lyrisme de Yom, l'archet et le toucher incroyable de Valentin produisent des nappes sonores avec une singulière beauté. Le public glisse progressivement vers une transe intérieure face à des musiques sans compromis. Le recueil est admirablement construit, dans lequel chaque musicien exprime son talent tout en révélant celui de ses complices. Les morceaux s'enchaînent sans interruption, oscillant entre l'Orient et l'Occident, entre le sacré et le profane, entre le céleste et le terrestre. Les influences sont multiples avec des phases tantôt planantes, tantôt plus ardentes. Il est difficile de résister à autant de mélodies aussi touchantes et généreuses et ainsi, de les suivre dans un voyage méditatif coloré d'émotions. Les trois musiciens dialoguent avec élégance, sincérité tout en dégageant une présence vibratoire intense. Les complexités techniques de leur jeu respectif sont gommées par leur aisance. Ils donnent même l'impression de léviter.

Le trio déroule sur scène une aventure musicale et humaine qui s'apparente à une œuvre universelle, intemporelle, sensible et majestueuse.Le Rythme du Silence atteint un niveau de musicalité affranchi de toute appartenance culturelle, dans lequel le spirituel prédomine. Pendant près de quatre années, ce projet acoustique a germé avant que Yom ne le compose et ne lui donne vie aux côtés de Théo et Valentin, musiciens issus de la jeune génération du jazz contemporain. Yom nous rappelle ici tout son talent de compositeur et son sens de la narration, avec les arrangements de Théo et Valentin. Ils ne sont pas à leur première collaboration. En 2018, Yom a fait appel au Quatuor IXI, dont fait partie Théo, pour son spectacle Illuminations (pièces conçues pour clarinette et quatuor à cordes). Puis en 2020, leur chemin se croise à nouveau avec la participation de Yom sur un des morceaux de l'album Constantine des frères Ceccaldi. Ces retrouvailles scéniques sonnent alors comme une évidence. L'alliance du vent et des cordes sur ce projet fait mouche pour ces trois artistes aimant flouter les frontières musicales.

À la fin du concert, quelques secondes de silence s'écoulent. Le temps nécessaire de quitter le sublime pour revenir à la réalité, puis le public les acclame avec une standing ovation.

Le Rythme du Silence : un véritable coup de maître de Yom, que nous avons hâte de revivre sur scène dans l'attente d'un album avec les formidables Théo et Valentin Ceccaldi.

Ciné-concert 16 Levers de Soleil : les pieds sur terre, la tête dans les étoiles

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2023-08-31T09:00:00Z

L'automne approchant, vient le temps d'une rétrospective sur nos concerts coups de cœur de l'été. Parmi ceux-ci, le ciné-concert 16 Levers de Soleil qui s'est déroulé en juillet à Chamonix. Quelle meilleure scène que celle du parc Couttet avec vue sur le massif du Mont-Blanc, pour une création qui se révèle être un voyage sensoriel avec les pieds sur terre et la tête dans les étoiles.

Grâce à une adaptation réussie en version ciné-concert, ce film documentaire réalisé par Pierre-Emmanuel Le Goff et mis en musique par Guillaume Perret, trouve un second souffle près de cinq ans après sa sortie en salle. Ce long-métrage retrace l'incroyable odyssée spatiale, en 2016, de l'astronaute Thomas Pesquet. Il nous plonge dans l'inconnu depuis le cosmodrome de Baïkonour au Kazakhstan jusqu'à la Station Spatiale Internationale en orbite à quelques 400 kilomètres au-dessus de la Terre et depuis laquelle 16 levers de soleil par jour sont visibles.

Sous la magie du quartet de Guillaume Perret, compositeur de la bande originale du film, cette aventure se dévoile comme un space opera. La rencontre de la musique et de l'image est aussi intense que poétique, avec en fil rouge l'œuvre d'Antoine de Saint-Exupéry, dont les écrits accompagnèrent Thomas Pesquet dans l'espace.

Le groove puissant et onirique de Guillaume Perret donne une ampleur fascinante à ce voyage. Au gré des morceaux, il alterne avec aisance entre les saxophones tenor et soprano. À ses côtés sur scène, trois talentueux musiciens : Yessaï Karapetian aux claviers, Julien Herné à la basse et Martin Wangermée à la batterie.

Leurs notes transforment ce périple en une expérience immersive inédite pour le spectateur : l'intensité qui monte crescendo au départ des cosmonautes ainsi qu'au décollage de la fusée, l'émotion de découvrir la beauté de la Terre vue de l'espace, le tout sur des mélodies aussi jubilatoires que sensibles.

Une palette de couleurs et de sons inouïe s'offre à nos sens, nous captive. La musique est aussi céleste que le sont les images, et illustre ainsi à merveille toute la fragilité de la Terre. Les compositions nous transportent et nous surprennent comme l'hymne américain, le "Star-Spangled Banner", revisité de manière réussie et électrique. Le point d'orgue de ce ciné-concert : une relecture sublime du titre "Les mots bleus" de Christophe, lovée sur des images hypnotiques et qui nous conduit en apesanteur émotionnelle. Un vol zéro G du cœur !

À l'instar de Saint-Exupéry, 16 Levers de Soleil suscite admiration et méditation, notamment lorsque sa voix résonne en ces mots : "la terre nous en apprend plus long sur nous que tous les livres. Parce qu'elle nous résiste. L'homme se découvre quand il mesure avec l'obstacle" (Terre des hommes). Un ciné-concert sur les routes [1] et à découvrir de toute urgence !

[1] A commencer par le 7 septembre à L'Eole Factory Festival de Mantes la Jolie (78)

Segal / Sissoko / Parisien /Peirani

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2023-05-29T17:30:00Z

Retour sur une soirée de la Saison Jazz à Vienne 2022-2023 à l'Auditorium de Lyon, où ce quartet franco-malien, union de deux prodigieux duos, celui de Ballaké Sissoko (kora), complice de Vincent Ségal (violoncelle), et celui d'Émile Parisien (saxophone soprano) et de son fidèle acolyte Vincent Peirani (accordéon), nous a livré un concert remarquable fin avril.

Il y a comme une évidence à ce que ces quatre artistes se produisent sur les terres lyonnaises, puisque cette collaboration est née en 2019, à l'initiative de Vincent Ségal, sur la scène de l'Odéon dans le cadre des Nuits de Fourvière. Ce moment éphémère s'est concrétisé quelques années plus tard par une gourmandise, l'album Les Egarés, sorti fin mars chez Nø Format.

Les premières notes de "Ta Nyé" résonnent sous l'archet de Vincent et les doigts de Ballaké, avant que le chant du saxophone, puis de l'accordéon, nous embarquent pour un superbe voyage.

Une onctueuse virtuosité parcourt les mélodies et nous transporte de rives en rives tant le dialogue entre les quatre artistes est limpide et sincère. Les musiques tissent des espaces de liberté où il est agréable de se perdre en leur compagnie. Le quartet déroule avec aisance et complicité les morceaux, tout en sachant mettre en lumière le talent de chacun.

Leur union nous prouve l'existence de mondes musicaux à mélanger pour créer une poésie ébouriffante et universelle. Comment ne pas frissonner au son d'"Izao", avec la passion captivante de Vincent à l'accordéon, mêlée au souffle lyrique d'Émile, puis avec les rythmes aériens de Ballaké et Vincent sur "Nomad's Sky". Un métissage qui abolit les frontières avec respect et raffinement.

Sur ce répertoire aux confins du jazz et des musiques du monde, le quartet offre un live intimiste et dialogue avec le public. Le concert se conclue avec une reprise d'"Esperanza", thème composé par l'accordéoniste Marc Perrone : hommage diablement entraînant et dansant.

L'auditorium ovationne les quatre musiciens, car il est difficile d'accepter la fin de ce voyage musical. Il faut alors toute la générosité de ce quartet, pour prolonger encore quelques instants cette expérience des plus convaincante avec des rappels tout en beauté.

Le titre de l'album présenté ce soir, Les égarés, sied plutôt au public qu'à ce quartet rodé, tant nous nous sommes laissé dériver avec délice sur des terres inconnues et merveilleuses.

Un concert qui rend compte de cette magique amitié musicale, et qui nous a fait vivre un instant suspendu.

Guillaume Perret : "chaque projet est une recherche personnelle"

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2023-01-31T09:00:00Z

Le saxophoniste Guillaume Perret était en résidence fin décembre 2022 à la Maison des Artistes de Chamonix pour parfaire son projet Simplify, un duo avec le batteur Tao Ehrlich, que nous avions découvert l'été dernier au festival Jazz sur la Plage [1]. Rencontre et plongée dans son univers musical au gré de ses récentes créations et projets en cours.

Guillaume, tu es actuellement en résidence à la Maison des Artistes où tu vas nous présenter en fin de semaine un de tes derniers projets : Simplify. Comment est née l'envie de ce format duo sax - batterie ?

Je crois que j'étais motivé par l'envie de revenir à un procédé d'écriture différent. Après avoir fait un album solo [Free, conçu et enregistré à la Maison des Artistes, sorti en 2016], puis un en quartet [A Certain Trip, sorti en 2020 [2]], j'avais besoin de revenir à un mode scénique un peu différent du "concept traditionnel". Et puis créer de nouvelles possibilités dans pleins de domaines, aller vers de nouveaux horizons.

Avec Tao nous préparons l'album. Il est impliqué dans ce projet et nous avons du temps ensemble ici pour travailler tous les deux en studio. Simplify est en cours de construction. C'est un projet qui tourne déjà depuis un an et qui évolue sur la route.

Qu'est-ce qui a motivé le choix de Tao Ehrlich pour t'accompagner sur cette création ?

C'est un batteur assez magique. Pour Simplify, j'ai besoin d'ouvrir un petit peu la porte à la collaboration. Clairement, je trouve que de par son âge, son pedigree ou son éducation musicale - c'est le fils de Loy Ehrlich, du groupe Hadouk -, il a un truc vraiment musical. C'est très ancré en lui, très naturel aussi et il est très autodidacte, ce que j'apprécie particulièrement. Son approche est complémentaire à la mienne.

Il a une réflexion assez profonde sur les synthétiseurs, les sons, les arrangements. Tao est aussi bassiste, et ses connaissances en la matière m'ont permis de beaucoup avancer cette semaine dans notre projet. Il a carrément les épaules pour s'impliquer à mes côtés, c'est cool !

Dans chacun de tes projets, le choix des musiciens semble animer par une rencontre humaine. Est-ce essentiel pour toi qu'un lien d'amitié se tisse ?

Oui, c'est une famille ! Fabien Terrail, mon ingénieur son, est aussi très important dans ce projet.

Simplify, est-ce la symbolique d'un retour aux racines pour se (re)trouver ?

Je pense qu'au travers de chaque projet, c'est une recherche personnelle qui se fait. Je ne sais jamais où cela va m'amener, j'ai des envies et j'essaie. Parfois tout est embrumé et le fait de travailler, le ciel se dégage petit à petit et je trouve. C'est un processus de création avec de l'inattendu à chaque fois. Pour Simplify, je souhaitais à la base réaliser quelque chose d'extrêmement simple, juste avec la batterie. Quelque chose d'épuré, mais chassez le naturel, il revient au galop ! Je ne sais pas au final si c'est très épuré ? [rires]

Beaucoup de défis techniques à relever ?

Oui, et nous avançons sur ce point, notamment pendant cette résidence.

Une résidence "lumière" précédera ton concert du 24 février au VIP de Saint-Nazaire. L'envie d'une scénographie particulière pour Simplify ?

Je commence en effet à mettre en place avec Jonathan Chassaing, mon ingé lumière, des outils de captation d'images, de mouvements sur scène. L'objectif est de faire des choses qui interagissent en direct. Une création vidéo et lumière qui évolue avec le spectacle. Nous travaillons sur des outils interactifs que je souhaite simples et efficaces.

Quel est l'échéancier de Simplify ?

Nous entrons en studio au mois de mars pour enregistrer l'album. Puis je souhaite sortir un ou deux titres d'ici cet été, et nous serons prêts pour la rentrée !

Toujours avide de nouvelles expériences, tu as récemment travaillé sur un ciné-concert 16 levers de soleil. Ce film documentaire, dont tu as composé la BO, retrace l'épopée spatiale de Thomas Pesquet à bord de l'ISS. Quelques mots sur cette aventure avec ton quartet ?

Le réalisateur Pierre-Emmanuel Le Goff m'avait initialement commandé un "space opera". J'avais habillé le film avec mes musiques suivant un minutage très précis qu'il m'avait communiqué. J'avais rempli cette mission avec des musiques qui prenaient vraiment leur place, comme sur les décollages de fusée qui durent un certain temps : avec juste le bruit des moteurs, je mettais un morceau bien fat avec une accélération calée sur le décollage. Je souhaitais que ce soit assez orchestral et punchy. J'ai adoré ce travail. Puis j'ai découvert le film lors de la projection au Festival de Cannes aux côtés de Thomas Pesquet. J'étais frustré parce que je n'ai pas reconnu mon travail. Beaucoup de choses ont été modifiées dans le montage final. Pour ce ciné-concert, c'est différent puisque j'ai réalisé le montage avec le réalisateur et mon ingé lumière. C'est un réel second souffle pour le documentaire avec la musique calée ainsi. Tu vois, ressens toute l'écriture, la structure et la force des morceaux par rapport aux images. Il m'a laissé un peu les commandes et a validé mes propositions de cuts pour le film. J'ai vraiment kiffé !

Des dates sont prévues pour ce ciné-concert 16 levers de soleil ?

Oui, il y aura des dates en 2023.

As-tu d'autres actus musicales à nous confier ?

Oui, plusieurs ! En fait, je me suis trouvé une maison que j'adore, en Loire Atlantique. J'y ai aménagé mon petit studio et j'ai tout ce dont j'ai besoin pour vivre. Il se trouve que la région m'accueille trop bien, dans le sens où il y a pleins de choses qui se sont développées : en termes de participation à des festivals dans la région en tant qu'artiste des Pays de Loire, en termes de création avec "16 levers de soleil", fabriqué à Vannes, ou encore de résidence au VIP. Très récemment, j'ai été reçu par la Fédération Régionale du Jazz qui va me permettre d'être en résidence pendant deux ans sur plusieurs salles du territoire. Une superbe opportunité !

Tu es aussi très investi localement auprès des jeunes musiciens...

Oui. Dès que je suis arrivé dans cette région, j'ai collaboré avec des écoles de musique. J'ai travaillé avec celle de Saint-Brévin et, actuellement, avec les options musicales du lycée Aristide Briand à Saint-Nazaire. Toujours à Saint-Nazaire, un énorme projet se met en place : l'année prochaine, un nouveau conservatoire va voir le jour et j'interviendrai pendant deux ans pour des workshops, des créations, des travaux avec des petits et grands ensembles.

Tu as donc une fibre pédago, tu t'investis beaucoup dans l'enseignement ?

Je développe de plus en plus une activité de transmission, via des visites ponctuelles dans divers endroits. J'aime varier les formes d'intervention : parfois je fais des arrangements de mes propres morceaux, comme en ce moment "Shoe Box" avec le lycée Aristide Briand, et d'autres fois sous forme d'atelier, de conférence. C'est hyper vivant et nourrissant. Enseigner te fait toujours avancer. Actuellement, je compose une pièce pour 30 saxophonistes pour le conservatoire de Strasbourg et ça va être génial !

Une actualité riche de projets et de surprises !

Oui ! D'ailleurs, nous préparons un gros évènement en avril avec les saxophones Selmer… Une surprise incroyable ! Et autre nouvelle : John Zorn a libéré les droits pour rééditer mon premier album, qui était sorti sur son label, Tzadik, et le sortir en streaming. Cela coïncide avec les 10 ans d'Electric Epic, donc sortie vinyle de cet opus qui sera prête pour le Disquaire Day. Alors oui, une année riche en perspective !

Nous suivrons ça de près sur Le Cargo ! Merci Guillaume !

[1] Voir notre article ici.

[2] Voir notre article ici.

Guillaume Perret

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2022-12-05T09:15:00Z

Ce vendredi 9 décembre, Guillaume Perret foulera la scène des Transmusicales de Rennes avec son nouveau projet, Simplify. Cette 44ème édition du festival international de musiques actuelles offre une programmation éclectique, fidèle à son ADN de dénicheurs de talents issus de tous les horizons musicaux.

La présence de Guillaume Perret résonne alors avec évidence tant ce saxophoniste révèle un instinct créatif protéiforme au fil de ses aventures musicales. Guillaume est un artiste que nous pourrions qualifier d'OVNI puisqu'il s'amuse des codes en jouant une musique aux multiples influences, mais aussi en nous livrant des performances live à couper le souffle. Une chose est sûre est qu'il n'en manque pas et ne cesse de se réinventer.

Nous avons découvert Simplify par une magnifique nuit de pleine lune d'août dernier, à l'occasion d'un concert terriblement efficace au festival Jazz sur la Plage d'Hermance, dans le canton de Genève.

Ce duo avec le batteur Tao Ehrlich est un départ assumé vers la simplicité où l'esthétique est précise et vertigineuse : véritable ciseleur de sons, Guillaume ne fait qu'un avec son saxophone électrique et embarque rapidement le public dans un univers onirique, jouant avec aisance de ses pédales, de ses loops et autres effets électrifiés pour délivrer des mélodies solaires, festives et puissantes.

À ses côtés Tao, un prodige de la batterie, déploie des rythmiques qui s'entremêlent et font écho aux sons du sax. Un dialogue évident et naturel entre les deux compères s'opère. Ce duo nous transporte dans une transe enivrante, un véritable shot de dopamine. Le public ne peut que se laisser captiver et charmer par ces grooves énergiques, organiques où bruissent sensibilité et subtilité : l'art de manier l'intensité et l'intime.

Loin d'être intimidés par la créativité, Guillaume et Tao décloisonnent les frontières du jazz et transfigurent les notes en un éventail d'émotions grisantes. Simplify revêt une patte sonore électro singulière d'autant plus magnifiée par l'ingénieur du son Fabien Terrail, qui fait partie intégrante du projet.

Une création ambitieuse et exigeante menée avec brio, et qui préfigure un album à venir des plus captivants prévu pour l'automne 2023. Dans l'intervalle, nous pourrons profiter de Simplify en live : outre les Transmusicales, le duo électrisera notamment la Maison des artistes de Chamonix le 30 décembre et le VIP de Saint-Nazaire le 24 février 2023.

mohs.

Emmanuelle Nemoz, Maud Rm — 2021-11-04T17:00:00Z

Dans le cadre de la 25ème édition du festival transfrontalier franco-suisse Jazz ContreBand, et toujours fidèle à sa programmation exigeante, Château Rouge Annemasse a eu l'excellente idée de programmer mohs. [1], un quartet qui magnifie l'esprit du jazz et augure des projets les plus enthousiasmants, mais que l'on a encore trop peu l'occasion de voir sur scène.

Ce groupe, né en 2017, est le fruit de la rencontre entre le trompettiste Zacharie Ksyk et le guitariste Erwan Valazza sur les bancs de la Haute Ecole de Musique de Lausanne (HEMU). Dans leur quête musicale, ils s'entourent de Gaspard Colin à la basse et Nathan Vandenbulcke à la batterie pour interprêter leurs compositions, et le quartet franco-suisse est, dès l'année suivante, le Coup de Cœur du Jury du tremplin Jazz ContreBand.

Fin 2019 sort leur premier album éponyme, en auto production, une belle réussite qui nous avait séduit lors du premier concert auquel nous avions pu assister (voir notre article ici).

Leur complicité s'étant étoffée au fil des années, mohs. compose et arrange dorénavant à quatre dans un home studio genevois et prépare ainsi un second album dont la sortie est prévue début 2022, avec à la clef une série de concerts sur le sol helvétique puisque le quartet a été sélectionné par le festival Suisse Diagonales Jazz.

Sur la scène de la grande salle de Château Rouge, mohs. nous a offert un quadruple alignement d'étoiles avec un jeu collectif tout en émotions : leur répertoire est captivant et dépeint un univers tapissé d'acoustique et d'une touche raffinée d'électronique. Chaque son est travaillé avec minutie et le quartet déploie un subtil mélange d'écriture et d'improvisation.

Des compositions d'où émanent des instants de grâce colorés par les envolées lyriques de Zacharie à la trompette. Une symbiose s'exprime entre ces quatre talents qui déroulent un set aérien et la section rythmique de Gaspard et Nathan apporte une véritable profondeur à l'ensemble.

Les spectateurs sont plongés dans une atmosphère feutrée et enivrante comme sur "Kaléidoscope", où l'intensité monte crescendo et nous enveloppe de frissons. Les mélodies sont d'une efficacité imparable et savamment embellies par le jeu d'Erwan à la guitare électrique.

Les titres joués sont majoritairement issus de leur premier opus avec en primeur un nouveau morceau sublime et onirique (encore en attente d'un titre définitif !), au cours duquel Nathan déploie un jeu mystique et habité dont on ne se lasse pas. Sans nul doute le présage d'un second album de grande qualité que l'on a hâte d'entendre !

Jusqu'à la dernière note, mohs. offre avec "Ouvéa" un sentiment d'espace, de respiration, de plénitude qui cueille et séduit le public, la seule difficulté étant de se résigner aux trente minutes de concert qui leur étaient imparties en tant que première partie du saxophoniste Kenny Garrett.

Il en reste un sentiment de frustration avec l'envie que se poursuive ce voyage musical proposé par mohs., qui peut prétendre à un 10/10 sur l'échelle de dureté des pierres précieuses qui leur a donné leur nom : mohs., le diamant brut qui libère une créativité redoutable.

[1] Sans majuscule, et avec un point final.